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'Alle Vigne' di Lodi in scena 'Foglie di Beslan'

2012-02-10T14:58:00.000+01:00

LA COMPAGNIA IL RAMO presenta
FOGLIE DI BESLAN
TEATRO ALLE VIGNE - Lodi
Venerdi 24 febbraio ore 21.00

«Ogni uomo ha dentro di sé la sua Patmos e la sua Apocalisse.

È libero di recarsi su quello spaventoso promontorio dove andò Giovanni, assediato dalle tenebre: ma là, su quel promontorio, si è in attesa della luce e dell'alba ». Victor Hugo

FOGLIE DI BESLAN è una performance di grande impatto emotivo: In scena 9 danzatori e tre attori per un atto di accusa contro la guerra, la sopraffazione, il calcolo e l’interesse. I personaggi come nel Libro dell’Apocalisse, rappresentano simbolicamente una realtà corrotta, dispotica e sedotta dal male, dove l’oltraggio, la violenza e la persecuzione, sono considerate oggi più di ieri “normali.”. Tra i molti temi qui evocati, spiccano la brutalità quasi bestiale dell’individuo nel vivere quotidiano, la pulizia etnica, la seduzione di falsi profeti, l’incubo nucleare. Foglie di Beslan vuol essere uno sguardo realista sul mondo e sulla storia , un richiamo a riflettere e ad assumerci le proprie responsabilità senza tuttavia avvalorare la tesi per cui, secondo alcune profezie collegate alla new age, e pseudo-profeti, saremmo prossimi ad una imminente fine del mondo; un mondo che oggi guardiamo con qualche timore e perplessità, ma anche con l’ottimismo e la speranza di credere che, “In-Fine”, ma solo se lo vogliamo, a vincere, sarà la forza dell’ “Amore”.

Musiche: G. Allevi-I.F.Stravinskij- L. Einaudi- J.S Bach

Coreografie e regia: Domenico Ausilio: Sabrina Pedrazzini

Video Effects: Mauro Valle

Disegno luci: Piera Rossi

Scene: Salvatore Guglielmo

CORPO DI BALLO:

Simone Bacchetta, Paola Belloni, Nadia Locatelli, Luca Nicetto, Silvia Notaro, Mattia Nurro, Andrea Truzzi, Giada Truzzi, Federica Racconi

ATTORI: Elsa Bossi, Vanda Bruttomesso e con la partecipazione di Antonio Zanoletti

A Pisa "L'opera da tre soldi"

2012-02-09T15:34:00.004+01:00

C’è grande attesa per il nuovo frutto del Progetto LTL Opera Studio 2011, che vede uniti da oltre dieci anni i tre Teatri di Tradizione della Toscana (Livorno, Lucca e Pisa), cui quest’anno si è aggiunta la prestigiosa partecipazione di Maggio Formazione grazie al progetto regionale Opera Futura.

Approda così a Pisa questo fine settimana L’opera da tre soldi (Die Dreigroschenoper), che dopo il felice debutto al Teatro Goldoni di Livorno (quest’anno capofila della coproduzione), è in scena al Teatro Verdi sabato 11 febbraio alle ore 20,30 (in abbonamento nella 45^ Stagione dei Concerti della Normale) e domenica 12 febbraio alle ore 16 (in abbonamento nella Stagione Lirica del Teatro di Pisa).

L’opera viene proposta nella versione italiana firmata dal maggiore artefice della rinascita del teatro brechtiano in Italia, Giorgio Strehler, e in una versione scenica che ‘rilegge’ il capolavoro di Brecht-Weill in una chiave ‘virtuale’, sospesa tra teatro ‘politico’ e ammiccamenti al musical: questa l’impostazione del regista irlandese David Haughton, che firma anche scene, costumi e luci, per molti anni collaboratore del grande artista inglese Lindsay Kemp e impegnato da tempo nella messinscena del musical e del teatro musicale contemporaneo. Le videoproiezioni che animano lo svolgersi delle vicende sono state realizzate dagli allievi del Corso “Scenografie informatiche e multimediali per il teatro lirico”, coordinato da Giacomo Verde e inserito nel progetto “Opera Futura”.

Sul podio dell’Orchestra della Toscana è Nathalie Marin, giovane direttore francese, fra le poche donne “bacchette direttoriali”, apprezzata interprete del repertorio sinfonico operistico del Novecento storico e della musica contemporanea, attuale direttore musicale dell’Orchestra Sinfonica Nazionale di Quito (Ecuador).

Capolavoro del teatro musicale del Novecento storico, L’opera da tre soldi è nata da una delle più straordinarie collaborazioni artistiche del secolo scorso quale quella tra il grande drammaturgo tedesco Bertolt Brecht e il compositore Kurt Weill, sodalizio che il progetto LTL Opera Studio aveva già esplorato nel 2008 con Ascesa e caduta della città di Mahagonny. Ispirata a un lavoro teatrale del Settecento britannico, The Beggar’s Opera (L’opera da mendicante) del poeta e drammaturgo inglese John Gay e del musicista John Pepusch, L’opera da tre soldi vuole imporsi, nelle intenzioni dei due autori, come la realizzazione di un tipo di drammaturgia musicale che mira a contenuti sociali di scottante attualità e a una sorta di scandaglio morale avente come oggetto l’uomo del ventesimo secolo e il milieu che lo circonda.

Ventiquattro i giovani cantanti impegnati per le sei rappresentazioni in programma (a Livorno, a Pisa e a Lucca), selezionati attraverso specifiche audizioni e vari stages preparatori che si sono svolti nelle sedi dei teatri coproduttori.

Pochissimi i biglietti rimasti disponibili, in vendita al Botteghino del Teatro Verdi.

Per informazioni tel 050 941111

"I masnadieri" di Lavia al Teatro del Giglio

2012-02-08T16:50:00.003+01:00

Gabriele Lavia riprende I masnadieri dopo la sua memorabile interpretazione di trent’anni fa (in scena nel ruolo di Franz), che lo consacrò tra i maestri del teatro italiano e fece registrare allo spettacolo una serie infinita di ‘tutto esaurito’; stavolta resta dietro le quinte, e sviluppa il grandioso stile di Schiller e la sua straordinaria abilità scenica in un allestimento energico, visionario e potente, carico di suggestioni oscure e indignate.

Leggendo Schiller con occhi contemporanei, Lavia sottolinea gli impressionanti parallelismi tra questo testo e il mondo attuale: la lotta per il potere, il disagio sociale, il tentativo di riscossa che si serve della violenza per riuscire. Sulle scene di Alessandro Camera, con i costumi dark di Andrea Viotti e le luci di Simone De Angelis, contornate dalle cupe trame sonore della chitarra di Franco Mussida, la poesia e le emozioni di Schiller rivivono oggi con inalterato vigore, in uno spettacolo corale appassionato e di grande presa.

Con questo spettacolo Gabriele Lavia fa iniziare la vita della Giovane Compagnia del Teatro di Roma, una ventina di attori pieni di ardore, impegnati a ricoprire i ruoli della masnada. Tutto ruota attorno a Karl Moor (Simone Toni), diventato brigante perché caduto in disgrazia presso il padre (Gianni Giuliano) per i complotti del suo invidioso fratello Franz (Francesco Bonomo), il quale, una volta costretto Karl a restare lontano da casa, cerca anche di sedurne l’innamorata Amalia (Cristina Pasino). In una spirale di menzogne, imprese di briganti e forti passioni, Karl cerca di ristabilire la giustizia anche compiendo gesti efferati, ma tutto è vano, e niente potrà impedire alla tragedia di compiersi.

Teatro del Giglio, Lucca

venerdì 10 e sabato 12 febbraio, ore 21.00

domenica 12 febbraio 2012, ore 16.30

I Masnadieri

di Friedrich Schiller

regia Gabriele Lavia

scene Alessandro Camera

costumi Andrea Viotti

luci Simone De Angelis

musiche Franco Mussida

con Gianni Giuliano, Simone Toni, Francesco Bonomo, Cristina Pasino, Marco Grossi, Filippo Detoro, Luca Marascolo, Fabio Casali, Giulio Pampaglione, Giovanni Prosperi, Alessandro Scaretti, Michele De Maria, Daniele Gonciaruk, Luca Mannocci, Carlo Sciaccaluga, Andrea Macaluso, Davide Gagliardini, Daniele Ciglia

Biglietti da 10 a 30 euro
Biglietteria del Teatro del Giglio: tel. 0583 465320
e-mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it
Info: www.teatrodelgiglio.it

L’immaginifico mondo di Padre Ubu secondo Roberto Latini

2012-02-07T15:58:00.004+01:00

Autore: Silvia Cosentino - Caporedattore di 4rum.it

Il Fabbricone di Prato ha visto il debutto del nuovo spettacolo di Roberto Latini: dopo “l’incatenato”, ecco Ubu Roi di Alfred Jarry, straordinario precursore di quello che poi diverrà il Teatro dell’Assurdo. Occasione non tanto di rappresentazione, quanto di condivisione, come lo stesso regista specifica nelle sue note.

Ci sono spettacoli senza teatro, che mostrano, narrano, spiegano, annoiano: spettacoli che, del teatro, conservano solo elementi fisici, palcoscenico, attori, pubblico. C’è ancora, per fortuna, il teatro vero, quello che interpella, scuote, tiene incollati alla poltrona dando tuttavia la sensazione di non essere poi tanto stabili; quello che travalica il tempo e lo spazio, che suggerisce, richiama e ricorda. Questo è Alfred Jarry, questo è Roberto Latini che magnificamente lo rappresenta, anzi, lo condivide.

Lo splendido spazio del Fabbricone e tre pareti bianche bastano per dare un pur provvisorio, fuggevole spazio a Padre Ubu, ai suoi terribili compari e nemici: uomini straziati, maschere, animali. Corpi lacerati nella forma e nei suoni, fin da quel primo “merdra”, leit motiv di un senso che non è più e che, forse, non è mai stato. In perfetta linea con quella “patafisica” inventata da Jarry (definita come scienza delle soluzioni immaginarie), sette interpreti sono alternativamente maschi, femmine, orsi: accozzano abiti di varia estrazione, pochi oggetti, distinguendosi pur essendo tutti uguali. Tutti uguali pur distinguendosi. Latini cuce per sé la veste di un beniano Pinocchio, straziante, incatenato alla vita e al suo assurdo. Cambiando continuamente voce, al microfono lancia immagini, strappa viaggi mentali che, come stilettate, arrivano dritte ai sensi. Ecco, come in sogno, arrivare brandelli di capolavori shakespeariani: lui, così granitico, così immortale, così sempre sconvolgente e alieno seppur definito, per comodità, classico. I vari personaggi comunicano come possono, in assenza di un codice che li renda tra loro e a noi decifrabili; la vicenda è scarno pretesto, rupe da cui spiccare il volo verso mille immagini ora crude, ora intrise di poesia.

I primi dieci minuti richiedono il grande forzo di lasciarsi abbandonare, di allontanare mente e corpo dall’atteso, dal conosciuto; occorre mettersi a totale disposizione di ciò che abbiamo di fronte senza pretendere nulla, tantomeno di capire. Solo in questa predisposizione di viscere e spirito il pur lungo spettacolo inizia a fluire dentro di noi, divenuti terreno fertile e pronto a recepire tutto l’onirico profuso da gesti e suoni. Uno spettacolo del genere si presterebbe all’ormai inflazionato sfondamento della quarta parete, ma apprezziamo che questo non avvenga: i personaggi restano irrimediabilmente altrove, lontani seppur così vicini e vibranti, come intoccabili e fatti di sola aria, di solo pensiero.

Un pensiero potente e terribile, urlato e sussurrato, che sembra arrivare dai confini del mondo, ma che, indiscutibilmente, parla a noi e di noi.

Lo spettatore impavido non può perderlo.

1/ 11 FEBBRAIO 2012 | feriali ore 21.00, festivi ore 16.00, lunedì riposo | FABBRICONE

UBU ROI

di Alfred Jarry

regia ROBERTO LATINI

musiche e suoni Gianluca Misiti

scena Luca Baldini

costumi Marion D'Amburgo

luci Max Mugnai

assistente alla regia Tiziano Panici

con Roberto Latini

e Sebastian Barbalan, Lorenzo Berti, Fabiana Gabanini, Ciro Masella, Savino Paparella, Simone Perinelli, Marco Jackson Vergani

Produzione TEATRO METASTASIO STABILE DELLA TOSCANA / FORTEBRACCIO TEATRO

Prima nazionale

La Talpa – Thomas Alfredson

2012-02-05T10:46:00.001+01:00

Autore: Alessandro Busnelli

1973. Controllo, il capo dei servizi segreti britannici, pare ossessionato dalla presenza di una talpa ai vertici dell'intelligence. Il piano per stanarla si rivela un disastro tale da costringerlo al prepensionamento. Sarà il suo luogotenenente Smiley a portare avanti la ricerca.

Film inglesissimo, tratto dal romanzo “Tinker, Taylor, Soldier, Spy” di David Cormwell, che fu ai suoi tempi un agente segreto al servizio di sua maestà, con i migliori interpreti d'Albione diretti però da uno svedese Thomas Alfredson, alla sua seconda prova registica dopo il successo di “Lasciami Entrare”(terrificante quadretto di vampiri e (pre)adolescenti, agli antipodi della passione luccicante della saga di Twilight).

Lo sappiamo tutti, James Bond è figo, aitante, partecipa a feste raffinate accanto alle donne più belle del mondo, quando ovviamente non è occupato in inseguimenti mozzafiato. Qui abbiamo invece George Smiley è un uomo di mezzetà che subisce senza reagire i tradimenti della moglie, ordinario, forse invecchiato precocemente. Pare nell'aspetto un impiegato qualsiasi, nonostante faccia parte del Circus, la ristretta cerchia che guida dei servizi segreti britannici.

Già dal protagonista pare evidente la scelta autoriale di Alfredson, che rinuncia all'azione adrenalinica e alla patina glamour che tutte le spettacolari spy-story contemporanee non mancano di riutilizzare.

Lo svedese si approccia alla maniera più classica del genere, strizzando l'occhio a Hitchcock nella costruzione narrativa (Intrigo Internazionale), senza però avere la stessa capacità di creare tensione dell'impareggiabile precessore. Un film quindi già al suo concepimento si presenta come obsoleto, fuori moda, freddo, e sembra ribadirlo nel grigiore e nell'anonimia delle scenografie(oltre che nel/i protagonista/i) e della fotografia, dall'assenza di una colonna sonora che accompagni la narrazione , in un periodo, i 70s, che ci hanno abituato a ricostruzioni lisergiche, colorate vivacemente, dalla colonna sonora rock. Si aggiunga a tutto ciò la lentezza della intrigata trama e la scelta di romperne la linearità con salti temporali e discontinue scene narrative; ne verrà fuori che probabilmente lo spettatore avrà un moto di rifiuto di fronte a questi che dovranno essere i punti deboli della pellicola. Che sono però i punti forti, di pregio, se lo spettatore accetta di partecipare attivamente a colmare le lacune volutamente e diffusamente dispiegate, a memorizzare una grossa mole di volti e informazioni, a farsi ingannare. Una sorta di scelta mimetica della forma rispetto al contenuto: nel mondo dello spionaggio le cose non sono mai che sembrano, la verità è sempre celata, e relativa. Qui le parole non spiegano, e non sono spiegate, i nodi fanno fatica a sciogliersi, i cambi di scena o di tempo non sono introdotti chiaramente (e a rafforzare l'ipotesi l'unica occasione in cui il passato emerge dalle parole di un personaggio, non si risolve in un flashback telefonato, ma quasi a sorpresa nella recitazione e nella mimica della scena) e le stesse scene talvolta sono riprese secondo prospettive diverse, che gettano nuova luce su quanto si è creduto di vedere.

Nulla si può dire della trama senza svelare e immancabilmente distruggere la visione, se non apprezzarne la messa in scena frammentaria e poliedrica, il lasciar emergere qua e là elementi emotivi nei freddi burocrati dell'intelligence, intuiti e mai spiegati(il culmine nel finale riducendo all'osso per evitare spolier, siamo di fronte alla vendetta di un'amicizia virile tradita oppure a una soggiaciuta relazione omosessuale? Gli indizi ci sono, chiari ma immersi un quadro affollato).

L'anti-pathos del film porta quasi a non chiedersi chi sia davvero la talpa, quasi secondario nel labirinto di trame, sottotrame e personaggi a cui si è andati incontro, ma piuttosto come si risolveranno tutti gli orizzonti accennati e ritenuti dovuti, tipico dei film americani che dei film di spionaggio sono i padroni indiscussi.

La visione del film è paragonabile allo spettacolo dell'affastellarsi dei singoli pezzi di un mosaico che si compone in diretta, che richiede percià molta attenzione e motivazione da parte del pubblico, appesantendo la pellicola nel complesso, che non sarà in grado di infiammare gli animi, ma non delude né annoia. Non si tratta quindi di noia, ma di fatica, a tratti troppa, e questo è un punto a sfavore, la componente negativa(oltre alla scarsa volontà a comunicare del regista) ma necessaria per gustare un'opera solida, ben costruita, (volutamente)fredda ma con ritmo, che si scontra con la tendenza spettacolarizzante, semplicistica, lineare, televisiva dei prodotti cinematografici del genere. Chiudendo e rubando la battuta finale della talpa smascherata che sembrerebbe pronunciata dal regista stesso: “E’stata una scelta estetica oltre che morale. L’Occidente è diventato così brutto, non trovi?” e, aggiungerei, una scelta estetica vincente.

Pamela Villoresi magistrale Medea al Verdi di Pisa

2012-02-03T10:57:00.002+01:00

Questo fine settimana torna al Teatro Verdi di Pisa la signora della scena italiana, Pamela Villoresi, eccellente protagonista di uno dei personaggi più estremi e affascinanti della tragedia classica e moderna: Medea.

Prodotto da Argot Produzioni e Associazione Teatrale Pistoiese, in collaborazione con il Teatro dei Due Mari, Medea è in programma sabato sera (4 febbraio) alle ore 21 e domenica pomeriggio (5 febbraio) alle ore 17.

La regia di questo spettacolo, dove le suggestioni antiche si vestono di una sensibilità contemporanea incantando il pubblico con un distillato di parole ed emozioni che non possono non colpire, è di Maurizio Panici, coautore con Michele Di Martino della traduzione e dell’adattamento da Euripide. Protagonista insieme con Pamela Villoresi è David Sebasti, nel ruolo di Giasone. Con loro Renato Campese (Creonte), lo stesso Maurizio Panici (Egeo), Silvia Budri Da Maren (Nutrice), Andrea Bacci (Messaggero) e Evelina Meghnaghi (Prima Corifea).

Il progetto scenico è del pittore Michele Cacciofera, elaborato da Giorgio Gori. Di Michele Cacciofora anche il progetto dei costumi. Le luci sono di Emiliano Pona. Musiche di Luciano Vavolo, canti di Evelina Meghnaghi.

Medea la sapiente, Medea la barbara, Medea la donna che, prima fra tutte, non agisce spinta da un impulso erotico o sentimentale ma per rispondere a una ingiustizia : “ecco Medea ….ecco la sventura di una donna” dice di sé al termine di un lunghissimo e straziante monologo.

Medea ha debuttato con successo il 22 maggio del 2010 al Festival dei Due Mari di Tindari.

Biglietti al Botteghino del Teatro Verdi, in via Palestro 40.

Per informazioni Teatro di Pisa tel 050 941111

The Iron Lady - Phyllida Lloyd

2012-02-03T10:48:00.003+01:00

Autore: Giuseppe Pognante

Per due anni mi son sentito dire dalla mia professoressa la stessa identica frase: “il cinema non è un gioco, non è per tutti”. E anche se mi ha fatto passare due anni in uno stato di terrore e ansia perenne, devo arrivare alla conclusione che aveva ragione.

Perché se ad uscita sala ho definito il film dignitoso (scoprendo, ahimè, che questo aggettivo ha più asserzione negativa che positiva), via via il giudizio è andato scemando verso una serie di aggettivi che non lasciano dubbi sulla resa finale: poco equilibrato a livello di scrittura e confuso nella messa in scena, con continui flashback che talvolta partono da ricordi, altre volte inseriti attraverso raccordi di montaggio, altre infine senza un reale motivo. Troppo tempo viene sprecato per presentare la gioventù della Margaret Thatcher e troppo poco tempo viene usato per descrivere il suo lungo gabinetto al potere: due singoli episodi per mostrare la sua forza politica e altrettanti per rappresentare la sua capacità di straordinario oratore non possono bastare per descrivere la figura sovversiva e autoritaria della Thatcher. Non che sia un peccato mortale tentare di umanizzare quella che a tutti gli effetti è stata una delle donne più odiate e affascinanti della Storia Contemporanea ma lo diventa se facendo ciò porti la tua attrice in questo baratro di confusione.

Ma nonostante questo Meryl Streep riesce a emergere comunque, dando prova di estrema maturità e spiazzante presenza scenica; non che ne avessimo bisogno ma qui si parla davvero di qualcosa che va oltre, e non mi riferisco ad una semplice prova di immedesimazione o di caricatura, bensì di recitazione vera e propria: postura, gestualità, sguardi e voce. Soprattutto la voce, che qui si dota di nuove sfumature e nuovi colori, arrivando persino ad un timbro che quasi non riconosci essere il suo.

La sua performance è più elevata del film stesso, si ha quasi l’impressione che il film subisca così tanto il suo carisma da non reggere l’incontro, esplodendo. Ed eccomi quindi a ribadire come il cinema non sia per tutti: forse a dirigere la “Lady di Ferro” doveva esserci qualcuno in grado di gestire tanta energia, qualcuno quindi dotato di due grosse “palle d’acciaio”.

Cose per cui vale la pena vivere - Lucio Laugelli

2012-01-31T12:03:00.001+01:00

Presentiamo con piacere ai lettori di 4rum.it l'ultimo lavoro di Lucio Laugelli:

Cose per cui vale la pena vivere from Lucio Laugelli on Vimeo.

Things that make life worth living

▄▄▄▄ Shot with a Canon EOS 550D

▄▄▄▄ Edited with Final Cut Pro

FULL Magazine 6: un numero 'FULL of FASHION'!

2012-01-29T23:42:00.000+01:00

Notizie interessanti sul fronte FULL Magazine, il rivoluzionario free press in continua espansione dedicato all'arte, alla moda, ai viaggi e alla cultura in genere.

Il sesto numero, che amplierà la propria distribuzione anche nelle splendide isole di Malta e Gozo, vedrà la presenza di molte interessanti firme fra cui quella del noto fotografo di moda Max Margheri, già autore di molteplici servizi editoriali e commerciali pubblicati a livello internazionale, che firmerà, in questo caso, una serie di foto esclusive.

Si arricchisce quindi di numero in numero il settore fashion, soprattutto grazie alla guida della giovane Costanza Spinetti, recentemente 'promossa' a responsabile moda della rivista.

Un FULL 6 'carico di moda' quindi che vedrà presente, otre allo shooting di Margheri, un dettagliato resoconto su Pitti, uno speciale dedicato al mood dei teschi e, infine, un ampio servizio fotografico esclusivo con la modella lituana Arleta Vidic fotografata da Filippo Malizia sotto la guida della stessa Costanza Spinetti e l'advising di Valentina Vespasiani per la Major Model Management di Milano.

Tutti pronti quindi!

* La foto di Max Margheri fa riferimento a un servizio realizzato per 'Sartoria Angela Corsani' ed è stata inserita a scopo di anteprima indicativa

FULL Magazine 'sbarca' a Malta e Gozo!

2012-01-25T14:34:00.002+01:00

COMUNICATO STAMPA DALLA REDAZIONE DI FULL MAGAZINE

Siamo felici di annunciare che FULL Magazine 6, la cui uscita è prevista per la metà di marzo, presenterà un ricco speciale dedicato alle splendide Malta e Gozo!

A partire da questo numero, infatti, FULL raggiungerà regolarmente La Valletta e l'isola di Gozo, attraverso un circuito culturale selezionato di cui daremo dettaglio in seguito.

Appena tornato da questo fantastico viaggio con un enorme bagaglio di fotografie, contenuti ed emozioni, FULL Magazine desidera ringraziare, prima di tutto, le moltissime persone e realtà che, a vario titolo, hanno contribuito in modo indispensabile alla realizzazione dell'intero reportage.

Dopo Liverpool, Mosca, lo Yemen, Roma e Madrid, FULL incrementa decisamente la propria attenzione rivolta al tema del viaggio attraverso un lavoro fotografico e contenutistico ancora più completo.Vi aspettiamo come sempre numerosi per godere con noi di questo incredibile tour!

FULL™ Magazine

Francesca Inaudi e Lorenzo Lavia al Teatro Comunale di Pietrasanta

2012-01-15T15:45:00.005+01:00

Dopo il debutto dello spettacolo in Prima Nazionale al Teatro Manzoni di Pistoia, Francesca Inaudi, nel ruolo dell’ incantevole Holly e Lorenzo Lavia, l’ impacciato Paul, saranno i protagonisti di Colazione da Tiffany, quarto appuntamento della stagione di prosa organizzata dalla Fondazione La Versiliana.

Divenuto un classico senza tempo - grazie alla memorabile interpretazione di Audrey Hepburn nel film di Blake Edwards - Colazione da Tiffany sarà in scena al Comunale di Pietrasanta martedì 17 gennaio alle ore 21.15, nella riduzione teatrale di Samuel Adamson dell’omonimo romanzo di Truman Capote.

A firmare la regia dello spettacolo Piero Maccarinelli, che restituirà al pubblico la versione italiana del titolo, tradotto da Fabrizia Pompilio, dal quale non bisognerà però aspettarsi le atmosfere distese e brillanti del film, quanto piuttosto il clima cupo, cinico e l’incertezza degli anni ’40 che aleggia nel romanzo di Capote, con un finale sospeso così come nelle intenzioni dell’autore.

Creatura selvatica e adorabile Holly, sarà interpretata da Francesca Inaudi che torna in teatro dopo 10 anni di lontananza, che l’hanno vista protagonista al Cinema e in Tv, mentre Lorenzo Lavia sarà l’interprete di Paul, ruolo che nel film fu di George Peppard. La Inaudi porta in scena una Holly un po’ lolita cresciuta, un po’ traviata, più somigliante a Marilyn Monroe che non alla Hepburn, per rendere omaggio, a 50 anni di distanza, alla verità narrativa e alle intenzioni di Capote, che nel suo romanzo si era ispirato proprio a Marylin, senza però poi riuscire a ottenerla come protagonista del film.

Biglietteria: prezzi e orari.

I biglietti per lo spettacolo del Teatro Comunale di Pietrasanta sono in vendita al Teatro in Piazza Duomo a Pietrasanta (Lu) e negli orari di apertura del Cinema Comunale. Saranno inoltre in vendita dalle 17 alle 19 nei due giorni precedenti lo spettacolo e il giorno stesso della rappresentazione. Info tel. Tel. 0584 795511 e Fondazione La Versiliana Tel. 0584 265733 – 265735. Prenotazione e prevendita anche online su www.ticketone.it).

Prezzi: Platea 24,00 (ridotto 21,00); Galleria 15,00 (ridotto 12,00), Galleria Speciale Gruppi Studenti 10,00. Le riduzioni si applicano anche ai minori di anni 25, oltre i 65 anni e portatori di handicap.

Per info www.laversilianafestival.it

Alessandro Preziosi è Cyrano al Teatro del Giglio

2012-01-14T15:33:00.003+01:00

Cyrano de Bergerac, l’infallibile poeta spadaccino dall’enorme naso, è uno dei personaggi più conosciuti e amati del teatro. È il francese Edmond Rostand che ne inventa la storia e compone la famosissima commedia omonima, ispirandosi alla figura realmente esistita di Savinien Cyrano De Bergerac, estroso scrittore dalla sfrenata fantasia. Pubblicata nel 1897, la commedia di Rostand fu da subito un eccezionale trionfo di pubblico e critica: da allora in poi il racconto dell’amore nascosto di Cyrano per la cugina Rossana, dei suoi versi appassionati e delle sue smargiassate amare, hanno fatto entrare Cyrano de Bergerac nel novero dei capolavori irrinunciabili.

La regia di questo nuovo allestimento, e il ruolo di Cyrano stesso, sono affidati ad Alessandro Preziosi. Con movimenti scenici curati da Nikolaj Karpov, si punta a riportare sulla scena il coinvolgente ritmo della commedia, liberando tutta l’irresistibile e vitale creatività del Cyrano poeta, delle sue trovate comiche e della raffinatezza dei suoi versi, e il coraggio indomito e libero del Cyrano eroe e uomo di spada. Forte della rinnovata odierna attenzione al teatro di parola, questo Cyrano de Bergerac vuole raggiungere un pubblico ampio, facendo tornare a teatro anche i giovani.

Prodotto da Khora.teatro e dal Teatro Stabile d’Abruzzo, di cui Preziosi è direttore artistico, questo allestimento si inserisce nelle attività che il TSA promuove e sostiene, avendo fiducia nel teatro come fucina di creatività positiva, capace di apportare un contributo decisivo alla trasformazione della vita culturale italiana.

Teatro del Giglio di Lucca

martedì 17, mercoledì 18 e giovedì 19 gennaio 2012, ore 21.00

Cyrano de Bergerac

di Edmond Rostand

traduzione e adattamento Tommaso Mattei

regia Alessandro Preziosi

scene Andrea Taddei

costumi Alessandro Lai

luci Valerio Tiberi

musiche Andrea Farri

collaborazione artistica e movimenti scenici Nikolaj Karpov

con

Alessandro Preziosi Cyrano de Bergerac

Benjamin Stender Cristiano

Valentina Cenni Rossana

Massimo Zordan De Guiche

Emiliano Masala Le Bret

Marco Canuto Regenau-Valvert

e con

Giuseppe Tosti, Francesco Civile, Gianni Rossi, Salvatore Cuomo, Sara Borghi, Natasha Truden, Gianna Raspini, Bianca Pugno Vanoni

Biglietti da 10 a 30 euro.
Info www.teatrodelgiglio.it.
Prenotazioni Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.
Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

"4:48 Psychosis" al Teatro San Girolamo di Lucca

2012-01-09T18:16:00.004+01:00

Testo lancinante della drammaturga inglese Sarah Kane, 4:48 Psyhosis (scritto nel 1999) porta sulla scena la complessità di una mente umana estenuata dalla privazione degli affetti e dalla solitudine. Il cuore della notte è il momento di maggiore attrazione al suicidio; ma 4:48 Psychosis non è semplicemente (come suggerisce la regista Valentina Calvani) l’ultima lettera di un suicida; è il grido di chi lancia una richiesta di aiuto, un’invocazione alla necessità di dare e ricevere amore e attenzione, è l’espressione di un disagio nella speranza che non resti inascoltato. In esso si esprimono innumerevoli voci, ma Sarah Kane non ha lasciato detto quanti debbano essere gli interpreti di quelle parole.

Valentina Calvani ha deciso di avere sulla scena un’unica attrice come interprete di tutte quelle voci, considerandole di un’unica persona alla ricerca della propria identità. Per questo ruolo così complesso, è stata scelta Elena Arvigo, che con grande e vero talento dà corpo alla pièce. Diplomata alla Scuola del Piccolo Teatro di Milano, selezionata nel 1999 per l’Ecole des Maitres con i maestri Eimuntas Nekrosius, Massimo Castri, Jacques Lassalle, una preparazione di danza classica e contemporanea perfezionata al London Studio Centre, è attrice italiana con un occhio alla scena internazionale, il cui curriculum di tutto rispetto spazia dal cinema alla televisione al teatro. E’ stata di recente impegnata in teatro in "Addio al nubilato" di Francesco Apolloni e “Le signorine di Wilko” di Alvis Hermanis, e al cinema in “Mangia, Prega, Ama” al fianco di Julia Roberts.

Valentina Calvani ed Elena Arvigo mettono in scena 4:48 Psychosis riconoscendovi il desiderio di portare alla luce la speranza celata nel disagio, per rimettere il pubblico in contatto con la propria umanità e compassione.

Lucca, Teatro San Girolamo

venerdì 13 gennaio 2012, ore 21

4:48 PSYCHOSIS

di Sarah Kane

con Elena Arvigo

regia Valentina Calvani

scene, costumi e ideazione luci di Elena Arvigo e Valentina Calvani

musiche originali Susanna Stivali

Biglietti: posto unico 20 euro

Info www.teatrodelgiglio.it.

Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

J. Edgar - Clint Eastwood

2012-01-08T11:33:00.001+01:00

Autore: Stefano Lorusso

Una delle prime immagini di “J. Edgar” è il calco di gesso del volto di John Dillinger, conservato sotto una teca di vetro in un ufficio dell’FBI. La maschera pietrificata di un cadavere, realizzata al momento dell’uccisione del criminale più ricercato d’America. Se il cinema è l’arte di scolpire il tempo c’è una dichiarazione subliminale dentro quella visione appena sorvolata, che prelude alla comparsa dei volti invecchiati dal make-up di Hoover e degli altri protagonisti del film. Il trucco nell’ultimo film di Clint Eastwood costituisce un elemento fondamentale: le maschere del tempo sui volti degli attori principali rivelano chiaramente il loro essere estensione artificiale di resina e silicone, eppure lasciano trapelare una inconsueta sincerità, un perfetto e calzante realismo visionario. Ed è un magnifico trucco anche il geniale utilizzo che Eastwood fa del mezzo cinematografico: per approdare alle verità più profonde sulla identità nazionale americana occorre sfrondare la storia dai cascami della mitologia, e nessun mezzo come il cinema offre l’opportunità di costruire meglio abbaglianti distorsioni agiografiche e opposte scarnificazioni anti-retoriche.

Dopo “Changeling” ,“Flags of our fathers” e “Gran Torino” in “J. Edgar” si configura il nuovo capitolo di un articolato percorso di desaturazione di un intero immaginario collettivo, che attraverso la cruda elisione di tutto ciò che è artefatto, posticcio, retorico e adulterato mira ad individuare i nuclei primari e fondanti della identità nazionale americana. Per farlo, dipingendo la vicenda umana di un personaggio caleidoscopico come Hoover, Eastwood utilizza il grande artificio cinematografico al massimo delle sue potenzialità mistificatorie. La scansione temporale subisce una continua frammentazione, portando a risultati ancora più estremi la rapsodica struttura narrativa a mosaico già utilizzata in “Bird”, il film della filmografia eastwoodiana forse più simile a “J. Edgar” nel suo andamento e nella sua scansione cronologica. Come Kurosawa in “Rashomon”, Eastwood racconta e ritratta, osserva e rilegge le vicende personali di J. Edgar Hoover muovendo il cursore dello spazio-tempo lungo cinquanta anni di storia americana, e vagliando un altro tassello di una filmografia che nelle sue pieghe più profonde affonda dentro le radici del sistema valoriale statunitense e della sua storia nazionale. Trasversale uomo di potere, capace di attraversare da capo dell’FBI una guerra mondiale e otto presidenze di vario colore, Hoover in “J. Edgar” è un personaggio analizzato nella sua estrema complessità, umana e politica. La delicatezza con cui viene raccontata la sua vita privata pone ancora una volta in rilievo l’assoluta maestria di Clint Eastwood nel tratteggiare la pienezza e l’insondabile ricchezza delle relazioni umane. E sul piano politico la figura del capo storico del Bureau non esce di certo sconfitta dal confronto tanto con il fronte democratico quanto, ed è l’aspetto più interessante, con figure della destra nazionalista e populista americana. Il nome del senatore McCarthy affiora durante una intervista, e viene subito etichettato da Hoover come “opportunista” e come soggetto che non ha mai avuto a cuore i destini del suo paese. E Richard Nixon sarà per Hoover un subdolo oppositore, nonché il presidente dello scacco definitivo e della avanzata inarrestabile del male dentro i palazzi del potere.

Nel ritratto di Eastwood l’uomo che è stato uno dei più acerrimi anticomunisti della storia americana, feroce antagonista dei movimenti per i diritti delle minoranze, appare legittimato da una statura etica e morale che lo distingue dai suoi oppositori e rivali. Mai Hoover, a differenza di Nixon, piega i meccanismi del potere al suo interesse personale: la bussola che orienta il suo agire è il bene della nazione. Un imperativo manicheo, semplicistico ma profondamente sincero ricevuto in dote, insieme ad una educazione sentimentale repressiva e castrante, da sua madre. Ed è singolare che questo personaggio così controverso, ennesima reincarnazione di un Leviatano che si rigenera continuamente nell’esercizio autarchico del potere, come il Divo andreottiano, instauri una peculiare rete di rapporti interni con altri mondi paralleli di celluloide, coevi o tangenziali rispetto al “tempo” del racconto del film di Eastwood. Il modello archetipico del cittadino Kane wellesiano, i tic e le nevrosi di Howard Hughes, la balbuzie di re Giorgio, l’epopea di celluloide del nemico pubblico manniano e la sua antitesi bifronte incarnata dal “G-Man” di James Cagney. Fino a suggerire un ipotetico corollario della tetralogia sul potere di Aleksandr Sokurov: J. Edgar salvato e redento, emendato dalle sue colpe in extremis grazie ad un vincolo scritto di appartenenza, espressione finalmente libera di un sentimento ineludibile eppure mai confessato.

Time Is Love. 5

2012-01-05T15:39:00.003+01:00

Time Is Love 5

International Videoart Exhibition

Curated by: Kisito Assangni

10 – 30 Gennaio 2012

vernissage 10 – 11 gennaio h.18.30 – 21

[.BOX] è aperto al pubblico ogni mercoledì e giovedi dalle 18.30 alle 20.30

30 videoartisti indagano il tema dell'amore.

Progetto video itinerante giunto alla 5° edizione (2012), presentato in anteprima assoluta presso [.BOX].

La nuova edizione di TIME IS LOVE affronta le difficoltà, che l'uomo su questa terra incontra nell'amare. Semplicemente amore.

Relazionarsi con l'Altro non è cosa facile oggigiorno. Assistiamo a una concentrazione di individualismo, a una solidarietà che viene meno, nonché a una evidente indifferenza per l'Altro. L'amore è un tema universale nel suo atto di raggiungere ognuno.

Esso va di pari passo con le grandi sofferenze umane: il rifiuto, la solitudine, il male, la vendetta, la minaccia, la delusione, la vergogna. I sentimenti d'amore guariscono il deserto dei nostri più grandi problemi, trasformandoli in bellissimi piaceri.

Il viaggio di trenta artisti selezionati sul filo di questa complicata ambivalenza, ci fornisce senza concessione alcuna una gamma di complessità, amarezze e passioni generate dalle relazioni umane.

La scelta operata da Kisito Assangni (artista e curatore) afferma le molte sofferenze, le lacerazioni e le impossibilità del porsi in relazione. I temi presentati costituiscono il cuore di questi legami individuali e collettivi. Sono i maggiori vettori che transitano attraverso le nozioni di vorace passione, nostalgia e sensuale lentezza.

Se Time is Love.5 ci restituisce un ritratto oscuro dei sentimenti umani; ciò nondimeno, sprazzi di luce e di speranza vivono e resistono.

Se oggi il tempo è sinonimo di denaro, Time is Love lotta per distoglierne lo sguardo verso valori maggiormente essenziali, affinché il tempo riesca a condividere il suo ritmo con l'amore, la condivisione e la liberazione. L'amore quale sentimento universale si libera qui dai cliché tradizionali e dall'idealismo senza tempo. Esso è declinato, scrutinato e tradotto con intensa profondità, esattamente come la complessità dell'essere umano.

Julie Crenn

In seguito il progetto verrà presentato a livello globale nell’arco del 2012 presso gallerie e fondazioni come: SAVVY Contemporary, Berlin, Germany – Garage 4141 Gallery, San Diego, USA – Rich Mix Foundation, London, UK – The Cornaro Institute, Larnaca, Cyprus – Galerie Octobre, Paris, France – Zet Foundation, Amsterdam, Netherlands – City Art Gallery, Kharkiv, Ukraine.

timeisloveshow.blogspot.com

[.BOX] Videoart Project Space

E' uno spazio unico nel suo genere, sempre impegnato a divulgare i migliori progetti di videoarte e new media provenienti da tutto il mondo.

[.BOX] Videoart Project Space

Via Federico Confalonieri 11

20124 - Milano

www.dotbox.it

info@dotbox.it

Isabella Ragonese in Prima Nazionale al Teatro del Giglio

2011-12-30T17:05:00.003+01:00

Debutta al Teatro del Giglio in prima nazionale La commedia di Orlando, che la regista Emanuela Giordano ha liberamento tratto dall’Orlando della scrittrice inglese Virginia Woolf.

Come Ulisse, Orlando compie un viaggio fantastico attraverso il tempo e lo spazio, senza porre limiti al proprio desiderio di sperimentare, di agire, di conoscere, alla ricerca di una vita piena e appagata; il suo personaggio è affidato al talento ed alla freschezza di Isabella Ragonese, che con grazia sensuale porta in scena anche le goffaggini, le ingenuità e i soprassalti adolescenziali del protagonista. Orlando non è solo: non si separa mai da Mrs Virginia Grimsdith (Sarah Biacchi), interlocutrice privilegiata e consigliera, in cui è concentrata molta della sensibilità e della geniale ironia della stessa Virginia Woolf, e da Judy (Claudia Gusmano), Faith (Laura Rovetti), Hill (Andrea Gambuzza) e Hall (Guglielmo Favilla), ragazze e ragazzi ‘tutto fare’, devoti e sfacciati, che fungono da amplificatori delle emozioni di Orlando. Completano l’organico dei personaggi in scena (tutti interpretati da Fabrizio Odetto) l’Arciduca, capace di essere donna quando Orlando è uomo, e uomo quando Orlando è donna, Green lo scrittore, Marmaduk, fascinoso marito, marinaio ed aviatore, e da ultimo il Capo dei Gitano.

L’avventura è accompagnata dal racconto sonoro – firmato dalla Bubbez Orchestra - che crea atmosfere sorprendenti, con echi che vanno dall’oriente esotico alla modernità del primo novecento. Quattro secoli di storia evocano sollecitazioni visive sulfuree e fiammeggianti, raccolte nei costumi – di Giovanni Licheri e Alida Cappellini - che descrivono con allegria e ironia le epoche e gli ambienti che attraversano: il castello di Orlando, Costantinopoli, l’altipiano dei gitani, feste, matrimoni, partenze, banchetti...

***

Lucca, Teatro del Giglio

PRIMA NAZIONALE
venerdì 6 gennaio ore 21.00
sabato 7 gennaio ore 21.00
domenica 8 gennaio ore 16.30

LA COMMEDIA DI ORLANDO

liberamente tratto da “Orlando” di Virginia Woolf

con Isabella Ragonese

e con Sarah Biacchi, Guglielmo Favilla, Andrea Gambuzza, Claudia Gusmano, Fabrizio Odetto, Laura Rovetti

regia e drammaturgia Emanuela Giordano

scene e costumi Giovanni Licheri e Alida Cappellini

musiche originali della Bubbez Orchestra eseguite dal vivo da Giovanna Famulari, violoncello - Massimo De Lorenzi, chitarra

Biglietti da 10 a 30 euro.

Info www.teatrodelgiglio.it.

Prenotazioni Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.

Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

Concerto di Capodanno al Teatro del Giglio

2011-12-29T15:18:00.003+01:00

Continua al Teatro del Giglio la tradizione del Concerto di Capodanno per salutare in musica l’arrivo del 2012. Domenica 1° gennaio alle ore 16 salirà sul podio dell’Orchestra Massimo De Bernart il Maestro Gian Paolo Mazzoli, che saprà regalare al pubblico momenti di divertimento e spensieratezza con le più belle melodie della tradizione viennese, come Roses aus dem Süden, Pizzicato-Polka, Banditen galopp, An der schönen blauen Donau e Morgenblätter, per concludere con la frizzante Sinfonia da La cenerentola di Gioachino Rossini.

Biglietti da 10 a 22 euro.

Info e prenotazioni:

tel. 0583 465320

e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it

La musica di Gianmarco Caselli per il più atipico dei presepi

2011-12-27T09:53:00.007+01:00

Testo: Silvia Cosentino

Foto: Francesco Zavattari

Lucca. La chiesa del Crocifisso, un piccolo gioiello ormai sofferente e interdetto ai più. Al suo interno, un piccolo-grande evento, un'esperienza emozionale come raramente capita di fare in questa bella, difficile città. Entriamo e, pressoché al buio, assistiamo inerti a sequenze proiettate su un sipario bianco, così come inerti furono i protagonisti delle immagini stesse: Ground Zero, 11 settembre 2001. Immagini spietate proprio perché vere, non la trama dell'ennesimo film di fanstascienza; a esse sono accompagnate urla disperate mescolate al fragore delle strutture che cedono, determinando il rovinoso, ineluttabile crollo di qualcosa che mai più sarà. Di fronte a noi, ancora impotenti, schiacciati dal peso di qualcosa visto ormai centinaia di volte (di fronte al quale è possibile restare indifferenti), il sipario si schiude ed ecco Ground Zero.

Ma non solo.

Ecco il nostro mondo, la nostra vita, ecco quel che rimane di tutto ciò che è in realtà futile e passeggero, ma a cui noi, stupidamente, abbiamo dato importanza perenne e vitale. Preda di una luce spettrale, con suoni sinistri e freddi negli orecchi, veniamo calati nelle macerie dell'esitenza,della società: cumuli di sapere e di tecnologia ormai inutili tra i brandelli delle Twin Towers, che divengono come nude croci di martirio. E tutto il nostro ridicolo mondo sembra essere contenuto lì, esaurirsi tra la polvere di quella devastazione; qualcosa, però, è destinatp a sciogliere il nostro nodo alla gola, o meglio, a cambiarne la natura.

La luce ci invita a guardare meglio oltre le macerie, a scoprire qualcosa che c'è sempre stato, ma a cui non avevamo fatto caso: un nucleo, piccolo e indifeso, bellissimo e potente. Un uomo e una donna che contemplano il prodigio di una vita che nasce; non una vita qualsiasi. Ed ecco, allora, che la musica diviene grandioso trionfo di organo e archi, mentre la luce (e noi con lei) si protende verso il cielo, attraverso le colonne tortili dell'altare principale, raggiungendo la Croce (futuro, sempre rinnovato strumento salvifico di Colui che, per ora, è solo un bambino in fasce), per poi arrivare alla cupola decorata dalle molte figure tra le quali spicca quella di Dio. Ai pochi secondi di questo rigenerante chiarore segue il freddo buio e siamo di nuovo soli nel disastro: ci avviciniamo all'uscita, non senza aver colto l'incisivo messaggio di Mons. Agresti (Arcivescovo di Lucca dal 1973 al 1990), che ci invita a ricordare come Natività e Passione siano in realtà due facce di una stessa medaglia. Nascita e morte che si rincorrono, stupore e orrore che si mescolano e che solo una più alta Speranza può contribuire a sbrogliare.

Incontriamo con piacere e curiosità l'affermato compositore lucchese Gianmarco Caselli, che dà voce a questa straordinaria installazione con una colonna sonora eclettica e certamente inattesa.

Dopo "Lungo la scia di un'elica", questo è il secondo lavoro curato a quattro mani con Alessandro Sesti: come si è sviluppata la vostra collaborazione?

Io e Sesti siamo in contatto quotidiano, 24 ore su 24, da un anno e mezzo, da quando abbiamo iniziato a lavorare a "Lungo la scia di un'elica". Ci scambiamo idee ogni giorno e alle ore più impensabili su vari argomenti: questo ci permette di lavorare anche furiosamente, senza prese di posizione, con un'assoluta apertura mentale alla ricerca di ciò che vogliamo. E' lo stesso tipo di ricerca: vitale e necessaria, è un colloquio fra noi e con se stessi che impegna continuamente, a ogni ora, alla ricerca di qualcosa che vada oltre la musica o la scenografia in sé; è l'installazione che cambia con noi e noi con essa. Siamo in tre: io, Sesti e l'installazione, ma ragioniamo come un'unica testa.

Puoi raccontarci qual è stato l’excursus di questo processo compositivo?

La composizione si è svolta in pochissimo tempo, poco più di un mese. Rispetto al lavoro per “Lungo la scia di un’elica”, qui è stato più complicato perché la struttura della chiesa impone tempistiche ovviamente delicate: tutto è collegato a un tempo più preciso, che deve tenere conto ad esempio delle luci e del percorso del visitatore. La mia colonna sonora è realizzata interamente con l’elettronica. Nella prima parte ho utilizzato diverso materiale recuperato dai telegiornali relativi all’attacco delle Torri, insieme sia a frasi vere (recuperate anche dai molti video presenti su YouTube) sia ad altre registrate appositamente. Per il corridoio ho pensato un Synth Anni Novanta, perché questo evento corrisponde indubbiamente alla fine di un’epoca, al crollo del sogno degli Anni Novanta, appunto. Il finale con la natività è ancora tutto elettronico, stavolta con organo e coro maestoso, a richiamare l’immaginario del Natale. La coda è invece soprattutto sottofondo per accompagnare l’uscita del pubblico. Ho composto in modo cronologico, partendo dall’inizio sino alla conclusione del percorso, per trovare una mia continuità espressiva. Ho dovuto cambiare spesso in corso d’opera: potenzialmente, avrei pronto materiale a sufficienza per una colonna sonora alternativa!

Cosa è cambiato dentro di te da quando ti è stato proposto questo progetto a quando poi ne hai concluso la realizzazione?

Sono cambiate molte cose: prima pensavo di realizzare qualcosa di più aggressivo, poi invece ho deciso di aggiungere anche elementi che si avvicinassero al Sacro, tradizionale. Il risultato è stato una bella commistione di stili: si va dalla rumoristica, alla musica sperimentale, allo stampo più classico. Anche il mio, come per questa installazione, è stato un percorso, una fusione dell’attacco stilistico con la tradizione; un ciclo, come quello della Natività e del Crocifisso, che continua all’infinito. Anche se tutto era già impostato a tavolino, la musica si è sviluppata giorno per giorno.

Alla fine di questo percorso, cosa ha capito Gianmarco Caselli?

Questo è il terzo progetto legato al Sacro per il quale ho scritto la musica, sicuramente il più importante. All’inizio già sapevo che mi sarebbe piaciuto confrontarmi con questo tema e, adesso che ho terminato, ho capito di voler continuare: questi sono tutti stimoli a fare cose diverse perché davvero non so se, di mia iniziativa, mi sarei mai mosso verso una composizione come quella pensata per questa Natività.

Il tuo approccio da “credente atipico” offre un punto di vista particolare…

La mia personale spiritualità (forse molto più elevata di tanti altri), ha fatto sì che non mi sentissi affatto a disagio e del resto c’è anche una condanna al capitalismo sfrenato che ha portato a guerre e miserie, cioè a quanto è più lontano dai messaggi di fraternità e sostegno ai più deboli. Chi fa veramente arte, comunque, è sempre in comunicazione con qualcosa di trascendente. Sono ben altre le situazioni che rifuggo. Ciò che mi incuriosiva maggiormente era l’approccio stilistico legato all’argomento religioso. Volevo avvicinare anche quel pubblico che di solito non viene nelle sale da concerto per ascoltare musica classica contemporanea. Questa installazione è un’occasione per proporre qualcosa che, di per sé, non appartiene a questa realtà, che forse le persone, da sole, non avrebbero mai ascoltato: musica elettronica per qualcosa di Sacro. È una novità sia per me sia per il pubblico: per me un modo di sperimentare nuovi stili, nuove possibilità compositive; per la gente, occasione di confrontarsi con qualcosa di diverso dal solito.

Davanti al presepio lucchese ci sentiamo scossi e mi domandavo se saremo capaci di passare a delle decisioni. Me lo chiedo ora che non sono sotto l’influenza di quella emozione visiva; passato quel momento di angoscia mi auguro che questo originale presepe possa passare dagli occhi al cuore e interrogarci seriamente se la nostra esistenza sia guidata da scelte che favoriscano la Babele ambiziosa che chiude gli occhi al destino delle Torri decisamente orientato alla distruzione.

Fratel Arturo Paoli

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GROUND ZERO 2010-2011 ten years ago – ten years after

Un presepe

di Alessandro Sesti

responsabile culturale don Piero Ciardella

colonna sonora di Gianmarco Caselli

luci di Marco Menghetti

video di Stefano Morelli

Aperto tutti i giorni dalle 11 alle 19

Fino al'8 gennaio 2012

La Chiesa del Crocifisso

La seicentesca e bella Chiesa del Crocifisso dei Bianchi si trova in via del Crocifisso: è un tesoro sconosciuto ai lucchesi, poiché chiusa al pubblico da moltissimi anni. La scelta della Curia Arcivescovile di Lucca di riaprirla nel periodo natalizio esprime anche la volontà di recuperare un’area della città, adiacente la Ex-Manifattura Tabacchi ed a via San Paolino, riportandola innanzitutto all’attenzione dei cittadini e dei turisti che giugnono per il periodo delle festività natalizie. La chiesa deve il suo aspetto attuale alla completa ristrutturazione compiuta da Francesco Pini nel 1761; il maestoso interno, scandito in tre navate è tuttora decorato di affreschi di Lorenzo Castellotti e l'altare maggiore conserva l'aspetto assunto alla fine del Seicento.

Gianmarco Caselli

Caselli si afferma come compositore negli ultimi anni alternando e facendo convivere sonorità più tradizionali in pezzi come Le mani nel lago e Tracce distacco, ad altre basate sulla ricerca elettronica come in Luce chimica e Alba elettrica: le sue composizioni si sono imposte in concorsi internazionali e sono state eseguite in Festival e contesti di prestigio in Italia e all'estero come alla Carnegie Hall di New York, al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, a Berlino, Kiel, Città del Messico, California, Istituti Italiani di Cultura di Amsterdam, Copenaghen, Amburgo, Londra, Uruguay, Argentina. Gli è stata commissionata la composizione di musiche da parte di esecutori, ensamble, o per video e eventi: fra queste, la composizione delle musiche per la mostra "Lungo la scia di un'elica" che sono state poi raccolte in un cd. Collabora con il Centro studi Giacomo Puccini di Lucca, il Centro Musica Contemporanea di Milano, l'Associazione Musicale Lucchese e fa parte del Duo Symbiosis per fisarmonica (Massimo Signorini) e elettronica (Caselli). Nel 2009 ha pubblicato un libro sulla musica per pianoforte di Gaetano Giani Luporini (Accademia Lucchese Scienze, Lettere e Arti).

www.gianmarcocaselli.it

VisualcontainerTv presenta "Flowers of chaos"

2011-12-22T15:13:00.007+01:00

Con questo progetto Cecilia Freschini - curatrice ed esperta d’arte contemporanea cinese residente a Beijing - intende mettere in luce uno specifico ambito della video arte cinese, focalizzando l'attenzione sulla video animazione e sulle sue peculiari origini. Gli artisti selezionati, tutti provenienti dal Mainland cinese, che cosa vedono guardandosi intorno? Il caos! Un disordine inebriante, cui fanno fronte attraverso storie e allegorie, che indagano la società di oggi a tinte ironiche, senza il timore di misurarsi con la forte ideologia del Partito.

Come fiori che crescono in habitat impervi, affondano le loro radici in profondità verso un incerto nutrimento, oltre il nudo disagio dei difficili momenti storici, politici e sociali che hanno minato la loro sopravvivenza creativa, questi artisti, nati dal caos, si riappropriano di una loro identità, tracciando una fitta trama che si svincola disinvolta tra passato e presente. In tal senso, la video arte diviene un mezzo importante per ritrovare quel sapore riflessivo proprio della tradizione e uno strumento popolare in grado di contrastare le oppressive ingerenze interne ed esterne. In particolare, incuriosisce la magia dell’animazione, in grado di far superare i limiti insiti nella natura delle consuete arti visive, facendo confluire e rielaborando queste ultime in uno stesso ambiente digitale.

L’animazione di per sé non è una cosa importante: l'animazione è sempre incompleta. Solo cercando di sfondare le limitazioni intrinseche negli altri mezzi si possono raggiungere gli aspetti più preziosi dell'animazione. (Sun Xun)

Video selection:
Chen Shaoxiong, "Ink city", 2005, Animation
Cindy Ng Sio Ieng "Ink Walk", 2009, Video
Jin Shan, "Kill", 2009, Animation, black-and-white
Ma Yongfeng, "Wrong", 2008, Animation
Qi Yang, "Lotus Dance", 2004, Animation
Sun Xun, "People's Republic of Zoo", 2009, Animazione
Wang Bo, "Day Dream", 2006, Video Animation(nell'immagine)
Wu Junyong, "Flowers of Chaos, 2009, Animation
Zhang Xiaotao, "Scar", 2009, Animation

Chinese Animation Videoart Project
curato da Cecilia Freschini
in collaborazione con ArtVerona
Dal 19 Dicembre al 18 Gennaio 2012
Solo su VisualcontainerTV
www.visualcontainer.tv

Il Teatro Verdi di Pisa guarda alle donne

2011-12-21T17:35:00.002+01:00

Ultimo dei molteplici contributi della Fondazione Teatro di Pisa alle celebrazioni per il 150° dell’Unità d’Italia, venerdì 23 dicembre, alle ore 21, al Teatro Verdi, è di scena ITALIANE. Voci e storie di donne negli ultimi 150 anni, coordinamento drammaturgico e registico di Cristina Lazzari, interpreti Cristina Lazzari, Alice Bachi, Erika Gori, Marta Paganelli, e Alice Vannozzi.

Lo spettacolo è un’intensa tessitura di voci, canti, storie, testimonianze che il pool di attrici riprende e arricchisce per proporlo a un pubblico più vasto, dopo il successo riscosso a Palazzo Blu lo scorso giugno, quando su iniziativa del Comune di Pisa lo spettacolo fu presentato come lettura corale nell’ambito della mostra Donne d’Italia. La Metà dell’Unità organizzata dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Pisa.

Grazie alle cinque brave attrici, diverse fra loro per età ed esperienze, in ITALIANE prendono corpo e vita molte figure di donne, protagoniste conosciute o ignote della vita del nostro Paese dal Risorgimento ai giorni nostri. Il tutto seguendo due filoni: da una parte il mondo del teatro (con alcuni omaggi delle giovani attrici di oggi alle grandi attrici del passato), dall’altro la vita quotidiana. Teatro, storia e microstoria si intrecciano così in un arazzo di emozioni, canti, sensazioni, testimonianze, dando rilevanza alle passioni, alle emozioni, alle memorie, alle lotte, ai piccoli e grandi episodi di eroismo quotidiano del mondo femminile. Una presenza che pure ha avuto un peso notevole nella storia culturale e politica del nostro paese, ma che troppo spesso è stata ignorata, sottaciuta, sminuita, dimenticata.

Costumi della Sartoria Teatrale Fiorentina di Massimo Poli, disegno luci di Michele Della Mea, scelta delle immagini a cura di Luca Orsini, proiezioni e fonica Franco Puccini.

Da non perdere.

I biglietti costano 12 euro, ridotto giovani e studenti 7 euro.

Per informazioni Teatro di Pisa tel 050 941111

Little Bit Theatre Festival a Livorno

2011-12-21T09:37:00.003+01:00

Da un’idea di Francesco Cortoni, fondatore dell’associazione teatrale di Livorno Pilar Ternera, nasce la rassegna Little bit theatre Festival, che si svolgera tra i giorni 27, 28, 29 Dicembre presso il Teatro Mascagni di Livorno, in Villa Corridi (LI) in collaborazione con l’associazione ArsNova e Cage Theatre. La necessità è dettata dal desiderio di donare una possibilità culturale diversa che arricchisca l’intera famiglia in un solo evento, creando la voglia di scambio e condivisione della cultura attraverso gioco, magia, teatro, e spettacolo.

Le giornate saranno bipartite tra spettacoli per bambini e adulti. Ai più piccoli verranno dedicati i pomeriggi dei tre giorni dalle ore 18.00 e saranno così articolati: il 27 vede la compagnia Chez Nous…le cirque con lo spettacolo Sogno. Una piccola follia porta in teatro il mondo magico e sognante del circo e del suo principale protagonista da sempre, il Clown. Il 28 ci sarà uno spettacolo di “burattini a guanto” a cura della compagnia Il bernoccolo con lo spettacolo Le orecchie di zio coniglio. Il 29, sempre al solito orario, ci sarà uno spettacolo sulla tradizione della nostra commedia dell’arte.

Gli stessi giorni, di sera, alle ore 21.00, ci saranno spettacoli rivolti ad un pubblico adulto. La prima sera alle ore 21.00, apriranno le danze della rassegna i padroni di casa, Francesco Cortoni e Silvia Lemmi, dell’associazione Pilar Ternera, vincitrice premio Udine, giuria docenti, giovani realtà del teatro, con Provaci Ancora, spettacolo cha affronta il tema dell’amore partendo da un’analisi dell’opera shakespeariana Romeo e Giulietta. Il 28 succederà Riccardo Goretti della compagnia Omini con un monologo inedito dal titolo La famiglia di Goretti. A concludere la rassegna, il 29 Dicembre, sempre alle ore 21.00, ci sarà lo spettacolo L’uomo che s’offre, monologo di e con Antonio Calandrino in collaborazione con Paolo Gionmarelli, un tragicomico monologo sulla situazione dell’attore.

A fine spettacoli lo spazio The Cage riserva dell’ottima musica offerta dal dj set.

Regalatevi un pacchetto di cultura e divertimento per Natale. Costa solo 5 euro.

Buon compleanno, Maestro!

2011-12-20T11:38:00.004+01:00

Giunge alla sua quarta edizione l’ormai tradizionale appuntamento con Buon compleanno, Maestro!, concerto con il quale il Teatro del Giglio e la Città di Lucca celebrano la ricorrenza della nascita del proprio illustre concittadino. Il concerto – giovedì 22 dicembre, alle ore 21 - porterà al pubblico il Puccini che tutti amiamo, quello delle struggenti arie d’opera, degli emozionanti duetti e degli intermezzi orchestrali che hanno fatto conoscere ed amare il Maestro e le sue bellissime melodie nel mondo.

Per l’occasione Elio Boncompagni sarà alla guida dell’Orchestra Filarmonica Nazionale Italiana; a dar voce ai protagonisti delle opere del Maestro un cast artistico di importanti voci pucciniane del calibro del soprano Francesca Patanè, del baritono Marco Chingari e del tenore Luciano Ganci.

Questo il programma nel dettaglio:

Preludio sinfonico in La

da Manon Lescaut ‘Donna non vidi mai’

da Tosca ‘Vissi d’arte’

da Edgar Intermezzo atto terzo

da Tabarro ‘Nulla, silenzio!’

da Tosca Duetto atto primo

da Suor Angelica Intermezzo

da Manon Lescaut Intermezzo atto terzo, ‘Sola, perduta… abbandonata’

da La fanciulla del West ‘Minnie, dalla mia casa son partito’

da Tosca ‘Recondita armonia’

da Madama Butterfly Intermezzo atto terzo, ‘Un bel dì vedremo’

da Turandot ‘Nessun dorma’

Ancora pochi i tagliandi gratuiti per l’ingresso al concerto, distribuiti - fino ad esaurimento posti - alla Biglietteria del Teatro del Giglio (tel. 0583 465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it).

"Sogno di una notte di mezza estate" al Teatro del Giglio, nella rilettura di Andrea Battistini

2011-12-15T15:51:00.005+01:00

Dal 1595 Sogno di una notte di mezza estate non cessa di sfidare il tempo e le messe in scena, rinnovandosi nelle letture di tutti i registi che lo hanno riportato in vita, sprigionando i suoi incanti e le sue atmosfere al crocevia tra coscienza, ribellione, istinto, desiderio. L’affiatata compagnia (Alessandro Buggiani, Chiara Di Stefano, Guglielmo Guidi, Totò Onnis, Giovanni Rizzuti, Daniele Squassina), valorizza l’espressività del testo amplificando a dismisura il gioco teatrale sotto la guida di Andrea Battistini, firma di punta della scena nazionale.

In questo allestimento, Battistini ha pensato per il bosco di Atene e la corte di Teseo e Ippolita uno spazio cubico e multiforme: centinaia di corde cadono dall'alto sul palco vuoto e sono alberi, catene, colonne, lacrime. Ricco di idee e dal ritmo veloce, rende omaggio nella scena della fata “circense” al celebre allestimento di Peter Brook. Sulla scena si snodano le vicende dei quattro giovani ateniesi Ermia, Lisandro, Demetrio ed Elena i cui voleri naturali di adolescenti dovrebbero piegarsi alle leggi dei padri: ma nel Sogno l’inconscio si ribella, l’irrazionale prende il sopravvento e trasforma lo spazio. Nel bosco, in un’atmosfera e gotica suggestiva, a tratti punk, le liti amorose dei quattro giovani si intrecciano con i sogni del mondo delle fate. Il bosco riverbera gli echi degli spiriti che lo abitano: Oberon re degli elfi e sua moglie Titania regina delle fate si ingelosiscono e si ingannano con sortilegi e magie, complice il beffardo elfo Puck, e sprigionano apocalittiche catastrofi. Nel bosco si svolge anche la surreale commedia degli artigiani che stanno provando a mettere in scena l’infelice storia di Piramo e Tisbe: Battistini li trasporta ad oggi, trasfigurandoli negli improbabili protagonisti di un esperimento di teatro-terapia di cui stiamo spiando le prove. La girandola degli eventi travolge tutto e tutti, in uno spazio metafisico e duttile, agitato dal volo delle fate. Nel tempo di una notte i giovani conoscono l’amore, il rifiuto, l’odio, l’invidia e si trasformano in adulti, attraversando il territorio della poesia assoluta in una commedia crudele, fantastica, surreale.

Avviso importante per gli abbonati del Teatro del Giglio:

al turno A è assegnata in via eccezionale per questo spettacolo la recita di domenica 18, ore 21; nessuna variazione di data o di orario per gli abbonati ai turni B e C.

Biglietti da 10 a 30 euro.
Informazioni: www.teatrodelgiglio.it.
Prenotazioni Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.
Tel. 0583/465320, e-mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

Teatro del Giglio, Lucca
sabato 17 dicembre ore 21.00
domenica 18 dicembre ore 16.30 e 21.00

SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE

di William Shakespeare
adattamento e regia Andrea Battistini

con (in ordine alfabetico)
Viviana Altieri
Alessandro Buggiani
Valentina Cenni
Chiara Di Stefano
Guglielmo Guidi
Pietro Mossa
Totò Onnis
Davide Pedrini
Giovanni Rizzuti
Andrea Sorrentino
Daniele Squassina
Elias Zoccoli

Disegno luci Carlo Pediani
Fonico Fabrizio Minotti

Direzione di produzione Alfredo Iacopini
Assistente alla produzione Daniela Benassi

Luoghi d’arte: la Pinacoteca Nazionale di Cagliari

2011-12-14T18:37:00.001+01:00

Autore: Giovanni Graziano Manca

La Pinacoteca Nazionale di Cagliari si trova nella parte più alta di un importante complesso museale sorto sulle rovine di un imponente sistema difensivo fortificato le cui diverse componenti sono risalenti ai vari periodi storici in cui la città era dominata dagli aragonesi, dagli spagnoli e dalla monarchia sabauda. Il complesso è conosciuto dai cagliaritani e dai sardi in genere come ‘Cittadella dei Musei’ perché all’interno dell’area sono allocate diverse altre realtà espositive, tra le quali il Museo Archeologico Nazionale.

La Pinacoteca, che ospita produzioni autoctone di estremo interesse artistico, storico e etnoantropologico (in larga parte dipinti, oggetti di oreficeria sarda e tessuti) e manufatti (per lo più dipinti e ceramiche) pervenuti in Sardegna successivamente alla loro realizzazione, come molti altri spazi ‘minori’ della nostra penisola dedicati all’arte, appare luogo trascurato (o comunque non frequentato come meriterebbe) non solo da chi arriva a Cagliari da fuori per turismo o per affari, ma anche dagli stessi sardi e cagliaritani. Che il disinteresse per l’arte sia dovuto ai tempi di grande ‘concretezza’ in cui viviamo e al progressivo inaridimento dell’attenzione della gente verso tutto ciò che è umanismo, arte, creatività, narrazione (fantastica o realistica poco importa), cultura e nutrimento per lo spirito? Che valga, in questo senso, quanto affermava, sia pure in un contesto ha a che vedere con ‘esperienze trascendentali’ di altro genere, Aldous Huxley, e cioè che ‘Nel quadro correntemente in voga dell’universo non vi è posto per una valida esperienza trascendentale. Di conseguenza coloro che hanno avuto ciò che essi considerano valide esperienze trascendentali sono guardati con sospetto, e considerati o pazzi o imbroglioni. L’essere un mistico o un visionario non torna più a onore.’ ? [A.Huxley, Paradiso e inferno].

Verrebbe da chiedersi (è l’interrogativo che io, appassionato delle varie arti, pongo continuamente a me stesso) se vi è ancora interesse, da parte di un pubblico di visitatori di musei potenzialmente vastissimo, per i beni del patrimonio artistico che sono testimonianza preziosa della storia e della cultura di tutti i sardi, e nel caso di risposta positiva quale ne sia il livello. L’interrogativo, sottilmente provocatorio, non appaia fuori luogo in tempi di crisi come quelli che stiamo attraversando di grande penuria di risorse da parte di un apparato ministeriale già di per sé povero di denari, che destina alla gestione delle strutture museali statali una quantità di finanziamenti comunque ingente.

Nella sua ‘Guida della città di Cagliari e dintorni’ del 1861, il canonico Giovanni Spano (1803-1878), figura di eminente studioso delle usanze, della lingua e dell’arte della Sardegna di cui la Pinacoteca Nazionale custodisce un espressivo ritratto ad opera del pittore cagliaritano Giovanni Marghinotti (1798-1865), scrive, a proposito della città di Cagliari: ‘Sebbene questa nostra Capitale non presenti maraviglie artistiche come le altre città principali d’Italia, pure non mancano in essa da osservarsi molti monumenti che nel loro genere possono dirsi singolari, perché ogni città, ogni paese, benché piccolo, contiene alcun che di bello, di storico e di particolare che può richiamare l’attenzione e curiosità dei dotti e dei viaggiatori’.

Paiono, queste considerazioni, perfettamente calzanti quando volessimo riferirle alla Pinacoteca Nazionale di Cagliari e ai preziosi manufatti artistici che essa contiene.

La collezione della Pinacoteca può essere suddivisa in sottoinsiemi di opere che presentano caratteristiche di omogeneità. Lo spazio espositivo, non vastissimo ma assai razionalmente allestito, ospita pregevoli retabli risalenti ai secoli XV e XVI. Le opere presenti in questa sezione documentano, dal punto di vista artistico, i fervidi e fertilissimi rapporti esistenti all’epoca tra la terra sarda e la Catalogna. Gli scambi Sardegna – Catalogna, peraltro, costituiscono il preludio al proficuo periodo artistico in cui inizia a formarsi e a operare nel capoluogo isolano una ‘Scuola sarda’ di pittura vera e propria. E a rappresentare la Scuola sarda, appunto, nella Pinacoteca cagliaritana sono opere del XVI secolo del manierismo più tardo che lasciano trasparire caratteri artistici autoctoni e, in corrispondenza dell’affievolimento dello stilema sardo-catalano che tanto aveva, in precedenza, influenzato la pittura realizzata in Sardegna, l’avvicinamento dell’opera degli artisti sardi ai canoni pittorici di scuola napoletana.

Segue una serie di opere pittoriche di provenienza varia realizzate nel XVII secolo. Queste facevano parte della dotazione artistica di varie chiese cagliaritane.

Da ultimo, un gruppo di opere di artisti isolani (spiccano il già citato Marghinotti, Stanis Dessy, Pietro Antonio Manca e Mario Delitala) realizzate tra i primi decenni dell’Ottocento e la metà degli anni Cinquanta del Ventesimo secolo.

Più nel dettaglio, la Pinacoteca Nazionale cagliaritana (spazio espositivo che ingloba al suo interno, ben visibili al visitatore, resti delle mura dell’antico sistema difensivo della città progettato dall’ingegnere di origine cremonese Rocco Capellino e risalente alla seconda metà del XVI secolo) dispone di una pluralità di collezioni artistiche per un totale di oltre 1200 pezzi: oltre a quelle dei dipinti e delle ceramiche, quelle delle armi, degli oggetti di arredo domestico, degli ori e argenti e dei tessuti. Spiccano, tra le molte opere di assoluto pregio storico-artistico, il bronzeo Acquamanile a forma di Pavone (prima metà del XII sec.) e, tra le oltre cento, una serie nutrita di pitture: il retablo dell’Annunciazione (circa 1410), mirabile saggio pittorico di atmosfera gotica e di arte ‘cortese’, del pittore tardogotico spagnolo Joan Mates; la Madonna col bambino (1420 circa), attribuita al portoghese Alvaro Pirez, il retablo di S.Bernardino, splendido esempio di pittura catalano-fiamminga caratterizzato da cromatismi bruni e oro molto vivaci realizzato tra gli anni 1455-1456 da Rafael Thomas e Joan Figuera; il retablo della Visitazione, prezioso esempio di arte pittorica sardo-ispanica, opera di Joan Barcelo, artista barcellonese originario della provincia tarragonese, che lavorò in Sardegna tra il 1488 e il 1516.

Il retablo del Presepio, poi, attribuito all’anonimo Maestro del Presepio, è opera luminosa e in stato di conservazione tale da consentire di apprezzarne pienamente l’estrema accuratezza pittorica con cui sono state rappresentate le figure sacre.

Il retablo della Porziuncola (post 1492) e il retablo di S.Eligio: il primo, raffigurante S.Francesco e Santi martiri francescani, rivela marcate influenze fiamminghe e gotiche ed è attribuito al Maestro di Castelsardo; il secondo è attribuito al Maestro di Sanluri e viene giudicato ‘documento di straordinaria importanza, per la circolazione di stilemi italiani in Sardegna agli inizi del Cinquecento e per i modi in cui potevano essere recepiti e riplasmati da un maestro di rara sensibilità, sardo-ispanico per educazione ma di cultura individuale.’(CORONEO).

Preme mettere in particolare evidenza le straordinarie doti pittoriche della corrente autoctona sarda (si tratta di artisti che operavano all’interno della c.d. ’bottega di Stampace’, denominazione derivata dal nome dell’antico quartiere di Cagliari all’interno del quale quest’ultima era situata) e segnalare alcune opere dei suoi principali esponenti. Di Pietro Cavaro la Pinacoteca Nazionale conserva, oltre alla Deposizione (già parte del retablo di Nostra Signora dei sette dolori), un meditabondo e pieno di maestà S.Agostino, dottore della chiesa, in cattedra (1528 circa), in una rappresentazione che incute rispetto e timore per il personaggio, e la raffigurazione imponente, in tavole distinte che facevano parte di un unico retablo, dei Santi Pietro e Paolo (1528); di Pietro e Michele Cavaro S.Agostino (ante 1537); del figlio di Pietro Cavaro, Michele, citiamo il retablo di Bonaria e il trittico della Consolazione; di Antioco Mainas, artista attivissimo la cui pittura si caratterizza per il suo ‘colorismo aspro ma squillante e dalla piacevolezza decorativa che sdrammatizzava le immagini delle scene sacre rendendole semplici e accessibili ai più’ [CORONEO] , la c.d. Predella di Valverde che in origine faceva parte di un’opera di più vasto respiro, il retablo della Vergine e due ulteriori tavole che raffigurano rispettivamente l’Annunciazione e la Crocifissione.

Di pregevolissima fattura, infine, (lo Spano lo nomina definendolo ‘un capo d’opera d’arte che formerebbe la gloria di una Pinacoteca che lo possedesse’) un caravaggesco S.Girolamo del XVII sec. attribuito a un ignoto pittore di origini spagnole.

Ancora esaurito al Verdi di Pisa: "Rigoletto" in scena

2011-12-13T15:33:00.006+01:00

Ancora un tutto esaurito per questo fine settimana al Teatro Verdi di Pisa. Prevedibile, del resto, visto che ad andare in scena è uno dei capolavori verdiani più amati (e che fu fra i più celebri cavalli di battaglia del grande baritono Titta Ruffo), Rigoletto: venerdì 16 dicembre alle ore 20.30 e domenica 18 dicembre alle ore 16.00.

Quarto titolo della Stagione Lirica, Rigoletto è una produzione del Teatro di Pisa con l’allestimento del Teatro Coccia di Novara firmato da Ivan Stefanutti (sue regia, scene e costumi). Sul podio il M° Giuseppe Acquaviva. Orchestra e Coro Fondazione Arteatro, Maestro del Coro Gianmario Cavallaro; corpo di ballo il Balletto di Milano.

Il cast vede insieme professionisti da tempo in carriera e giovani cantanti affermati. Nel ruolo di Rigoletto il baritono Sergio Bologna; nel ruolo del Duca di Mantova il tenore albanese Armando Kllogjeri; due i soprani interpreti di Gilda: venerdì sera Linda Campanella, domenica pomeriggio Elena Rossi. Il basso Luigi Roni è Sparafucile; nei panni di Maddalena il mezzosoprano Annunziata Vestri. Completano il cast Monica Tagliasacchi (Giovanna), John Paul Huckle (Monterone), Giuseppe Nicodemo (Marullo); Claudio Minardi (Borsa), Marco Innamorati (il Conte di Ceprano), Alessandra Ferrari (la Contessa di Ceprano), Gilles Armani (Un Usciere di Corte) e Gabriella Selvaggio (Un paggio della Duchessa).

Assente dalle scene pisane da quasi dieci anni – l’ultima volta risale infatti all’ottobre 2002 -, Rigoletto è una delle opere verdiane più popolari ed amate per la sua potenza lirico-drammatica e per la sua immediata ed intramontabile efficacia drammaturgica.

Tratto dal dramma di Victor Hugo Le Roi s'amuse e rappresentato per la prima volta a Venezia l'11 marzo 1851, su libretto di Francesco Maria Piave, Rigoletto subì l’ostracismo della censura perché venne ritenuto un testo empio, libertino e irriguardoso verso il potere, tanto che lo stesso Verdi dovette rimaneggiare non poco il libretto (tra le trasformazioni rispetto ad Hugo, l’ambientazione nella corte ducale di una Mantova cinquecentesca, anziché in Francia, nella reggia del re Francesco I).

Per l’epoca, del resto, Rigoletto rimaneva comunque un testo ‘rivoluzionario’, seppur purgato dai riferimenti politici. È infatti un’opera dove nessun personaggio è nettamente ascrivibile alla categoria del bene o del male e dove a protagonista non assurge un eroe bello, buono e ingiustamente perseguitato, ma Rigoletto, un uomo deforme, un buffone di corte sarcastico e maligno ed insieme padre dolcissimo e amorevole di una fanciulla, Gilda, che custodisce con mille cure, cercando di tenerla lontana dalle brutture del mondo (ma le brutture del mondo riusciranno comunque a raggiungerla e a portarla alla morte). Una figura interamente umana, quella di Rigoletto, terribile e commovente al tempo stesso, il cui dramma intenso e spietato - delineato da Verdi con un’acuta penetrazione psicologica - diventa il filo unitario che ritesse insieme l’intera vicenda.

È proprio questa complessa figura, con la sua solitudine, le sue ossessioni, la sua crudeltà ed il suo amore, la sua violenza e la sua tenerezza, a permeare di sé tutto l’andamento del dramma, volutamente ambientato, nella regia di Ivan Stefanutti (a Pisa ripresa da Agostino Taboga), in uno spazio scenico cupo e claustrofobico, incorniciato da un’enorme cornice sontuosamente barocca, specchio e porta di tutte le nefandezze che si consumano alla corte del Duca di Mantova.

Le luci sono di Jean Paul Carradori, i movimenti coreografici di Cristina Molteni, ripresi da Savina Bellotto e Leonardo Cusinato.

Pochissimi i posti rimasti a oggi disponibili.

Per informazioni Teatro di Pisa tel 050 941111 e www.teatrodipisa.pi.it

La nuova colonna sonora del compositore Gianmarco Caselli: un presepe per non dimenticare

2011-12-09T15:38:00.006+01:00

L'affermato compositore Gianmarco Caselli firma la colonna sonora di GROUND ZERO ten years ago – ten years after, un Presepe ideato da Alessandro Sesti, allestito nell'affascinante Chiesa del Crocifisso a Lucca, che rievoca l'attentato alle Torri Gemelle a distanza di 10 anni.
La musica si dipana lungo tutto il percorso del presepe articolandosi in stili molto diversi l'uno dall'altro. La colonna sonora è realizzata per intero elettronicamente; tecniche e sonorità utilizzate sono sia alternative che convenzionali: si va dai rumori, le voci e le urla tratti dai tg che trasmettevano l'attentato in diretta, modificati e assemblati insieme, a sintetizzatori con sonorità più taglienti e oscure fino a un pezzo d'assieme per coro, organo e archi.

Lo straordinario presepe vuole rievocare quell’evento, ridestarne la memoria, aprire una riflessione sulle conseguenze economiche, politiche e morali che si sono scatenate a livello planetario. Un presepe di grandi dimensione che occuperà per intero la chiesa e che colloca la Natività al centro non solo del “dopo disastro” di dieci anni fa, ma che sdiventa il fulcro e l’orizzonte delle speranze e del desiderio di fiducia, necessari per il nostro tempo. L’opera nasce appunto da un’idea di Alessandro Sesti e si ispira alla storia del mondo a partire da quell’11 settembre fino ad oggi, raccogliendo i drammi e le “macerie” che progressivamente si sono andate accumulando, e al tempo stesso esprimendo il bisogno di un sempre più forte momento di “senso” a livello planetario.

INAUGURAZIONE
sabato 10 dicembre - ore 16.00
Chiesa del Crocifisso - Lucca
GROUND ZERO 2010-2011 ten years ago – ten years after
un presepe
di Alessandro Sesti
colonna sonora di Gianmarco Caselli
luci di Marco Menghetti
video di Stefano Morelli

Cool, Sweet, Weird

2011-12-08T15:00:00.001+01:00

Interni Now di Marina di Carrara presenta la nuova mostra collettiva “Cool, Sweet, Weird” a cura di Virginia Bertani, che si terrà dal 10 dicembre 2011 all’11 febbraio 2012. Gli artisti presenti in mostra con disegni, fotografie e tele di medio formato sono: 108, Bona, Diamond, Miss Eu, Mister G., NAWB, Neve, Orticanoodles, Rapa, Rea, Santy, Sonda, Zibe.

La mostra collettiva “Cool, Sweet, Weird” a cura di Virginia Bertani si apre il 10 dicembre presso la sede espositiva Interni Now. Le opere dei tredici artisti saranno allestite nel prestigioso spazio espositivo di Marina di Carrara completamente rinnovato nelle forme e negli arredi, che accoglierà il visitatore accompagnandolo attraverso un percorso variegato per linguaggio, stile e tematiche: il tutto accomunato dalle parole d’ordine Cool, Sweet, Weird.

Una finestra sul mondo artistico in alcune delle sue sconfinate forme: street artists, pop artists, fotografi e illustratori.

Gli artisti e le opere selezionate dalla giovane curatrice Virginia Bertani, andranno a rappresentare la molteplicità dei linguaggi, temi e percorsi della nuova scena artistica italiana.

L’esposizione non si focalizza sullo stato e sulla strategia dell’opera contemporanea, ma insiste sui differenti punti di vista riguardanti i metodi e i linguaggi atti a creare opere d’arte.

Gli artisti selezionati: 108 Nero, Davide Bona, Diamond, Miss Eu., Mister G., Not a Wonder Boy, Neve, Orticanoodles, Elena Rapa, Marco Rea, Santy, Cristian Sonda e Zibe, ben si adattano a rappresentare questo caleidoscopico progetto, che si pone l’obiettivo di stimolare nel fruitore la ricerca, l’associazione di idee, di concetti e formule che queste opere possono suscitare.

La mostra è organizzata in collaborazione con l’Associazione Culturale Pigmento, e sarà visitabile fino al prossimo 11 febbraio presso gli spazi espositivi di Interni Now, via Fiorillo 11 - Marina di Carrara, ingresso gratuito.

Titolo: Cool, Sweet, Weird

Artisti: 108 Nero, Davide Bona, Diamond, Miss Eu., Mister G., Not a Wonder Boy, Neve, Orticanoodles, Elena Rapa, Marco Rea, Santy, Cristian Sonda, Zibe

Sede: Interni Now, Via Fiorillo, 11 Marina di Carrara (MS)

Info: info@interninow.it

Ass.Pigmento - www.facebook.com/associazionepigmento

Curatore: Virginia Bertani

Date: 10 dicembre 2011- 11 febbraio 2012, Lunedì 16:00-19:30; dal Martedì al Sabato 9:00-12:30 / 16:00-19:30

Ingresso: Gratuito

The Soft Machine

2011-12-06T14:11:00.005+01:00

I meccanismi del corpo e del potere secondo Burroughs

Autore: Ilenia Venditti

The Soft Machine (1961) appartiene alla Trilogia Nova ed è il romanzo che William S. Burroughs pubblicò subito dopo Il pasto nudo (1959), utilizzando la stessa tecnica del cut-up che lo aveva reso famoso nell’opera precedente. Anche se l’autore viene spesso annoverato tra i padri della letteratura beat, The Soft Machine è un’opera che può facilmente passare in secondo piano a meno che non si abbia una passione per Burroughs e la curiosità di leggere in che direzione questi stesse cercando di muoversi subito dopo la pubblicazione di quello che è ricordato come uno dei classici della prosa beat.

In The Soft Machine, e in generale anche nei due successivi capitoli della trilogia, The Ticket That Exploded (1962) e Nova Express (1964), Burroughs continua le sue sperimentazioni con lo stile del cut-up, estremizzandolo fino a rendere ardua, a tratti estenuante, l’esperienza della lettura anche per chi ha apprezzato l’approccio sferzante e corrosivo utilizzato ne Il pasto nudo. La sperimentazione letteraria portata avanti da Burroughs nella Trilogia Nova può facilmente alienare il lettore che probabilmente faticherà a notare il ricorrere degli stessi personaggi nei tre capitoli, ma sicuramente identificherà il ripetersi delle stesse situazioni.

Nelle opere di Burroughs l’elemento più importante non è infatti la trama, ma il modo in cui i personaggi percepiscono e ricordano gli eventi narrati. Da questo punto di vista The Soft Machine non fa eccezione; sebbene i primi sei capitoli del libro tocchino tutti i punti della trama, questa verrà presentata in maniera più lineare solo nel capitolo 7. The Mayan Caper. L’edizione a cui faccio riferimento in questo caso è quella pubblicata originariamente nel 1966. Nei 5 anni trascorsi tra la pubblicazione di Nova Express e The Last Words of Dutch Schultz (1969) Burroughs ritornò infatti più volte su tutti e tre i capitoli della trilogia, rivedendoli alla luce del nuovo stile narrativo che stava evolvendo.

Nel corso degli anni The Soft Machine è apparso in diverse edizioni che presentano una differente suddivisione dei capitoli, ma tre sono le edizioni che contengono revisioni curate dall’autore stesso. Burroughs infatti pubblicò una prima versione dell’opera nel 1961 che prevedeva 50 capitoli. Nel 1966 decise di ritornare sul romanzo per rimuovere circa 100 pagine ed inserirne altrettante inedite aggiungendo anche più scene di cut-up. L’ultima edizione risale al 1968 e presenta solo leggere variazioni rispetto all’edizione precedente, tra le quali l’aggiunta di un’appendice e di una prefazione da parte dell’autore.

The Mayan Caper dà al lettore l’impressione che, ormai a metà del libro, Burroughs abbia deciso di abbandonare, almeno temporaneamente, lo stile frammentario, ellittico della sua narrazione e che si possa procedere a ritroso ed interpretare quanto letto alla luce degli indizi presenti in questo capitolo. Nell’arco di poche pagine si è portati a pensare che si possa finalmente dare un senso a quanto è stato narrato nei capitoli precedenti. L’illusione dura solo fino all’inizio del capitolo successivo, I Sekuin, quando diventa chiaro che, pur conoscendo i dettagli essenziali della storia appena delineata, non si riuscirà ad inserire i frammenti narrativi in un contesto più ampio.

The Mayan Caper può essere paragonato ad un breve sprazzo di lucidità prima di ritornare nell’universo caotico ed infestato da visioni del protagonista, un agente segreto impegnato in una missione non ben precisata in Messico. La storia viene raccontata dal suo punto di vista e filtrata dalla sua percezione alterata dall’uso delle droghe e dal ricordo confuso degli incontri sessuali che caratterizzano il suo viaggio. È come se la sperimentazione letteraria di Burroughs si svolgesse parallelamente alle diverse forme di sperimentazione intraprese dal suo alter ego.
Nel romanzo sono presenti alcuni dei temi ricorrenti nella narrativa di Burroughs: l’uso delle droghe, la descrizione delle percezioni sensoriali causate da queste e l’idea di sovvertire qualsiasi tipo di gerarchia e di ordine dominante. Quest’ultimo è un tema che sarà centrale nel saggio The Electronic Revolution (1970) ma che Burroughs, come evidente in The Soft Machine, aveva contemplato a lungo. La ‘macchina morbida’ a cui Burroughs fa riferimento nel titolo è una metafora del corpo umano e The Soft Machine è uno studio di come il corpo reagisce ai meccanismi di controllo imposti dalla società e, su un piano più personale, dal nostro subconscio. Ed è anche un’esplorazione di come il corpo possa liberarsi da quei meccanismi attraverso qualsiasi tipo di esperienza che sia in grado di innescare una rottura, un’interruzione, come quella provocata dall’arrivo del protagonista in Messico.
L’avventura in Messico dell’agente segreto lo porterà ad infiltrarsi nella società maya, o quello che ne rimane, e ad essere accettato come semplice lavoratore nei campi. Questo gli permetterà di osservare da vicino l’organizzazione di quel microcosmo ed il modo in cui i sacerdoti detengono il potere attraverso la manipolazione del calendario maya. La metamorfosi dell’agente nella società messicana è riflessa più volte dall’uso di parole spagnole e dalla riproduzione dell’inglese stentato parlato dai giovani messicani che incontra durante il suo viaggio.
L’agente riuscirà a comprendere il complesso sistema gerarchico in cui è strutturata la società maya ed assisterà anche ad alcuni dei suoi aspetti più controversi, come i diversi tipi di esecuzione che saranno più volte raccontati nel romanzo. La consapevolezza da parte dell’agente di riuscire a comprendere il calendario maya meglio dei sacerdoti stessi e di essere in grado, a differenza di questi, di sabotarlo, lo spingerà ad ideare un piano per destabilizzare dall’interno l’equilibrio di potere della società in cui è riuscito lentamente ad insinuarsi.
È tuttavia inverosimile pensare che Burroughs riesca a restituire un ritratto autentico della società maya così come lo è credere che il protagonista della storia riesca davvero, come dice, a padroneggiare la lingua maya, in quanto ‘più semplice di quella azteca’. The Soft Machine, come tutte le opere di Burroughs, è influenzato dalle esperienze con le droghe avute dall’autore e dal suo desiderio di proporre un modello di società diverso da quello imposto dalla tradizione.
Lo scopo di Burroughs non è quello di imporre al lettore la sua visione della realtà o di presentarla come l’unica alternativa possibile alla rigidità della società lasciata in eredità dalla generazione che l’aveva preceduto. È per questo che il lettore con una passione per il mondo sommerso in cui si muovono gli autori e gli antieroi della letteratura beat non potrà fare a meno di assecondare la visione e la visionarietà di Burroughs fin dalla prima pagina.

In scena "Giovanna al rogo", il nuovo lavoro del Teatro del Carretto

2011-12-06T09:38:00.003+01:00

La compagnia del Teatro Del Carretto torna sul palcoscenico del Giglio in prima nazionale - venerdì 9 dicembre alle ore 21.00, con repliche sabato 10 e domenica 11 – con l’atteso Giovanna al rogo, portando all'attenzione del pubblico la figura complessa e controversa della Pulzella D’Orlèans, Giovanna d’Arco.

La scrittura drammaturgica di Maria Grazia Cipriani prende spunto dal fascino che ancora oggi suscita la Pulzella d’Orlèans, così descritta nelle parole della stessa Cipriani: «La figura dibattuta di Giovanna è avvolta dal mistero, sia per la natura stessa della sua esperienza, dagli incerti confini tra l’autenticità del misticismo e i fantasmi della visionarietà, sia per l’ambiguo rapporto del potere con la sua figura, su cui permane un’ombra di convenienza strumentale a certe dinamiche storiche, nel fare di questa donna dall’indubbio carisma e seguito prima un’eretica esemplare processata e giustiziata sul rogo, poi una vittima da riabilitare e beatificare». Il lavoro muove dalle numerose e stratificate versioni artistiche, cinematografiche, musicali e teatrali che hanno letto, riletto e interpretato fino ad oggi questo straordinario personaggio, ma insieme le trascende nella consapevolezza dell’impossibilità di una comprensione univoca del mistero di Giovanna d’Arco.

La suggestione storica da cui scaturisce l’azione teatrale si ispira al momento in cui Giovanna, una volta venduta agli inglesi e da questi affidata alla Chiesa, asservita anch’essa al potere inglese, viene processata per eresia. Nella collocazione scenografica di Graziano Gregori - una sorta di recinto/prigione dove il colore della cenere, presagio del tragico epilogo, è il fattore cromatico dominante - Giovanna (Elsa Bossi) sente e soffre la condanna ormai prossima, in un ondivago ed allucinato fluire del tempo, in cui il passato è rivissuto quale estrema ricapitolazione della propria esistenza. La violenta e grottesca presenza dei carnefici (Giacomo Vezzani, Nicolò Belliti, Andrea Jonathan Bertolai) che agiscono nell'atmosfera sonora creata da Hubert Westkemper assieme alla voce ambigua e inquietante dell'inquisitore (Dario Cantarelli), svelano una delle infinite possibili interpretazioni: Giovanna è una figura tragica, mistica visionaria stretta dai vincoli della rigida società del tempo, tradita, perseguitata e arsa viva dai potenti, oggetto di appropriazione e strumentalizzazione per finalità politiche di ogni genere. Anche per questo la vicenda di Giovanna resta attuale e fonte di suggestioni e domande aperte che, pur cambiando i tempi, mantengono ancora una loro intrinseca forza e una verità universale: quella delle sofferenze di chi è vittima, a qualunque titolo, dell’abuso e della violenza del potere.

venerdì 9 e sabato 10 dicembre 2011 alle ore 21.00
domenica 11 dicembre 2011 alle ore 16.30

Teatro Del Carretto
GIOVANNA AL ROGO
adattamento e regia Maria Grazia Cipriani
scene e costumi Graziano Gregori
suono Hubert Westkemper
luci Angelo Linzalata e Fabio Giommarelli

con Elsa Bossi
e Giacomo Vezzani, Nicolò Belliti, Andrea Jonathan Bertolai

Info www.teatrodelgiglio.it.
I prezzi dei biglietti vanno da 10 a 30 euro.
Prenotazioni: Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.
Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

UN INTRECCIO DI CAPOLAVORI AL MAGGIO MUSICALE FIORENTINO

2011-12-06T09:19:00.010+01:00

In attesa degli eventi che accompagneranno l'inaugurazione del Nuovo Teatro dell'Opera, il Maggio Musicale Fiorentino ha offerto, nei giorni scorsi, un interessantissimo tuffo nei grandi capolavori: dal 25 novembre al 6 dicembre fortunati allestimenti de Il Barbiere di Siviglia (1994, di José Carlos Plaza) e de La Bohème (2008, di Mario Pontiggia) hanno consentito di riflettere sulla consistente evoluzione che il melodramma ha vissuto negli ottant'anni che separano questi due fondamentali capisaldi della lirica.

Si inizia con quell'elegante tripudio di genio e raffinatezza dell'Inutile Precauzione, titolo originale della commedia di Beaumarchais da cui Rossini trae il suo lavoro, non prima di essersi assicurato di affrancarsi dalla precedente trasposizione di Paisiello. Perché la storia che ruota intorno alle astuzie del rinomato Figaro sono per il pesarese occasione (come già era accaduto con L'italiana in Algeri) di uscire dagli schermi musicali consolidati e dagli stereotipi che animavano i palcoscenici. Pur sempre con una "ridotta" orchestra e con gli ancora saldi riferimenti di Recitativi, Cavatine, Duetti..., il compositore concepisce, in tre settimane, una partitura di memorabile bellezza e perfezione, in cui frizzi e lazzi clownistici si fondono con lacerti di psicologia umana. L'allestimento diretto da José Carlos Plaza con scene e costumi di Sigfrido Martín-Begué fa del Barbiere una favola colorata, ambientata in uno spazio verde (che un po' ricorda il giardino della Regina di Cuori di Carroll nella trasposizione disneyana) in cui pannelli a scorrimento orizzontale e verticale vanno a creare i vari spazi. Le linee sono semplificate e i colori accesi come nei teatrini di marionette, da cui sembrano provenire anche costumi e trucco; lo stesso Figaro arriva in sella a una curiosa bicicletta, tutt'uno con un fondale che cambia a ogni pedalata. In sintonia con questo, i movimenti dei personaggi sono ampi e caricaturali, nell'esaltazione di quanto di buffo vi è in questo melodramma. Tra gli interpreti, il più convincente è di certo il Don Bartolo di Bruno de Simone (già divertente Don Pasquale donizettiano al Maggio); Vito Priante, familiare con il ruolo di Figaro, è ben centrato in quanto a mimica e interpretazione, ma ancora non del tutto all'altezza della complessità vocale che questo personaggio richiede. Valide le performance di Antonino Siragusa (il Conte d'Almaviva) e di Laura Polverelli (Rosina), seppur entrambi tradiscano una certa timidezza scenica che non li rende del tutto disinvolti.

Da questo gioiello ottocentesco si vola verso un capolavoro di modernità, verso una pagina musicale perfetta e completa, che annuncia tutte le inquietudini novecentesche. La Bohème pucciniana, tanto tormentata nei due lunghi anni di composizione: racconto corale dei piccoli-grandi sentimenti che muovono l'essere umano, racconto non più assoggettato ai già citati schemi musicali, incastrato nei recitativi, ma asservito a esigenze psicologiche che trovano la miglior espressione nella narrazione orchestrale. Ecco, infatti, ampliarsi la compagine, subentrare molti nuovi strumenti che, dalle imponenti melodie alle lievi sfumature, esprimono anche quello in cui, talvolta, la parola può essere limitata. Il felice e già consolidato sodalizio tra la regia di Mario Pontiggia e le scene e costumi di Francesco Zito offrono una Bohème particolarmente romantica e suggestiva: una grigia soffitta con ampie vetrate, un'elegante Parigi liberty e una struggente, desolata Barriera d'Enfer (resa lunare dalle luci di Gianni Paolo Mirenda). Grandiosa la realizzazione del secondo atto, in cui coro e figuranti, grandi e piccini gestiscono perfettamente lo spazio esaltando i movimenti della partitura. Deliziosa l'esibizione dei Ragazzi Cantori di Firenze, diretti da Marisol Carballo, precisi in canto e mimica. Complessivamente più incerta la performance degli interpreti maschili, non del tutto disinvolti nelle scene d'insieme di primo e quarto atto e spesso in difficoltà nel sostenere i volumi che l'esibizione richiederebbe: il più convincente risulta essere Devid Cecconi, nei panni di Marcello. Buona la prova delle due donne, la Mimì di Yolanda Auyanet e la Musetta di Rocio Igancio.

Ci piace fare un discorso a parte per l'Orchestra del Maggio, come sempre impeccabile, sia nella direzione di Antonio Pirolli - che particolare attenzione pone all'esaltazione dei colori del Barbiere - sia in quella di Carlo Montanaro, impegnato nell'individuazione di tutta quella gamma di suoni che, in Puccini, evocano tanto stati d'animo quanto elementi naturali. L'organico fiorentino si rivela piacevolmente sempre all'altezza dei differenti compiti assegnati, regalando momenti che mai tradiscono le intenzioni musicali e poetiche dei compositori, siano essi ancora in qualche modo debitori della tradizione ottocentesca, siano protagonisti di una rivoluzione destinata a cambiare per sempre le sorti del melodramma.

(Il Barbiere di Siviglia e La Bohème, viste rispettivamente martedì 29 novembre e venerdì 2 dicembre 2011)

IL BARBIERE DI SIVIGLIA

Opera buffa in due atti

Musica

Gioachino Rossini

Libretto

Cesare Sterbini

Direttore

Antonio Pirolli

Regia

Josè Carlos Plaza

Scene e costumi

Sigfrido Martin-Begué

Luci

Gianni Paolo Mirenda

Maestro al cembalo

Andrea Severi

Il Conte d'Almaviva

Antonino Siragusa

Don Bartolo

Bruno de Simone
Marco Filippo Romano

(1, 6.12)

Rosina

Laura Polverelli
Marina Comparato (1, 6.12)

Figaro

Vito Priante
Borja Quiza (1, 6.12)

Don Basilio

Nicola Ulivieri

Fiorello

Gianluca Margheri

Ambrogio

Enrico Rotoli

Berta

Laura Cherici

Un ufficiale

Nicolò Ayroldi

Mimo

Sabina Cesaroni

Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino

Allestimento

Teatro del Maggio Musicale Fiorentino

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LA BOHÈME

Scene liriche in quattro quadri

Musica

Giacomo Puccini

Libretto

Giuseppe Giacosa
Luigi Illica

Direttore

Carlo Montanaro

Regia

Mario Pontiggia

Scene

Francesco Zito

Luci

Gianni Paolo Mirenda

Rodolfo

Aquiles Machado
Lorenzo Decaro (30.11; 2, 3.12)

Schaunard

Simone Del Savio

Mimì

Carmela Remigio
Yolanda Auyanet (30.11, 3.12)

Marcello

Stefano Antonucci
Devid Cecconi (30.11, 3.12)

Colline

Marco Vinco
Felipe Bou (30.11, 3.12)

Benoît / Alcindoro

Andrea Cortese

Musetta

Alessandra Marianelli
Rocio Ignacio(30.11, 3.12)

Parpignol

Leonardo Melani

Sergente dei doganieri

Vito Luciano Roberti

Un doganiere

Lisandro Guinis

Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino

I Ragazzi Cantori di Firenze

diretti da

Marisol Carballo

Allestimento

Teatro del Maggio Musicale Fiorentino

Ribelli - Una storia d'Italia in 19 racconti

2011-12-05T18:25:00.005+01:00

A cura di Enzo Macrì e Angelo Marenzana.

Per il 150° anniversario dell’Unità d’Italia, numerosi saggi e qualche opera di narrativa hanno messo in evidenza i vari aspetti legati alla nascita e allo sviluppo di una nazione piuttosto problematica come la nostra. Questo libro vuole dare il suo piccolissimo contributo alla ricostruzione di quella storia, complessa e spesso contraddittoria.In una serie di racconti vengono toccate alcune tappe di un’Italia fatta di persone che, ciascuna a suo modo, hanno detto no. No alle ingiustizie o al destino avverso, no ai potenti di turno o alle leggi dello Stato.

Persone che nel bene o nel male hanno attraversato con le loro vicende i primi 150 anni di un’Italia a volte madre, altre volte matrigna.Storie di Ribelli, come i patrioti del Risorgimento, coraggiosi e idealisti, o come gli operai di Reggio Emilia che, 100 anni dopo, lottano e muoiono per rivendicare i loro diritti. Storie di emigrazione e di resistenza, di guerra e di pace. Storie, tutto sommato, di gente “normale”. Storie che alla fine ricompongono, come in un mosaico, lo spirito e la ragione stessa di una Nazione.

All'interno anche un racconto di Lucio Laugelli intitolato "La linea Cadorna".

AA.VV.Ribelli

Una storia d'Italia in 19 racconti
pagine 264
euro 12,00
pubblicato: 2011
ISBN 978-88-7371-879-6

Romina Mondello è "Alice" al Teatro Comunale di Pietrasanta

2011-12-02T12:30:00.004+01:00

Martedì 6 dicembre arriva ALICE al Teatro Comunale di Pietrasanta e il palcoscenico si trasforma in un mondo “a testa in giù”, dove i personaggi della fantasia di Lewis Carroll, dal Cappellaio Matto, alla Regina di Cuori, al Bianconiglio, animano il mondo delle Meraviglie di Alice.

Uno spettacolo visionario e immaginifico, che porta la firma dell’estroso regista Matteo Tarasco, tra i più stimati dai critici, e che vede Romina Mondello straordinaria interprete di Alice, affiancata da Salvatore Rancatore, Giulia Galiani e Odette Piscitelli.
Di grande impatto la scenografia dello spettacolo, creata anch’essa da Matteo Tarasco, che presenta la stanza di Alice nel Manicomio di Wonderland, una vecchia stanza abbandonata di epoca vittoriana, che lo spettatore scruta attraverso il pavimento sfondato del piano superiore, in una prospettiva distorta: la parete di fondo della scena è il pavimento della stanza. Questa vecchia stanza, retaggio di memorie, e al contempo luogo dove il male di vivere fa risuonare le proprie urla, il regno di una creatura speciale che vede al di là delle cose che si vedono.

Il nostro spettacolo ci ricorda che Alice potrebbe essere la sorella di Amleto – scrive nelle note di regia Matteo Tarasco - Nella storia di Alice lo specchio rappresenta un confine, al di là del quale tutti noi possiamo credere di essere o di non essere principi, re e regine. Se Amleto scappa e si rifugia nella finzione della follia, Alice scappa e si rifugia nella follia della finzione, dove tutto può essere o non essere, ma nulla è un problema, bensì un enigma, che altro non è che un problema senza soluzione, come gli indovinelli del Cappellaio Matto, come gli interrogativi del principe di Danimarca. Alice non è uno spettacolo per bambini. Se i libri di Alice hanno acquisito la certezza dell'immortalità è perché continuano a essere letti e gustati dagli adulti. Carrol, con il rigore del matematico e lo scrupolo di un chierico, ci conduce in un viaggio nel profondo dell'animo umano, dove le contraddizioni più aspre si fondono, per restituire un'immagine del mondo vividamente controversa. Un mondo di meraviglie osservato attraverso lo specchio della propria coscienza, che sempre ci restituisce un'immagine distorta e traslata dell'essere. Mettere in scena Alice, capolavoro della letteratura inglese dell'Ottocento, vuole essere un tentativo di raccontare l'odierno spaesamento quotidiano di una generazione incompresa, un tentativo per riacquistare, attraverso la fascinazione del palcoscenico, i valori della parola poetica, che crediamo oggi debba imporsi su altri linguaggi che spiegano, ma non insegnano il senso.

I biglietti per lo spettacolo del Teatro Comunale di Pietrasanta sono in vendita al Teatro in Piazza Duomo a Pietrasanta (Lu) e negli orari di apertura del Cinema Comunale. Saranno inoltre in vendita dalle 17 alle 19 nei due giorni precedenti lo spettacolo e il giorno stesso della rappresentazione. Info tel. Tel. 0584 795511 e Fondazione La Versiliana Tel. 0584 265733 – 265735. Prenotazione e prevendita anche online su www.ticketone.it).

Per info www.laversilianafestival.it

Il primo spot di Tictalo!

2011-11-30T20:02:00.002+01:00

Vi presentiamo in anteprima il primo spot del social network Tictalo

Dopo trent'anni torna a Pisa il capolavoro goldoniano di Strehler

2011-11-30T17:23:00.002+01:00

È sicuramente da non perdere l’appuntamento di questo fine settimana al Teatro Verdi di Pisa: sabato 3 dicembre alle ore 21 e domenica 4 dicembre alle ore 17 è di scena uno dei capolavori del Piccolo Teatro di Milano firmati da Giorgio Strehler, Arlecchino servitore di due padroni di Carlo Goldoni, terzo titolo della Stagione Teatrale organizzata dalla Fondazione Teatro di Pisa e dalla Fondazione Toscana Spettacolo (alla cui forte collaborazione con lo Stabile milanese si deve appunto la preziosa presenza di questo spettacolo nel cartellone pisano).

Protagonista, naturalmente, è Ferruccio Soleri, ed è sua anche la messa in scena, con la collaborazione di Stefano De Luca, della regia strehleriana. Le scene, lo ricordiamo, sono di Ezio Frigerio, i costumi di Franca Squarciapino, le musiche di Fiorenzo Carpi. Luci di Gerardo Modica, movimenti mimici di Marise Flach, maschere di Amleto e Donato Sartori.

Lungi dal trasformarsi in uno “spettacolo-museo”, Arlecchino conferma la sua natura di “memoria in azione”, capace di trascinare lo spettatore - diceva Strehler - “nell’empireo del grande teatro comico, inno gioioso di liberazione”, perché "Arlecchino è sempre uguale e sempre diverso" ed è "libero dal tempo che passa". Un'avventura teatrale unica e irripetibile, fatta di giochi e malinconie, trepidazioni e burle, lazzi e bisticci che incantano perché sono quelli di sempre.
Con Soleri sono in scena Giorgio Bongiovanni, Annamaria Rossano, Tommaso Minniti, Stefano Onori, Pia Lanciotti, Sergio Leone, Enrico Bonavera, Stefano Guizzi, Alessandra Gigli, Francesco Cordella, Katia Mirabella, Eugenio Olivieri  e i suonatori Gianni Bobbio, Paolo Mattei, Francesco Mazzoleni, Elisabetta Pasquinelli, Celio Regoli.

Pochi i biglietti rimasti disponibili, in vendita al Botteghino del Teatro Verdi.
Per informazioni tel 050 941 111

"Buon compleanno, Maestro!"

2011-11-30T16:03:00.002+01:00

Giovedì 22 dicembre al Teatro del Giglio: concerto Buon compleanno, Maestro! in occasione del 153° anniversario della nascita di Giacomo Puccini.

Giunge alla sua quarta edizione l’ormai tradizionale appuntamento con Buon compleanno, Maestro!, concerto con il quale il Teatro del Giglio e la Città di Lucca celebrano la ricorrenza della nascita del proprio illustre concittadino. Il concerto – giovedì 22 dicembre, alle ore 21 - porterà al pubblico il Puccini che tutti amiamo, quello delle struggenti arie d’opera, degli emozionanti duetti e degli intermezzi orchestrali che hanno fatto conoscere ed amare il Maestro e le sue bellissime melodie nel mondo.

Per l’occasione Elio Boncompagni sarà alla guida dell’Orchestra Filarmonica Nazionale Italiana; a dar voce ai protagonisti delle opere del Maestro un cast artistico di importanti voci pucciniane del calibro del soprano Francesca Patanè, del baritono Marco Chingari e del tenore Luciano Ganci.

Questo il programma nel dettaglio:
Preludio sinfonico
da Manon Lescaut ‘Donna non vidi mai’
da Tosca ‘Vissi d’arte’
da Edgar Intermezzo atto terzo
da Tabarro ‘Nulla, silenzio!’
da Tosca Duetto atto primo
da Suor Angelica Intermezzo
da Manon Lescaut Intermezzo atto secondo, Intermezzo atto terzo, ‘Sola, perduta… abbandonata’
da La fanciulla del West ‘Minnie, dalla mia casa son partito’
da Tosca ‘Recondita armonia’
da Madama Butterfly Intermezzo atto terzo, ‘Un bel dì vedremo’
da Turandot ‘Nessun dorma’

Da giovedì 1° dicembre sarà possibile ritirare i tagliandi gratuiti per l’ingresso al concerto, che saranno distribuiti - fino ad esaurimento posti - alla Biglietteria del Teatro del Giglio (tel. 0583 465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it).

"Scene da un matrimonio" al Teatro San Girolamo di Lucca

2011-11-29T10:07:00.003+01:00

Appena concluse le recite milanesi al Teatro Grassi, è a Lucca, come primo titolo del Cartellone Prosa Teatro San Girolamo, la pièce Scene da un Matrimonio, per la regia di Alessandro D’Alatri. Lo spettacolo è la prima grande produzione post-terremoto del Teatro Stabile d’Abruzzo, che esprime così un forte segnale della sua rinnovata vitalità. Il Teatro Stabile d’Abruzzo riflette sulle macerie di un matrimonio che hanno sullo sfondo quelle di una città, e tornano piene di vita nel realizzare quest’opera che riflette sulla complessità della convivenza. Interpreti dell’opera, riadattata dallo stesso D’Alatri dalla sceneggiatura di Ingmar Bergman del 1973, sono Daniele Pecci e Federica Di Martino, giovani attori versatili, di grande esperienza e intensità espressiva, che danno vita a Johan e Marianne, coppia di sposi che cerca di affrontare la crisi resa palese dal tradimento di lui.

La pièce è assente dalle scene italiane da molto tempo e D’Alatri la propone con un allestimento contestualizzato nell’Italia contemporanea. I due protagonisti sono più giovani dei due dell’originale: appartengono a quella fascia d’età in bilico tra la gioventù e la piena maturità, elemento che rende l’allestimento estremamente interessante. Ironici e sensuali, disperati e brillanti, Marianne e Johan cercano di affrontare con equilibrio l’ineluttabilità del danno del tradimento: eppure lei ha paura della rivale più giovane, e lui si scopre inadeguato a gestire i bisogni e i comportamenti di una partner di una generazione diversa... Scene da un matrimonio nell’allestimento di D’Alatri è un “passo a due” al ritmo di una coppia di oggi, immersa in un impianto scenico sobrio ed archetipico, in cui musica e luce seguiranno l’avvicendarsi degli stati emotivi. A fare da collante tra gli snodi della trama saranno le musiche originali di Franco Mussida, della Premiata Forneria Marconi, che affida ai suoni della chitarra sola il ruolo di “bastone del rabdomante” per raggiungere le emozioni e i sentimenti che si sviluppano nei quadri dell’opera.

Posto unico euro 20.
Info www.teatrodelgiglio.it.
Prenotazioni Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.
Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

Sabato 3 dicembre, ore 21
Teatro San Girolamo

Produzione Teatro Stabile d’Abruzzo
Scene da un matrimonio di Ingmar Bergman
adattamento e regia Alessandro D’Alatri
scene Matteo Soltanto
costumi Francesco Verderame
musica Franco Mussida
disegno luci Paolo Mazzi

con Daniele Pecci, Federica Di Martino

Finalmente "Aida" al Verdi di Pisa!

2011-11-27T14:54:00.003+01:00

Tra i punti di forza della Stagione firmata dal nuovo direttore artistico del Teatro di Pisa, il baritono Marcello Lippi, martedì 29 e mercoledì 30 novembre alle ore 20.30 va in scena Aida e, sul versante della partecipazione del pubblico, è già scommessa vinta: due serate pressoché interamente esaurite nonostante la collocazione infrasettimanale.

Terzo titolo del cartellone, quest’Aida è una produzione del Teatro di Pisa in collaborazione con la Ramfis Production, da cui proviene l’allestimento firmato per regia, scene, luci e immagini da Antoine Selva, raffinato regista e scenografo francese, di vasta esperienza.

Sul podio il M° Tulio Gagliardo, direttore argentino da molti anni residente in Spagna, regolarmente invitato a dirigere nei maggiori festival internazionali, dal 2006 direttore principale della Devlet Opera di Izmir (Turchia), teatro che proprio grazie alla sua direzione è presto emerso come il più importante teatro d’opera turco.

Il cast vede insieme professionisti da tempo in carriera e giovani cantanti affermati. Nel ruolo di Aida si alternano Olga Romanko (il 29), soprano italo-russo di notevole temperamento e presenza scenica, e Chiara Angella (il 30), interprete d’innegabile eleganza ed espressività; nel ruolo di Radamès il tenore colombiano Ernesto Grisales (il 29), che torna così a calcare il palcoscenico pisano dopo il successo ottenuto come Canio nel recente Pagliacci di Leoncavallo, e Stefano La Colla (il 30), presto emerso fra i migliori giovani talenti del Festival Puccini di Torre del Lago.

Nel ruolo di Amneris Laura Brioli, mezzosoprano di vaglia che anche il pubblico del Verdi ha avuto più volte occasione di applaudire, così come ‘di casa’ a Pisa è l’interprete di Ramfis Abramo Rosalen, il giovane basso trestino che ricordiamo, per citare una delle sue più recenti esibizioni, come Frère Laurent nel felice Roméo et Juliette della scorsa Stagione; nel ruolo di Amonasro Silvio Zanon, noto baritono particolarmente versato, e molto apprezzato, nel repertorio verdiano e verista; nel ruolo del Re il giovane baritono siciliano Emanuele Cordaro. Completano il cast Silvano Paolillo (Un Messaggero) ed Emanuelle Zoldan (una sacerdotessa). Danzatori della Street M’Dance su coreografie di Maan Chadouli.

Bulgara la compagine corale e orchestrale - Coro e Orchestra Sinfonica di Pazardijk – con le prima parti orchestrali di Aida Studio, l’associazione fiorentina che, fra i molteplici impegni nell’ambito della promozione culturale e musicale, fin dalla sua nascita – nel 2009 – collabora con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino per l'attività concertistica dei Cameristi del Maggio.

AIDA è una grande tragedia d’amore calata in una terribile cornice di monumentalità e crudeltà del potere religioso, ed è opera dove tradizione e rinnovamento si fondono grazie allo straordinario genio verdiano: nella progressione del discorso musicale e nella sua stretta connessione con le situazioni drammatiche e lo sviluppo dell’azione; nella verosimiglianza psicologica dei personaggi, nella la raffinatezza della scrittura, nell’estrema cura del colore locale, nel costante dialogo fra voci e orchestra. Un’opera dalla liricità intensa e dalla straordinaria modernità, precorritrice degli ultimi capolavori di Verdi (Otello e Falstaff).

Per informazioni Teatro di Pisa tel 050 941111 e www.teatrodipisa.pi.it

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"Il Barbiere di Siviglia" di nuovo al Maggio Musicale Fiorentino

2011-11-25T16:48:00.005+01:00

Un’opera buffa geniale, senza rivali nel repertorio italiano ed europeo, la più nota composta dal genio di Rossini, per le arie, numerosissime e celebri, le caricature, le situazioni inverosimili e tragicomiche, gag di grande attualità, non solo per la mimica richiesta ai personaggi, ma per il linguaggio sofisticato e raffinato, in un libretto chiaro ed immediato, che mette in risalto le situazioni comiche e gli equivoci, inutili risultano le precauzioni… e proprio la parola ‘precauzione’ è chiave nella trama, contorta ma non troppo, un lemma che ritorna per nove volte nel testo e non a caso.

Ovvero inutile si dimostra la precauzione del tutore, Don Bartolo, che cerca di relegare la pupilla Rosina, al fine di sposarla. Inutili davvero tutte le precauzioni per segregarla e tenerla lontana dagli estranei, tanto che per puro caso, al Museo del Prado, la giovane incontra il Conte d’Almaviva, che a Siviglia, poco tempo dopo, per conquistarla si traveste da Lindoro. Inutile la precauzione di far entrare in casa solo persone note, dacché Figaro, barbiere e factotum, favorirà la storia d’amore fra il Conte e Rosina, prendendosi gioco di Don Basilio, mefistofelico e grottesco insegnante di musica.

La pièce di Beaumarchais (del 1755) metteva in scena per la prima volta personaggi borghesi e gente comune, affianco alla nobiltà, non ovviamente in situazioni serie o eroiche, bensì comiche, come si addiceva per l’epoca, mentre una rivoluzione, in ambito teatrale e non solo, stava avvenendo fra le classi. Il seguito di Beaumarchais (redatto nel 1784 alla vigilia della Rivoluzione Francese) venne poi ripreso da Mozart, nelle celebri Nozze di Figaro. Da segnalare che un giovanissimo Rossini (1792 - 1868) compose questo capolavoro buffo in meno di tre settimane, nel febbraio del 1816.

Antonio Pirolli dirige l’Orchestra ed il Coro del Maggio Musicale Fiorentino, e due cast davvero imperdibili, che si alternano in 4 recite, dal 29 novembre al 6 dicembre: Antonino Siragusa nei panni del Conte d'Almaviva, Bruno de Simone e Marco Filippo Romano si alterneranno nelle vesti dello sprovveduto tutore Don Bartolo, Laura Polverelli e Marina Comparato in quelli della maliziosa Rosina, Vito Priante e Borja Quiza nel tuttofare e astuto Figaro, Nicola Ulivieri e Roberto Tagliavini nell’insegnante di musica Don Basilio, mentre Gianluca Margheri sarà Fiorello e Laura Cherici Berta la governante, cui è affidato un delizioso cammeo nel secondo atto.

La sera del 29 novembre è prevista la diretta radiofonica si RAI RADIO 3.

Il Barbiere di Siviglia o sia L’inutile precauzione
Melodramma buffo in due attidi Gioachino Rossini
Libretto di Cesare Sterbini
dalla commedia omonima di Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais

Direttore
Antonio Pirolli

Regia
Josè Carlos Plaza
Scene e costumi
Sigfrido Martin-Begué
Luci
Guido Levi

Personaggi ed interpreti

Il Conte d'Almaviva
Antonino Siragusa
Don Bartolo
Bruno de Simone, Marco Filippo Romano
(1, 6.12)
Rosina
Laura Polverelli, Marina Comparato (1, 6.12)
Figaro
Vito Priante, Borja Quiza (1, 6.12)
Don Basilio
Nicola Ulivieri, Roberto Tagliavini (1, 6.12)
Fiorello
Gianluca Margheri
Berta
Laura Cherici

Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino
Piero Monti
Maestro del Coro

Allestimento Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Italo Grassi
Direttore Allestimenti Scenici

Teatro Comunale
Martedì 29 novembre 2011, ore 20:30
Giovedì 1 dicembre, ore 20:30
Domenica 4 dicembre, ore 15:30
Martedì 6 dicembre, ore 20:30

Per ulteriori informazioni e biglietti: Biglietti da € 15 a € 100
Info e Prenotazioni: Biglietteria del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Info tel. 055 2779350, dal martedì al venerdì 10.00-16.30;
prevendita tel. 055 28722, da martedì a venerdì 10.00 -16.30 / sabato 9.00-13.00;
Biglietteria Teatro Comunale, Corso Italia 16 - Firenze - fax: +39 055 287222;
Biglietteria on line www.maggiofiorentino.com; tickets@maggiofiorentino.com

"La Bohème" ritorna al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino

2011-11-24T10:30:00.003+01:00

Ritorna, nel fortunato allestimento di Mario Pontiggia, il capolavoro senza tempo di Giacomo Puccini: La Bohème, dramma ispirato al romanzo francese di metà ottocento Scènes de la vie de bohème (1845 - 1847) di Henri Murger, e ambientato a Parigi nel 1830, all’epoca del re Luigi Filippo. Un’opera molto amata a Firenze, giunta alla ventisettesima edizione dal lontano maggio 1929, quando per la prima volta venne rappresentata al Teatro Comunale.

Si tratta di un’opera di grandissima attualità, assolutamente imperdibile, sia per chi ne sia già appassionato, sia per chi invece desideri scoprirla e vederla per la prima volta. Una storia sempre giovane e dedicata ai giovani, ai loro amori impossibili, alla voglia di emancipazione, al desiderio di affermarsi, all’arte e ad uno sguardo sulla vita pieno di romanticismo e grandi ideali.

Carlo Montanaro dirige l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino e un cast di altissimo livello: Aquiles Machado e Lorenzo Decaro nei panni di Rodolfo, Simone Del Savio è Schaunard, Carmela Remigio e Yolanda Auyanet si alterneranno nel ruolo di Mimì, Stefano Antonucci e Devid Cecconi nelle vesti del pittore Marcello, Marco Vinco ed Enrico Iori in Colline, Andrea Cortese nella duplice veste di Benoît / Alcindoro, Alessandra Marianelli e Rocio Ignacio nella sensuale Musetta.

LA BOHÈME
Scene liriche in quattro quadri
Musica di Giacomo Puccini
Libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica

Direttore
Carlo Montanaro
Regia
Mario Pontiggia
Scene
Francesco Zito

Personaggi ed interpreti

Rodolfo
Aquiles Machado, Lorenzo Decaro (30.11, 3.12)
Schaunard
Simone Del Savio
Mimì
Carmela Remigio, Yolanda Auyanet (30.11, 3.12)
Marcello
Stefano Antonucci, Devid Cecconi (30.11, 3.12)
Colline
Marco Vinco, Enrico Iori (30.11, 3.12)
Benoît / Alcindoro
Andrea Cortese
Musetta
Alessandra Marianelli, Rocio Ignacio (30.11, 3.12)

Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino

Piero Monti
Maestro del Coro
Allestimento Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Italo Grassi
Direttore Allestimenti scenici

Teatro Comunale
Venerdì 25 novembre 2011, ore 20:30
Domenica 27 novembre, ore 15:30
Mercoledì 30 novembre, ore 20:30
Venerdì 2 dicembre, ore 20:30
Sabato 3 dicembre, ore 20:30

Per ulteriori informazioni e biglietti: Biglietti da € 15 a € 100
Info e Prenotazioni: Biglietteria del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
Info tel. 055 2779350, dal martedì al venerdì 10.00-16.30;
prevendita tel. 055 28722, da martedì a venerdì 10.00 -16.30 / sabato 9.00-13.00;
Biglietteria Teatro Comunale, Corso Italia 16 - Firenze - fax: +39 055 287222;
Biglietteria on line www.maggiofiorentino.com; tickets@maggiofiorentino.com

"L'affarista" in scena al Teatro Comunale di Pietrasanta

2011-11-19T12:17:00.004+01:00

Lunedì 21 novembre, alle ore 21.15, Geppy Gleijeses e Marianella Bargilli saranno i protagonisti de L’Affarista, uno dei migliori testi teatrali di Balzac, proposto nella lettura del regista Antonio Calenda, per il secondo appuntamento con la Stagione di Prosa del Teatro Comunale di Pietrasanta.

Efficace e numerosa la compagnia composta da Paila Pavese, Osvaldo Ruggieri, Alfonso Veneroso, Francesco Benedetto, Piergiorgio Fasolo, Ferruccio Ferrante, Antonio Ferrante, Jacopo Venturiero, Antonio Tallura, Adriano Braidotti che darà vita alle variopinte e sfuggenti figure che attorniano il protagonista Mercadet, Geppy Gleijeses e Marianella Bargilli.

«La commedia di Balzac – spiega il regista Antonio Calenda – possiede una stringente attualità, un incredibile impatto sul lettore contemporaneo, poiché tratta temi molto sentiti, come la frenesia e l'immoralità delle speculazioni economiche, lo spietato gioco delle Borse, il mondo losco e cinico degli affari. Proprio il modo incisivo, realistico e allo stesso tempo molto ironico in cui l'autore raffigura questo universo ambiguo, e la sua perfetta, significativa attinenza con il nostro presente, mi ha indotto, assieme a Geppy Gleijeses, a incentrare su questo testo un nuovo progetto di produzione, che vede unito l'impegno del Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia e del Teatro Stabile di Calabria».

I biglietti per lo spettacolo del Teatro Comunale di Pietrasanta sono in vendita al Teatro in Piazza Duomo a Pietrasanta (Lu) e negli orari di apertura del Cinema Comunale. Saranno inoltre in vendita dalle 17 alle 19 nei due giorni precedenti lo spettacolo e il giorno stesso della rappresentazione.
Info tel. Tel. 0584 795511 e Fondazione La Versiliana Tel. 0584 265733 – 265735. Prenotazione e prevendita anche online su www.ticketone.it).
Per info www.laversilianafestival.it

Fondazione La Versiliana tel. 0584 265777 – mob. 349 8613496 – ufficio.stampa@laversilianafestival.it

Nuovo allestimento giovane per "La Bohème" al Teatro del Giglio

2011-11-15T09:48:00.005+01:00

Titolo di nuova produzione del Teatro del Giglio, frutto del virtuoso rapporto di partnership con i Teatri Verdi di Pisa, Goldoni di Livorno e Alighieri di Ravenna, La Bohème di Giacomo Puccini viene presentata al pubblico in un nuovo allestimento firmato per la regia da Marco Gandini. Le scene, su progetto di Italo Grassi, sono state interamente costruite nei laboratori del Teatro del Giglio.

Il debutto dello spettacolo, sabato 19 novembre alle 20.30 (con replica domenica 20 alle ore 16), sarà seguito da una tournée che toccherà i Teatri di Pisa, Ravenna e Livorno, i quali hanno condiviso il progetto artistico dell'opera e la scelta di affidarne la titolarità a due professionisti del calibro di Marco Gandini (regista, collaboratore storico di Franco Zeffirelli, ha firmato spettacoli per i più importanti teatri italiani ed esteri; è attualmente docente di drammaturgia all'Accademia di perfezionamento per cantanti lirici del Teatro alla Scala di Milano) e Italo Grassi (scenografo, tra i suoi ultimi impegni la Betulia Liberata di Mozart diretta da Riccardo Muti, andata in scena nel 2010 al Festival di Salisburgo e al Ravenna Festival per la regia di Marco Gandini). I costumi sono di Anna Biagiotti.
La direzione musicale dell'opera è affidata ad Elio Boncompagni, direttore d'orchestra di grande esperienza, sul podio dell’Orchestra della Toscana; il Coro della Toscana è diretto Marco Bargagna, mentre Sara Matteucci guida il Coro delle Voci bianche della Cappella Santa Cecilia di Lucca.

Il cast di Bohème, opera per antonomasia legata alla giovinezza, è composto da giovani e talentuosi artisti selezionati in lunghe sedute di audizione tra oltre centottanta candidati giunti a Lucca per realizzare il sogno di cantare Puccini nella città che gli ha dato i natali: Mimì Jessica Nuccio (19) e Aurora Tirotta (20), Musetta Mariangela Sicilia (19) - Ewa Majcherczyk (20), Rodolfo Marcelo Puente (19) – Marco Frusoni (20), Marcello Sergio Vitale (19) – Andrea Porta (20), Schaunard Gabriele Nani (19) - Alessio Arduini (20), Colline Nicolai Karnolsky. Completano la compagnia Antonio Pannunzio come Parpignol e Benoit, Alessandro Calamai nel ruolo di Alcindoro e Antonio Della Santa, Sergente dei Doganieri.

I personaggi dello spettacolo che attende il pubblico il 19 e 20 novembre si muovono, quanto ad ambientazione, all’interno di un allestimento ‘fine Ottocento’, periodo corrispondente a quello della composizione del melodramma pucciniano. Il progetto di Italo Grassi per questo nuovo allestimento di Bohème, spettacolo originale interamente costruito nei Laboratori del Teatro del Giglio, è nato dall’esigenza di rispettare e tradurre in maniera assolutamente fedele la drammaturgia con cui Giacomo Puccini ha voluto informare l’opera: se il primo e il secondo atto racchiudono le gioie, gli incanti e la spregiudicatezza della gioventù incosciente ed inconsapevole, il terzo e quarto atto segnano di contro un improvviso e doloroso cambio di passo: la schiacciante consapevolezza della caducità della vita sopraggiunge improvvisa ed inaspettata a scardinare alla base ogni possibilità di gioia futura. La scenografia è stata quindi progettata in modo da assecondare, ed anzi esaltare, la peculiare struttura dell’opera, che necessita di stretta continuità fra i primi due atti e gli ultimi due. Specifici accorgimenti tecnico-costruttivi permettono di ridurre al minimo l’impatto dei cambi scena, separati da brevissimi intervalli di pochi minuti per non interrompere il fluire dello spettacolo. Un unico intervallo è invece previsto tra secondo e terzo atto. La soffitta dei ragazzi diviene spazio metafisico e racconta l’impossibilità di ogni azione artistica e creativa, e la spensieratezza muta di segno per diventare dolore, sofferenza, ineluttabile percorso verso la morte.

Con questo nuovo allestimento di Bohème il Teatro del Giglio intende dare il suo contributo al cartellone di eventi programmati in occasione della riapertura della casa-museo di Giacomo Puccini, acquistata dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca ed inaugurata il 13 settembre 2011, che ha permesso di restituire alla città di Lucca, ai turisti e agli appassionati della musica del Maestro uno spazio fondamentale per la conoscenza di questo grande compositore.

Teatro del Giglio Piazza del Giglio, 3/15 - 55100 Lucca - tel. 0583.46531 (centralino)
Info: www.teatrodelgiglio.it

Prezzi dei biglietti:
Poltrona - Posto palco centrale intero 60 euro, ridotto 55 euro
Posto palco laterale - Galleria intero 40 euro, ridotto 35 euro, studenti (fino a 29 anni) 20 euro
Loggione 20 euro
(Amici della Lirica e soci Uncalm: Poltrona - Palco centrale euro 50, Palco laterale - Galleria euro 30)

Prenotazioni: Biglietteria del Teatro del Giglio, tel. 0583 465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it

***

UNO SGUARDO A BOHÈME. Da venerdì 11 a martedì 15 novembre sarà consentito, a chiunque sia interessato, di “gettare uno sguardo” sulla Bohème in progress, per respirare, prima del debutto ufficiale dello spettacolo, l’atmosfera dell’opera, e per conoscerne in anteprima i segreti.
Ecco giorni ed orari nei quali sarà possibile assistere ad una breve sezione di prova d’assieme:
venerdì 11 novembre, 16-19 e 20-22 - sabato 12 novembre, 15.30-18.30 - lunedì 14 novembre, 16-19 e 20-22
martedì 15 novembre, 16-19 e 20-22.
L’accesso – gratuito - alle prove potrà avvenire solo previa prenotazione telefonica (0583 465352 – 465327) o via mail: formazione@teatrodelgiglio.it.

Mercoledì 16 novembre alle ore 17 nel Ridotto del Teatro del Giglio si terrà la presentazione di Bohème a cura del giornalista e musicologo Francesco Ermini Polacci.
L’ingresso all’incontro è gratuito.

Promettimi che rimaniamo amici - Un corto di Lucio Laugelli

2011-11-12T11:22:00.006+01:00

Presentiamo ai lettori di 4rum.it un nuovo cortometraggio, buona visione!

Una coppia. 2 anni. 3 cene.

Il primo appuntamento, l'anniversario, il capolinea.

Gli amici di sempre, un amante muscoloso, l'immancabile ex fidanzata.

Le tappe di un amore, le frasi più o meno banali che abbiamo detto o che ci siamo sentiti dire...

"Promettimi che rimaniamo amici" è l'ultimo corto della Middle Crossing.

Scritto, diretto e montato dal regista alessandrino Lucio Laugelli l'audiovisivo ha per protagonisti Michele Puleio e Giulia Penna.

Nel cast sono presenti anche: Marco Gallan, Greta Fiorentini e Luca Robotti.

L'assistente alla regia è Giacomo Lamborizio.

Buona visione!

The Mystical Self

2011-11-10T09:59:00.005+01:00

The Mystical Self è un progetto particolarmente significativo curato da Cecilia Freschini e concepito come un tour exhibtion che, dopo ARTVerona,è ospitato in Italia presso [.BOX] Videoart project space, a cura di Visualcontainer. In questa occasione il progetto verrà presentato in versione integrale, comprendendo artisti che non sono stati presentati ad Artverona 2011.Inoltre nel 2012, lo show sara' presentato in zone particolarmente sensibili rispetto al tema trattato facendo tappa al Cairo, in Nepal e in Cina.

E' possibile tentare di esprimere una coscienza religiosa, senza gli orpelli di dogmi tradizionali? Senza dei/divinità, chiese o alcuna semplice e rassicurante connessione con la morale? E' ipotizzabile un mondo non consolato da un immaginario religioso a noi familiare?In che modo l'arte contemporanea affronta l'idea di spiritualità? E come gli artisti lavorano sui comuni concetti di fede, meditazione e simbologia religiosa?

[.BOX] Videoart Project Space è uno spazio unico nel suo genere, sempre impegnato a divulgare i migliori progetti di videoarte e new media provenienti da tutto il mondo [.BOX] è un progetto di Visualcontainer Italian Videoart Distributor.

[.BOX] Videoart Project Space
Via Federico Confalonieri 11
20124 - Milano
www.dotbox.it
info@dotbox.it

Sono previste 2 giornate di opening: 15-16 Novembre 2011 dalle ore 18.30 alle ore 21

Massimo Dapporto e Antonella Elisa inaugurano la prosa a Pietrasanta

2011-11-04T16:38:00.003+01:00

Si alzerà lunedì 7 novembre il sipario sulla Stagione 2011- 2012 firmata dal direttore artistico Luca Lazzareschi e organizzata dalla Fondazione La Versiliana di Marina di Pietrasanta in collaborazione con il Comune di Pietrasanta e con il sostegno della Banca della Versilia Lunigiana e Garfagnana.

Per il primo degli otto spettacoli in cartellone il Teatro Comunale di Pietrasanta vedrà in scena alle ore 21.15 il più recente lavoro per il teatro scritto dall'enfant prodige della letteratura francese Florian Zeller, La verità..

Massimo Dapporto e Antonella Elia, si alterneranno infatti in scena a Massimo Cimaglia e Susanna Marcomeni in una intrigante e amara storia di tradimenti veri e tradimenti raccontanti.

Il fantasioso regista Maurizio Nichetti adatta la pièce di Zeller con garbo e ironia, portando allegramente per mano il pubblico in una commedia dove il ruolo dei singoli personaggi oscilla continuamente dal ruolo della vittima a quello del carnefice. Massimo Dapporto prende il ruolo che in Francia è stato incarnato dal noto attore Pierre Arditi e si fa accompagnare dalla bella Antonella Elia per gettare il dubbio sul fatto che la verità sia davvero sempre la scelta migliore...

Biglietteria: prezzi e orari.

I biglietti e gli abbonamenti per la stagione di prosa del Teatro Comunale di Pietrasanta sono in vendita presso biglietteria Teatro Comunale di Pietrasanta in Piazza Duomo a Pietrasanta (Lu) dalle 17 alle 19 a partire dal giorno precedente lo spettacolo e il giorno stesso della rappresentazione. Info tel. Tel. 0584 795511 e Fondazione La Versiliana Tel. 0584 265733 – 265735. Prenotazione e prevendita anche online su www.ticketone.it).

Per i Soci Banca BCC (Banca Versilia Lunigiana e Garfagnana) è prevista una riduzione sul prezzo del biglietto e per favorire gli studenti è previsto uno speciale biglietto in galleria al costo di 10 euro.

Prezzi: Platea 24,00 (ridotto 21,00); Galleria 15,00 (ridotto 12,00), Galleria Speciale Gruppi Studenti 10,00. Le riduzioni si applicano anche ai minori di anni 25, oltre i 65 anni e portatori di handicap.

Per info www.laversilianafestival.it

Fondazione La Versiliana tel. 0584 265777 – mob. 349 8613496 – ufficio.stampa@laversilianafestival.it

DEBUTTO DI UN'ELEGANTE CANTATRICE

2011-10-29T13:34:00.010+02:00

Autore: Silvia Cosentino

Massimo Castri torna in quel Metastasio di cui è stato direttore dal 1994 al 2000, inaugurandone la stagione di prosa con la Prima Nazionale di La cantatrice calva, prima opera teatrale di Eugène Ionesco: grazie alla impressionante poetica espressiva che gli è propria, il grande regista intercetta perfettamente tutti gli elementi caratterizzanti questa anticommedia, come lo stesso autore amò definirla. Il tutto egregiamente portato avanti da un validissimo gruppo di attori, ben accordato fin da questo debutto.

Se, a un primo sguardo, la scena e l'atmosfera appaiono anni luce lontane da quella asettica e claustrofobica dello struggente Finale di Partita (che ha valso a Castri il Premio Ubu 2010 come Miglior Spettacolo dell'anno), bastano pochi minuti per comprendere quanto invece il contenitore possa veicolare analoghe sensazioni. Siamo in quel famoso salotto, in cui ogni aspetto è inequivocabilmente inglese, come riporta la didascalia di Ionesco, in questo caso "detta" in scena dal pompiere: le luci e un grande, soffocante tappeto vanno a delimitare un rettangolo di mondo, di ambiente familiare, oltre il quale c'è il buio più fitto, il nulla. Un bel lampadario illumina tenuamente un divano e due poltrone al centro; un paravento, una pianta e la postazione da cucito a sinistra; una chaise longue, un caminetto e un pianoforte a destra. Una elegante, quantomai pesante, tappezzeria riveste tutti gli arredi, dominando con colori caldi e ovattati; sul fondo incombe l'orologio a pendolo, a scandire con rintocchi improbabili un tempo in realtà inconsistente. Alla perfezione dell'ambiente corrisponde quella di abiti, acconciature e trucco dei protagonisti, impalati in una forma destinata a sgretolarsi fin dalle prime battute.

Perché, per chi non lo conoscesse, La cantatrice calva, fondamentale nome di quel teatro per semplificazione chiamato dell'assurdo, non ha trama, non conosce inizio e fine per come comunemente le intendiamo: è un gioco, serissimo, con cui l'autore smaschera appunto il teatro, e con esso l'essenza stessa della vita, attraverso le parole e i gesti di due coppie (gli Smith e i Martin), di una cameriera e un bizzarro pompiere. Castri, e con lui gli interpreti, tessono settanta minuti di vocalità contenute alternate a grida forsennate, di movenze forzatamente eleganti a scatti dinoccolati fuori controllo. Rosari di menu, noiosi racconti di parentele, affettate convenzioni che in un secondo lasciano il posto alla più isterica scortesia, dimenticanze di affetti e legami familiari: questo il punto di partenza di un linguaggio che, progressivamente, degenera verso estenuanti tirate non sense fino a raggiungere lacerti di parole, consonanti e vocali, armi taglienti per confliggere con l'altro e sfogare tutto ciò che sempre viene represso. Quella che appare una catarsi finale, lo sfondamento del rettangolo scenico nella fragorosa discesa della cameriera in platea con uscita dal fondo e nella nevrotica lotta di versi sconnessi compiuta in proscenio dalle due coppie, con tanto di luci da avanspettacolo in ribalta, è in realtà solo apparente conclusione: dopo il buio, la scena riprenderà vita con le stesse battute dell'inizio, pronunciate dai Martin al posto degli Smith. Simbolo, questo, dell'assenza di identità, dell'inutilità del pur impeccabile luogo, di una ripetizione senza fine destinata a svilire progressivamente il senso dei vocaboli invece di rafforzarlo.

Lo spettacolo viene accolto da numerosi applausi, pensiamo prevalentemente suscitati dal primo livello pseudo comico che lo spettacolo porta con sé: quello degli aneddoti senza senso, delle mimiche accentuate tipiche di Castri, dei fraintendimenti assurdi e della battaglia di parole buffe secondo la strepitosa traduzione di Gian Renzo Morteo. Il secondo livello, quello più profondo ed essenziale, che indaga sul drammatico svilimento di cui il linguaggio (e con esso l'essere umano) è vittima e carnefice è di certo denso quanto ostico da afferrare e, nondimeno, assolutamente lontano dal suscitare ilarità.

E la cantatrice calva? Continua a pettinarsi sempre nello stesso modo, sorprendendo e spiazzando nel suo essere altrove.

Spettacolo visto al Teatro Metastasio di Prato, venerdì 28 ottobre 2011

26/30 OTTOBRE 2011
TEATRO METASTASIO

LA CANTATRICE CALVA
di Eugène Ionesco
traduzione Gian Renzo Morteo

regia MASSIMO CASTRI
con la collaborazione di MARCO PLINI

scene e costumi Claudia Calvaresi
progetto luci Roberto Innocenti
musiche Arturo Annecchino
aiuto regista Thea Dellavalle

personaggi e interpreti:

signor Smith Mauro Malinverno
signora Smith Valentina Banci
signor Martin Fabio Mascagni
signora Martin Elisa Cecilia Langone
Mary, la cameriera Sara Zanobbio
il capitano dei pompieri Francesco Borchi

produzione TEATRO METASTASIO STABILE DELLA TOSCANA

PRIMA NAZIONALE

Maggio Musicale Fiorentino - Stagione 2012

2011-10-27T16:02:00.005+02:00

Stagione 2012, un grand tour attraverso i capolavori musicali in un anno caratterizzato dal tema del viaggio
Stagione 2012 (gennaio - dicembre)
75^ edizione del Festival del Maggio Musicale Fiorentino
4 maggio – 10 giugno 2012

Moltissime le novità di questa stagione, in un anno che è caratterizzato dal tema del viaggio, che ritorna, declinato in molteplici forme e chiavi di lettura, lungo percorsi musicali, letterari e artistici, filosofici, storici e geografici, in sintonia con le Celebrazioni Vespucciane.

Dalle numerose produzioni alle tournées (da segnalare la più importante in Sud America nell’agosto del 2012, proprio a ricordare l’esploratore fiorentino Amerigo Vespucci -Firenze, 9 marzo 1454 -22 febbraio 1512), dai concerti alle rinnovate collaborazioni con le istituzioni del territorio, il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino aumenta la produzione e segna già per il 2012 un incremento del 20% delle alzate di sipario.

La stagione 2012 verrà inaugurata da un titolo rossiniano del 1825, che subito trasporterà gli spettatori in un’esperienza ora ironica, ora celebrativa -l’occasione è l’incoronazione del re di Francia Carlo X- da autentico grand tour ottocentesco: Il viaggio a Reims, ossia L'albergo del Giglio d'Oro (18 – 24 gennaio 2012), dirige il giovane Daniele Rustioni (classe 1983), per la regia di Marco Gandini in una nuova produzione del Maggio Musicale Fiorentino; seguirà un altro titolo italiano, Tosca di Giacomo Puccini (21- 26 febbraio), che ritorna nella produzione fiorentina curata da Mario Pontiggia, dirige Daniel Oren.
Segue un melodramma sempre italiano, Anna Bolena di Gaetano Donizetti (15 – 24 marzo), per la direzione di Roberto Abbado, la regia di Graham Vick, scene e costumi di Paul Brown, luci di Giuseppe di Iorio; la produzione è una ripresa di quella andata in scena al Teatro Filarmonico di Verona, co-prodotta dalla Fondazione Arena di Verona e dal Teatro Verdi di Trieste.
La Traviata di Giuseppe Verdi seguirà dopo la parentesi del 75° Festival del Maggio Musicale Fiorentino (20 – 26 giugno); si tratta di un allestimento storico, ripreso in collaborazione con Maggio Formazione, che vede il ritorno del giovanissimo Direttore Andrea Battistoni, già applaudito a Firenze in occasione del 74° Festival. La regia è quella di Franco Ripa di Meana, con scene di Edoardo Sanchi, costumi di Silvia Aymonino, luci di Guido Levi. Chiuderà l’estate Gianni Schicchi di Giacomo Puccini, nuovamente in collaborazione con Maggio Formazione (17 – 22 luglio).
Il 24 novembre 2012, la prima opera dopo la pausa estiva sarà Turandot di Giacomo Puccini (in scena per sei recite fino al 6 dicembre), ad inaugurare definitivamente il Nuovo Teatro dell’Opera di Firenze: Zubin Mehta sul podio della già apprezzata e più volte applaudita produzione di Zhang Yimou.

Se fil rouge di tutta la stagione 2012 risulta essere il repertorio italiano, attraverso un grand tour che parte dalla Francia del Viaggio a Reims, per proseguire nella Repubblica romana di Floria Tosca e di Scarpia, ed ancora nell’Inghilterra all’epoca dei Tudor con Anna Bolena, per ritornare nella Francia ottocentesca de La dame aux camélias (La Traviata …), toccando la Firenze infernale di Dante con il Gianni Schicchi fino a giungere in una Cina fiabesca, raccontata da Carlo Gozzi, ripresa poi da Giacomo Puccini nel suo ultimo titolo operistico (Turandot), il 75° Festival del Maggio Musicale Fiorentino è stato interamente dedicato alla Mitteleuropa di inizio Novecento, al mito di un’Europa in fermento, al tramonto melanconico dell’Impero Asburgico.

Il 75° Festival del Maggio Musicale Fiorentino (4 maggio – 10 giugno 2012) inaugurerà con Der Rosenkavalier di Richard Strauss (4 – 11 maggio 2012), opera andata in scena per la prima volta il 26 gennaio del 1911. La regia vedrà il ritorno di Eike Gramss (già autore a Firenze d’una felice edizione del Ratto del Serraglio di Mozart), sul podio, immancabile, il Direttore Principale Zubin Mehta, che nel 2012 celebrerà 50 anni dal debutto sul podio fiorentino: era l’11 febbraio 1962, in programma Incontri di Giorgi, il Concerto per pianoforte di Schumann con solista il grande Friedrich Gulda e la Prima Sinfonia di Gustav Mahler, un autore allora, in Italia, poco conosciuto.

Segue, come da tradizione, un’opera commissionata appositamente per il Maggio, La metamorfosi (tre recite dal 22 al 25 maggio), della giovane compositrice italiana Silvia Colasanti, ed ispirata all’omonimo testo di Franz Kafka, pubblicato nel 1915. A distanza di pochi giorni, dal 31 maggio al 5 giugno, andranno in scena i due capolavori del compositore ungherese Béla Bartók: Il mandarino meraviglioso (iniziato nel 1918 e rappresentato per la prima volta nel 1926) e Il Castello del Duca Barbablù (la cui prima stesura risale al 1911 e poi eseguito nel 1918) diretti da Seiji Ozawa, il cui ritorno al Maggio Musicale è molto atteso. Si tratta di una co-produzione con il Saito Kinen Festival, con la regia e coreografia di Jo Kanamori.

All’interno di questo percorso che attraversa Austria, Germania, Boemia ed Ungheria, in un repertorio ispirato agli eventi d’inizio XX secolo, si incardinano le creazioni di MaggioDanza: la prima incastonata nel Mandarino meraviglioso, la seconda in occasione di Die vier Temperamente (17 – 20 maggio al Teatro della Pergola) su musica di Paul Hindemith, con la coreografia di George Balanchine, abbinato a Verklärte Nacht su musica di Arnold Schönberg con la coreografia di Susanne Linke.
Il Corpo di Ballo, guidato da Francesco Ventriglia arriverà al Festival dopo aver riproposto Il lago dei cigni. L’enigma Čajkovskij (4 – 8 febbraio), su musiche di Pëtr Il'ič Čajkovskij, per la coreografia di Paul Chalmer, produzione molto apprezzata dal pubblico e dalla critica nella stagione 2011.
Al Teatro Goldoni, dal 10 al 16 marzo verrà proposta una nuova creazione, Short Time, che inaugurerà un concorso destinato a giovani coreografi alle prime esperienze.
Dopo il gala di danza in Piazza della Signoria (28 giugno), MaggioDanza tornerà all’Anfiteatro delle Cascine per riprendere The Genesis Tribute (11-13 luglio).
A settembre, un nuovo allestimento che contempla Sechs Tänze, su musiche di Mozart, con la coreografia di Jirí Kylián, e Les Noces, su musiche di Igor Stravinskij per la coreografia di Andonis Foniadakis (27 – 30 settembre), vedrà collaborare MaggioDanza ed il Coro del Maggio Musicale Fiorentino insieme alla Scuola di Musica di Fiesole.
Nel Nuovo Teatro dell’Opera di Firenze Nir Kabaretti dirigerà l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino per un nuova creazione di MaggioDanza, Il Mago di Oz (19 – 23 dicembre).

Sul podio del Maggio si alterneranno grandi direttori (accanto al Direttore Principale Zubin Mehta, Kazushi Ono, Daniel Oren, Seiji Ozawa) e giovani dal talento affermato e conclamato, cui sono state affidate produzioni operistiche e concerti sinfonici. Se Daniele Rustioni (classe 1983) è sul podio per il titolo inaugurale della stagione -Il viaggio a Reims- e Andrea Battistoni (nato nel 1987) della Traviata a fine estate, Diego Matheuz (classe 1984) sarà il protagonista del primo concerto della stagione sinfonica il 28 gennaio, Omer Meir Wellber, discepolo di Daniel Barenboim (classe 1981), dirigerà la prima mondiale di un’opera commissionata dal Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, Invisibile Acropolis di Carlo Boccadoro (5 e 7 ottobre), Ryan McAdams (nato nel 1982) sarà invece sul podio del Teatro Comunale il 12 e 14 ottobre e Pietari Inkinen (del 1980) dirigerà Salvatore Accardo nel concerto del 19 e 21 ottobre.
Juraj Valcuha e Tomas Netopil (rispettivamente del 1976 e 1975) precederanno gli ultimi appuntamenti della stagione affidati alla bacchetta di Firenze, quella prestigiosa ed amata di Zubin Mehta (9 novembre e 30 novembre).

Nei programmi dei concerti sinfonici compositori e opere s’incardinano ora nel tema del viaggio, ora sembrano anticipare o rievocare suggestioni ed echi della Mitteleuropa, ed ecco ricorrere più volte i nomi Gustav Mahler, Béla Bartók e Antonín Dvorák, che, con la Sinfonia n. 9 in mi minore op. 95 Dal nuovo mondo, (diretta da Zubin Mehta il 10 maggio) suggerisce la scoperta di Amerigo Vespucci.
I grandi solisti ritorneranno sul palcoscenico fiorentino, da Radu Lupu il 5 maggio, al già menzionato Salvatore Accardo il 19 ottobre.

Per gli amanti del repertorio barocco imperdibile è l’appuntamento del 10 giugno con Fabio Biondi, violinista e direttore d’orchestra, fra i massimi specialisti odierni del genere barocco, per la prima volta sul podio dell’Orchestra e del Coro del Maggio Musicale Fiorentino, in occasione del 75° Festival, per interpretare Israel in Egypt, uno dei più straordinari oratori di Georg Friedrich Händel, che manca al Comunale dal 1985.

Nel programma, dunque, accanto a titoli noti, amati dal grande pubblico, appaiono opere mai rappresentate al Teatro Comunale (ad esempio Il viaggio a Reims e Anna Bolena), ed altre commissionate appositamente dal Teatro, a sottolineare ancora una volta l’attenzione per la riscoperta del repertorio e la propensione a valorizzare la musica contemporanea.

Durante il 75° Festival, meno dilatato nel tempo, ma molto intenso, dai ritmi serrati, ritorneranno le collaborazioni con le più importanti istituzioni fiorentine, negli appuntamenti di MAGGIOBIMBI, MAGGIOARTE, MAGGIOMOSTRE, MAGGIOLIBRI, etc…
Il fitto calendario del 75° Festival sarà comunicato nei prossimi mesi con una conferenza stampa dedicata.

Orchestra, Coro, Corpo di Ballo MaggioDanza
Laboratori e Tecnici del Maggio Musicale Fiorentino

Direttore Artistico Paolo Arcà Direttore Principale Zubin Mehta
Maestro del Coro Piero Monti
Direttore di MaggioDanza Francesco Ventriglia Direttore allestimenti scenici Italo Grassi

Le novità per gli spettatori e gli abbonati Ritornano i concerti sinfonici la domenica matinée, per agevolare un pubblico non residente a Firenze; di pari passo con il ripristino di questo orario, più ampio è il ventaglio di abbonamenti e possibilità, per soddisfare le esigenze d’ogni categoria di spettatori.
Molte recite del sabato avranno invece inizio alle ore 18.00.

Grande attenzione è stata riposta alla formazione del pubblico con l’introduzione di guide all’ascolto prima delle recite matinée di opere e concerti, realizzate in collaborazione con gli Amici del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino: ogni domenica, alle 14.45 in occasione delle opere, alle 15.45 dei concerti, per circa 30 minuti al Piccolo Teatro sarà possibile approfondire argomenti sinfonici ed operistici, utili per meglio comprendere ed apprezzare il contesto dello spettacolo.
Questi momenti di approfondimento, nelle sede e nella data della rappresentazione, non vanno a sostituire gli abituali appuntamenti al Piccolo Teatro, realizzati in collaborazione con Firenze Lirica ed Il Foyer.
Gli incontri con il pubblico verranno intensificati anche al di fuori del teatro, per svolgersi nei luoghi più significativi della città e consolidare le collaborazioni già in essere con numerose istituzioni cittadine, (menzioniamo solo Villa Cora ed il Museo Stibbert, ed ancora l’Auditorium del Duomo).

Aumentano le attività per le scuole, dedicate a più di 20.000 studenti, che ogni anno frequentano i laboratori didattici e gli spettacoli a loro dedicati. Tutte le iniziative e gli spettacoli per i bambini saranno oggetto a breve di una conferenza stampa dedicata.

L’Ora del Maggio
Su Rete Toscana Classica, dal 16 gennaio 2012, ogni lunedì alle ore 15.40, Francesca Zardini e Giovanni Vitali raccontano la vita del Teatro. Notizie, curiosità, approfondimenti, interviste, ascolti: un programma in diretta per scoprire aneddoti curiosi, ascoltare brani dagli archivi del Teatro, seguire le produzioni con interviste dal backstage.

RAI RADIO 3
Tutto il cartellone operistico verrà trasmesso in diretta su RAI RADIO 3.

I demoni di Prada e la letteratura

2011-10-27T13:25:00.005+02:00

Autore: Alessandro De Caro

Il diavolo veste Prada mi è sembrato un ottimo spunto per riflettere su quell'appartenenza reciproca tra la moda e la letteratura di cui la cultura italiana non è mai stata molto consapevole. Anzi, il classicismo dei nostri umanisti l'ha sempre snobbata, anche se con le debite eccezioni.
Le vicende di Andy, la giovane protagonista del film di David Frankel, sono ambientate nel lussuoso e nevrotico mondo di una rivista patinata, Runway. Ci si può chiedere come mai un'aspirante scrittrice o giornalista si trovi a muoversi in un universo all'apparenza così distante come le sfilate di moda. Se proviamo a proiettare questa storia sullo sfondo delle vicende letterarie americane, ci accorgiamo di alcune similitudini. Facciamo, dunque, un passo indietro.

Gli anni Cinquanta in America sono stati importanti per tante ragioni. Una di queste è la crescita esponenziale dell'arte fotografica, da semplice documento etnografico a mezzo espressivo che non conosce confini. In modo analogo, la narrativa del dopoguerra comincia a lasciarsi dietro il “mito vivente” Hemingway per liberare strani demoni (Capote, Salinger, Vidal) che hanno un'idea molto diversa della letteratura.
Le arti visive abbandonano la pittura da cavalletto per sposare la mitologia dello spazio: esplodono nel dripping di Jackson Pollock. Così farà anche la musica, sempre più radicale, con John Cage da un lato e i Beatles dall'altro. Sconfinamenti, energia e colore dappertutto: la metropoli è come un grande quadro cinetico. Negli anni Cinquanta, quindi, poteva accadere che i racconti di uno scrittore esordiente, Truman Capote, cominciassero ad apparire su una rivista di moda e costume come Harper's Bazaar...C'è stata un'epoca in cui pubblicare letteratura tra le collezioni di Paco Rabanne o Pierre Cardin non solo era normale, era decisamente cool. Da questo punto di vista, Il diavolo veste Prada riprende, forse, un tema già acquisito nella cultura americana, quello del talento a tutto campo per la parola. Ben lontano da ogni specializzazione, lo scrittore progressista scrive articoli, reportage, può persino occuparsi di moda.

Il motto per eccellenza di Andy (Anne Hathaway) è: “voglio assolutamente scrivere”, ma per farlo non esiste una strada soltanto, ce ne sono molte che portano al New Yorker. Per “aprire le porte che contano” bisogna fare una gavetta, come sanno tutte le stagiste di questo mondo: passare, in questo caso, nel centro di un ciclone chiamato Myranda Priestley (il personaggio interpretato da una eccellente Meryl Streep).
D'altra parte, non credo che il tema del film sia la moda, quanto piuttosto l'individualità: ovvero l'immagine che ciascuno di noi si fa del talento e di quanto possa costare realizzarlo. La diabolica Myranda è molto chiara in proposito nella scena in cui dice a Andy che la sua collega di lavoro non potrà andare alle sfilate parigine: “se non vieni vorrà dire che non prendi sul serio il tuo futuro, qui come in qualsiasi altra pubblicazione”. La moda non è un argomento, ma lo scenario di tutte le strade possibili. Sembra quasi di sentire il teorico della società dei simulacri Jean Baudrillard: “tutto è estetico e politico allo stesso tempo”.

Adesso qualche ragguaglio storico, giusto per “rovinare le sacre verità” (citiamo Harold Bloom) del cinema. Per chi non fosse informato il New Yorker dell'immediato dopo guerra non era un posto dove una fanciulla idealista e cocciuta come Andy avrebbe potuto sentirsi a suo agio: Truman Capote, prima di diventare una celebrità, faceva giusto il fattorino presso la redazione del NY e, a quanto racconta Gerald Clarke nella sua documentatissima biografia (pubblicato in Italia da Frassinelli), era un posto per sinistrati che campavano dei sussidi governativi scrivendo articoli pretenziosi. D'altra parte, quello strano ragazzo di statura insolitamente bassa che svolazzava tra le scrivanie portando il caffè e parlando a più non posso non poteva essere, tutto sommato, un testimone attendibile. Pare che ebbe anche delle noie con il poeta Robert Lowell, a causa di una conferenza alla quale Capote diede forfait...per la noia, forse. Oppure era, come sostiene lui, un semplice mal di schiena?
Che non si possa separare del tutto l'esercizio letterario dal cocktail party lo indica anche il fatto che una certa narrativa sembra ossessionata da questo genere di situazioni, al limite tra il mondano e il teatro dell'assurdo.
Ancora nel suo La vita è un'altra storia (Minimum fax, 2010) , lo scrittore postmoderno John Barth scrive un racconto intitolato Toga Party dove si fa beffe di certe usanze degli intellettuali universitari, nel tono beffardo e nello stile allusivo che può aver trovato soltanto in autori come Salinger o Capote. Non troppo diversamente funziona lo struggente Wonder Boys di Michael Chabon, da cui è stato tratto un film diventato, anch'esso, un oggetto di culto.
Nel corso del tempo, certo, le riviste newyorchesi sono cambiate: McSweeney's, curato da Dave Eggers, Granta e altre ancora sono forse più lette e ammirate dello stesso New Yorker. Le generazioni cambiano, ma un'idea mi sembra costante: gli scrittori americani non amano le barriere, si può cantare la depressione come l'euforia ovunque, perciò in un certo senso che si tratti di Manhattan o di Brooklyn, del cielo o dell'inferno, sono tutti on the road.

Omaggio di 4rum.it al Professor Romano Silva

2011-10-26T16:15:00.003+02:00

A pochi giorni dalla perdita del famoso intellettuale lucchese, 4rum.it lo omaggia con questo piccolo ricordo.

Nato nel 1945, il Prof. Romano Silva si era laureato in lettere con lode all'Universita' di Pisa, dove era stato alcuni anni assistente per l'insegnamento di storia dell'architettura presso l'Istituto di Storia dell'Arte. Aveva dunque svolto attività didattica presso il Liceo Artistico di Lucca e di ricerca presso l'Università di Pisa collaborando con Carlo Ludovico Ragghianti alla rivista ''Critica d'arte''.
Membro del consiglio di amministrazione della Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca, era stato anche presidente dell'Opera delle Mura e dall’aprile 2011 era stato nominato presidente della Fondazione Centro Studi sull'Arte 'Licia e Carlo Ludovico Ragghianti. Assieme ad Enrico Castelnuovo aveva costituto, presso l’ Istituto Storico Lucchese, di cui era stato vice presidente, il Centro per lo studio del colore.
Ideatore e organizzatore di convegni internazionali sulle arti visive in Italia e all’estero, in collaborazione con la Scuola Normale Superiore di Pisa, aveva organizzato convegni e pubblicazioni, cui hanno partecipato tra gli altri il Museo del Louvre, il British Museum, l'Istituto Centrale di Storia dell'Arte di Monaco di Baviera, L'Ecole Pratique des Hautes Etudes della Sorbonne e l'Opificio delle Pietre Dure.
Storico dell’arte e dell'architettura medioevale, insigne studioso dell'iconografia e del colore il Prof. Romano Silva aveva condotto ricerche anche nel campo della musicologia, in particolare sugli antichi strumenti musicali.
Si era dedicato allo studio dell'organo e del clavicembalo e alla ricerca organologica, eseguendo la schedatura dei 222 organi dal XV al XIX secolo ancora esistenti nella Diocesi di Lucca e pubblicando uno dei primi cataloghi in merito: “Antichi organi lucchesi”.
Tra gli altri saggi pubblicati da Romano Silva in questo settore della ricerca, "Strumenti musicali alla greca e all'antica nel Rinascimento" (Einaudi) e "Musica e pittura fra innovazione e tradizione a Ferrara nella prima metà del Cinquecento" (Marsilio).
Aveva tradotto articoli e libri di storia e di storia dell'arte dal tedesco e ha collaborato con il Kunsthistorisches Institut in Florenz, Max-Planck-Institut, pubblicando nel 2007, assieme a Max Seidel, un volume dal titolo "Potere delle immagini, immagini del potere. Lucca città imperiale: iconografia politica", edito in italiano da Marsilio, e, in lingua inglese, a Berlino dal Deutscher Kunstverlag.
Alla sua città aveva dedicato numerosi saggi e varie pubblicazioni tra cui “La Basilica di S. Frediano in Lucca : urbanistica, architettura, arredo” “La Basilica di San Frediano a Lucca : immagine simbolica di Roma cristiana” (Pacini Fazzi Editore), “Lucca città d'arte e i suoi archivi : opere d'arte e testimonianze documentarie dal Medioevo al Novecento”.
Nel 2003 ha conseguito il premio della Kaftal-Stiftung per i suoi studi sull'iconografia.
L’ ultimo volume pubblicato, lo scorso settembre, "Gli affreschi del castello della Manta. Allegoria e teatro" di Silvana editoriale.

A Pisa, su il sipario sulla Stagione Lirica del Teatro Verdi

2011-10-26T16:08:00.004+02:00

Dopo il debutto livornese ai primi di febbraio di quest'anno, dopo le recite modenesi alla fine dello stesso mese di febbraio, dopo l'apertura della Stagione del Teatro del Giglio di Lucca lo scorso fine settimana, approda finalmente a Pisa, titolo inaugurale della Stagione Lirica 2011/12, il dittico Cavalleria Rusticana di Mascagni e Pagliacci di Leoncavallo: al Teatro Verdi sabato 29 ottobre alle ore 20.30 e domenica 30 ottobre alle ore 16.

Le rappresentazioni sono precedute da un incontro coordinato dal direttore artistico del Teatro di Pisa Marcello Lippi, il primo del ciclo Opera e Dintorni che accompagna ogni stagione: giovedì 27 ottobre, alle ore 18, in Sala Titta Ruffo. Nel corso dell'incontro viene presentato anche il libro di Cesare Orselli Pietro Mascagni, della casa editrice palermitana L'Epos. All'incontro intervengono lo stesso Cesare Orselli, musicologo di vaglia e docente di Storia del teatro musicale presso l'Istituto Superiore di Studi musicali R. Franci di Siena, e Alberto Paloscia, direttore artistico del Teatro Goldoni di Livorno.

Cavalleria Rusticana e Pagliacci, dunque, nell'allestimento del Teatro Goldoni di Livorno coprodotto con Lucca e Pisa (e con la partnership coproduttiva anche del Comunale Luciano Pavarotti di Modena): con questo dittico ha preso il via il rinnovato progetto regionale sulla programmazione lirica che vede un rafforzamento delle strategie produttive dei tre Teatri di Tradizione del circuito toscano secondo un piano artistico triennale. Una strategia artistica consolidata dal coinvolgimento di un prestigioso organismo quale l'Orchestra della Toscana, secondo un percorso voluto dalla stessa Regione.

Un dittico di grande complessità esecutiva raramente esplorato dai maggiori teatri italiani e tra i più amati dal pubblico di tutto il mondo. Quasi un manifesto in musica di uno dei periodi più vivi e fecondi della nostra storia culturale, che seppe aprire le arti e il palcoscenico a fatti e racconti tratti dalla vita quotidiana, con tutto il sentire delle passioni, dei tormenti, degli amori, odii e gelosie, che le cronache sociali ed umane iniziavano a portare allora in primo piano. La rentrée del dittico più celebre della scuola verista italiana è stata affidata allo stesso duo che nel 2009 portò al successo Ascesa e rovina della città di Mahagonny di Brecht e Weill, il direttore d'orchestra Jonathan Webb e il regista Alessio Pizzech, che hanno puntato su una lettura fresca e novecentesca dei due capolavori della Giovane Scuola Italiana.

In novembre sarà quindi a volta di Madama Butterfly (12 e 13), nella coproduzione di cui capofila è il festival di Torre del Lago, per la regia di Vivien Hewitt e la direzione di Roberto Zarpellon, e di Aida (29 e 30 novembre), in una coproduzione che vede insieme il Teatro di Pisa e la Ramfis Production di Barcellona, per la regia di Antoine Selva e la direzione di Tulio Gagliardo. In dicembre (16 e 18) andrà in scena Rigoletto in una produzione del Teatro di Pisa che riprende l'allestimento del Teatro Coccia di Novara firmato da Ivan Stefanutti; sul podio Giuseppe Acquaviva.

Il 2012 si aprirà con il nuovo allestimento de La Bohème (14 e 15 gennaio) frutto della coproduzione fra Lucca, Pisa, Livorno (capofila Lucca) e il Teatro Alighieri di Ravenna. La regia è di Marco Gandini; dirige Francisco Bonnin. definizione. Non mancherà il consueto appuntamento con il Progetto LTL Opera Studio: la nuova coproduzione, che concluderà il lungo percorso laboratoriale di preparazione con i giovani cantanti e maestri collaboratori selezionati come sempre su bando, è L'Opera da Tre Soldi di Kurt Weill e Bertolt Brecht. Il debutto sarà a Livorno (quest'anno teatro capofila, mentre a Pisa sarà in scena l'11 e 12 febbraio (con la recita dell'11 inserita nella Stagione dei Concerti della Normale, come già negli anni scorsi per gli altri frutti di Opera Studio).

In chiusura, due dittici. Il primo, che guarda a composizioni meno frequentate ma di notevole valore musicale (lo Zanetto di Mascagni e Mozart e Salieri di Rimskij Korsakov, in scena il 25 e 26 febbraio in una nuova coproduzione del Teatro di Pisa e del Teatro Goldoni di Livorno); il secondo che guarda ai bambini e ai ragazzi (Der Schulmeister di Telemann, abbinato a Esopo Opera Rock, musical per bambini ormai storico, firmato da Sergio Maifredi su libretto di Stefano Curina e musiche di Bruno Coli, fiore all'occhiello dal 1999 al 2007 fra le produzioni per bambini del Teatro della Tosse; a Pisa in scena il 21 aprile con un coinvolgimento attivo delle scuole cittadine).

Per informazioni Teatro di Pisa:
tel 050 941111
www.teatrodipisa.pi.it

Dreaming of moderate reality

2011-10-26T15:24:00.005+02:00

[.BOX] presenta in global opening con Marsiglia,in occasione dell'apertura della 24° edizione di Les Instants Vidéo 2011, Dreaming of moderate reality, screening curato da Marc Mercier, direttore del festival. In questa occasione Milano e Marsiglia saranno unite culturalmente grazie all'inaugurazione del famoso festival francese. Sarà possibile vivere questo momento il 3 e 4 Novembre al [.BOX] Videoart project Space dalle ore 18.30 alle 21. Per chi non potrà essere presente a Milano o a Marseille è possibile assistere a un altro screening video su VisualcontainerTV International videoart webTV - Self reality & auto-fiction - curato dal direttore del festival Marc Mercier e dedicato a tutti gli amanti della videoarte e diffuso via web a livello globale.
La mostra sarà aperta su appuntamento fino al 14 novembre.

[.BOX]Videoart project space è uno spazio indipendente dedicato alla videoarte italiana e internazionale, situato nel cuore del quartiere Isola a Milano; curato da Visualcontainer.[.Box] è un spazio unico nel suo genere dedicato esclusivamente alla diffusione della videoarte, che con i suoi 20mq adibiti a sala di proiezione video, è riuscito a diventare un punto fermo nel panorama culturale di Milano grazie ad importanti collaborazioni strette con i migliori festival di videoarte internazionali, spazi istituzionali e accademici e curatori che realizzano progetti curatoriali appositamente per lo spazio.Lo scopo è quello di offrire uno sguardo privilegiato sul panorama della video arte italiana e internazionale, ma anche un luogo di condivisione e dialogo aperto, che unisca la realtà locale milanese ai vasti ambiti internazionali che lavorano sulla stessa lunghezza d’onda.

[.BOX] Via Confalonieri 11, 20124 Milano
info@dotbox.it - 3477813346

INZIO PIRANDELLIANO AL VERDI DI PISA

2011-10-23T17:23:00.011+02:00

Autore: Silvia Cosentino

Il Teatro Verdi di Pisa ha aperto la Stagione 2011-2012 con la commedia pirandelliana Il piacere dell'onestà: per la regia di Fabio Grossi, il pluriacclamato allestimento del 2008 vede protagonista Leo Gullotta nei panni di Angelo Baldovino.

Un uomo mediocre dalla dubbia moralità che, pur di conquistarsi un po' di sana rispettabilità, accetta di contrarre un matrimonio di facciata per risolvere una situazione scomoda; tutta la filosofia di vita del grande drammaturgo siciliano si esprime qui attraverso questa figura umana che scandaglia, esaspera e smaschera un imballato ambiente borghese a cui lui stesso si uniforma. Dimesso nella postura e nella voce, il personaggio interpretato da Gullotta s'innesta nella già sconvolta dimora Renni, una casina girevole dalle pareti in plexiglas immersa in un bosco dipinto dai toni naif. L'ambiente simboleggia evidentemente la finzione, il gioco quotidiano della tutela delle apparenze: i protagonisti ne sono, più o meno consciamente, intrappolati, eccezion fatta per Angelo e Agata, finalmente riscattati dal reale legame tra loro sviluppatosi. Purtroppo questa valida intuizione scenica non viene in alcun modo supportata dalla recitazione e dal taglio registico, entrambi canonici e totalmente assoggettati alla debordante discorsività pirandelliana.

Il fatto che lo spettacolo, lineare nella sua verbosità, accontenti la maggior parte del pubblico, suscitando calorosi e lunghi applausi (più al Gullotta/personaggio che alla commedia?), non può distoglierci dal riflettere su come il teatro italiano – in particolare Pirandello – abbia ormai bisogno di allestimenti dal ben più ampio respiro, in grado di trovare nuove soluzioni rappresentative, di emanciparsi dalla (geniale, ma bisognosa di nuova linfa) maniacale elucubrazione di questo grande autore. Pur scorrendo senza particolari intoppi, le due ore restano inattuali, congelate in una forma ripiegata su se stessa, in una gestualità che scarsamente supporta il peso specifico del testo.
Niente di spiacevole o dannoso, ma sicuramente poco utile all'economia poetica del nostro teatro.

IL PIACERE DELL'ONESTÀ
di Luigi Pirandello
regia Fabio Grossi
scene e costumi Luigi Perego
musiche Germano Mazzocchetti
luci Valerio Tiberi
Con Leo Gullotta
e con Cloris Brosca (Agata), Martino Duane (il marchese Colli), Paolo Lorimer (Maurizio Setti, cugino del marchese), Mirella Mazzeranghi (Maddalena, madre di Agata). Completano il cast Antonio Fermi, Federico Mancini e Vincenzo Versari.

Intorno al gioco di Alexander Daniloff

2011-10-21T17:21:00.002+02:00

“Intorno al gioco” allo Studio di Fabrizio Barsotti

L'artista russo è ospite fino al 14 novembre

Autore: Francesca Torregiani

Dopo il recente successo ottenuto presso il Comune di Capannori, il “viaggio illusivo” di Alexander Daniloff, professionista russo della pittura, prosegue nel pieno centro storico di Lucca, in una zona dalle notevoli potenzialità che andrebbe ancor più valorizzata e non soltanto sotto il profilo delle attività espositive. Stavolta s'intitola “Intorno al gioco”, ed è allestita presso lo studio dell'artista Fabrizio Barsotti, al civico 153 di via del Fosso. La personale offre la preziosa occasione di avvicinarsi ad opere che dimostrano come questo pittore abbia dimestichezza con le tecniche espressive più svariate, che spaziano dall'olio all'acquarello e così via; un percorso breve ma intenso, che darà ai visitatori la possibilità di intraprendere un viaggio in epoche reali o mitologiche, tra favole di dame e cavalieri, in fiabesche situazioni ironiche o piene d'inquietudine. Scrive di lui l'amico critico d'arte Marco Palamidessi: “È con innegabile soddisfazione che presento questo straordinario artista ad una comunità colta e ricettiva come la nostra, che sicuramente sarà in grado di apprezzarlo sia per le qualità pittoriche che per quelle umane. Daniloff è un vero maestro, sottile conoscitore delle iconografie medievali e rinascimentali dell'arte italiana ed europea: è innamorato della storia e della mitologia, dei racconti popolari russi e delle leggende di ogni epoca e paese, di tutto ciò che nella vita può condurre all'invenzione fantastica come al delirio immaginifico. Per di più, è un pittore davvero capace, che rende onore a quel grandissimo privilegio, non a tutti concesso, che noi chiamiamo Pittura.”
Nato a Donetsk, classe 1963, terminati gli studi alla Scuola Teatrale di Niznij Novgorod (Russia), Daniloff, si è immediatamente inserito nel mondo dell’arte conseguendo notevole successo. Dal 1987 al 2000 ha partecipato a numerose mostre personali e collettive a Niznij Novgorod, Mosca, Norilsk (Russia); in Olanda (Amsterdam, Venlo, Horst, Heusden); in Spagna (Barcellona); in Finlandia (Helsinki); negli Stati Uniti (San Francisco, Los Angeles). Ha realizzato gli stendardi per il Palio della Giostra cavalleresca di Sulmona (2009), per il Palio della Balestra del Girifalco di Massa Marittima (2010), per la Giostra di Simone di Montisi di San Giovanni d'Asso (2010). Recentemente si è stabilito con la famiglia nel centro storico di Lucca, dove si dedica a tempo pieno alla sua attività, legata principalmente alla pittura, all’illustrazione di libri, alla creazione di scene, costumi e locandine per il teatro dei burattini in collaborazione con la moglie Svetlana. In molti si ricorderanno del palio della balestra della scorsa edizione, che proprio Daniloff, vincitore del bando, ha dipinto riscuotendo notevoli apprezzamenti. “Intorno al gioco” aprirà i battenti dello studio di Fabrizio Barsotti sabato 22 ottobre alla presenza di amici ed estimatori, a partire dalle ore 17:30. La personale sarà visitabile fino al 14 novembre nei giorni feriali dalle 16 alle 19:30; sabato e festivi dalle 10 alle 13 e dalle 15:30 alle 19:30. Un particolare ringraziamento va a Svetlana e Disan Danilov; un pensiero, infine, alla grandissima figura del Prof. Romano Silva.

Franco Avitabile - Alla ricerca della forma perduta

2011-10-21T12:45:00.005+02:00

Franco Avitabile
Alla ricerca della forma perduta

16 ottobre 2011 – 30 ottobre 2011; Chiesa di S. Giulia, piazza del Suffragio – Lucca

Autore: Barbara Azzi

Interessante mostra in cui colori nitidi, linee decise e precisione geometrica creano continuità e armonia attraverso la rappresentazione in serie; i dipinti sono rigorosi e precisi, tali da suscitare imperturbabilità e sicurezza, ma anche una tensione verso qualcosa di superiore, una logica e un equilibrio sovrastante creati dalla rappresentazione di forme distese e dirette. I colori a volte contrastanti, a volte affini sembrano prima lottare poi abbracciarsi in un susseguirsi d'immagini e corrispondenze cromatiche stagliate sul nero e sul bianco, in contrapposizioni impegnate in una ricerca della concordia nella forma. Questa esposizione segna un’evoluzione estetica dell’artista napoletano da soggetti comunicativi più popolari a stimoli visivi maggiormente astratti: le espressioni consuete e gli slogan che lo hanno in parte caratterizzato precedentemente sono razionalmente mutati in geometrie esatte.

Luigi Veronesi

2011-10-19T16:01:00.001+02:00

Ritmi visivi nell’astrattismo europeo.
9 ottobre 2011 - 8 gennaio 2012, Fondazione Ragghianti, via San Micheletto, 3 – Lucca

Autore: Barbara Azzi

La Fondazione Ragghianti presenta una retrospettiva di Luigi Veronesi, illustrandone i concetti, gli studi e le influenze provenienti da altri grandi artisti dell’Astrattismo (soprattutto del Bauhaus); in un'esposizione caratterizzata da movimento e armonia, vengono mostrati dipinti, film, fotografie e interazioni tra arti visive e musica. Dell’artista milanese si potranno apprezzare eccezionali rappresentazioni pittoriche della cinetica e dell’euritmia visiva, attraverso un linguaggio astratto basato sulla geometria e un’eccezionale competenza e capacità cromatica, nonché raffigurazioni di temi e concetti tramite elementi in serie, in un dinamico effetto cinematografico dato da più dipinti affiancati: qui soggetti, diagonali, linee curve e colore si legano in armonie diverse in una successione anche temporale, che supera i limiti statici della singola immagine. Impressionanti sono le analisi sulla correlazione tra suono e colore, confrontati con strumenti matematici come fenomeni ondulatori e uniti nella descrizione del dinamismo resa da geometrie di colore che seguono e corrispondono l’andamento ritmico musicale. Vi sono anche esempi di cinema astratto (cui questo artista completo ha dato grande contributo), creazioni su pellicola di ritmi visivi composti da linee, figure geometriche ed essenziali, accompagnati dalla musica di cui sono immagine dinamica; la precisione della matematica e la vivacità del colore sono congiunti alla musica e all’evoluzione sequenziale, raggiungendo con la pittura la dimensione del movimento e del tempo.

Mascagni, musica da guardare

2011-10-19T15:36:00.000+02:00

Presentazione del libro "Mascagni, musica da guardare" di Giovanna Talà, venerdì 21 ottobre ore 17.30 nel Ridotto del Teatro del Giglio.

Venerdì 21 ottobre alle ore 17.30 nel Ridotto del Teatro del Giglio Alberto Paloscia - Direttore Artistico del Teatro Goldoni di Livorno - presenterà il libro "Mascagni, musica da guardare" della fotografa di scena Giovanna Talà, che sarà presente all'incontro.

Fotografa di grande fama, nel corso della sua lunga carriera Giovanna Talà ha scattato immagini di artisti del calibro di Piera Degli Esposti, Mariangela Melato, Peppe Barra, Roberto De Simone, e di artisti della danza internazionale come i Momix e Linsday Kemp. Negli anni si è anche dedicata con passione alla documentazione fotografica del teatro lirico di Pietro Mascagni andato in scena nella sua Livorno; frutto di questo intenso lavoro è il volume "Mascagni, musica da guardare", con il quale Giovanna Talà ci consegna una nuova preziosa testimonianza del suo instancabile lavoro di "teatrante" e di fotografa d'arte. Da L'amico Fritz a I Rantzau, dalla messinscena di Lindsay Kemp dell'edizione del centenario di Iris fino alla giocosa e pittorica edizione de Le Maschere, tutte le rappresentazioni mascagnane sono state seguite dall'obiettivo sensibile dell'artista-fotografa.

Alberto Paloscia così scrive di Giovanna Talà: «Delle sue foto di scena mi ha colpito soprattutto un aspetto: dello spettacolo ella mira a restituire non certo il lato più esteriore e 'cronachistico', bensì i ritmi più reconditi, quasi assaporando il respiro vitale della scena, delle luci, degli spazi, e carpendo i momenti più intimi del lavoro del regista, le sfumature più sottili della recitazione degli artisti come pure il magico tableau vivant offerto dalle scene corali e dai movimenti d'insieme. Il teatro d'opera, in poche parole, nelle fotografie di Giovanna viene esaltato nella sua essenza di spettacolo totale e di visione "pittorica". ».

L'ingresso all'incontro è gratuito.

***

GIOVANNA TALÁ

Vive a Livorno e fotografa dal 1955.

E’ professionista FIAP-UNESCO dell’arte fotografica. Numerosi i riconoscimenti e le collaborazioni con Case editrici e Riviste. Dopo aver frequentato l’Accademia delle Belle Arti di Firenze, si specializza nel 1964 nell’Educazione all’immagine all’Università di Padova (professori Petter e Rodari). Nel 1981 la specializzazione in Psicologia dello Sport dell’A.I.P.S. (Associazione Italiana psicologia dello sport), le è necessaria per allargare la conoscenza dei sensi motori nell’animazione teatrale. Sente un’attrazione particolare per il teatro sperimentale (la stretta parentela con Eugenio Barba la spinge ad esperienze nuove e di Maurizio Buscarino sperimenta il laboratorio su “Il Teatro quotidiano”). D’altra parte il teatro impegnato la fa fotografare per Roberto De Simone, Peppe Barra, Lina Sastri, il Teatro Del Carretto, Piera Degli Esposti, Mariangela Melato, Moni Ovadia. Nel 1993, attratta dalle combinazioni sociali e culturali, scopre il Teatro della Fortezza diretto da Armando Punzo - già allievo di De Simone - e da Annet Hennemann. Ne fa un reportage fotografico spontaneo e psicologico. Per affinità al suo tipo di lettura segue il “Teatro-Danza” e molte sono le compagnie che hanno le sue immagini, dai Momix a Micha Van Hoecke, da Linsday Kemp a Kazuo Ono e Carlotta Ikeda. Dal 1990 collabora con il Teatro Goldoni di Livorno nel “Progetto Mascagni”, con lo scopo di creare un archivio fotografico teatrale cui si possa attingere per mostre, pubblicazioni e manifestazioni sulla figura del Maestro, il cui genio musicale ha fatto conoscere Livorno in tutto il mondo.

La vera storia di Villa Pastore

2011-10-18T11:16:00.001+02:00

Presentiamo ai lettori di 4rum.it l'ultimo reportage prodotto dall'associazione culturale e rivista on-line Paper Street, buona visione a tutti!

Un report di
Lucio Laugelli

Realizzato con
Silverio Desantis e Giovanni Pesce

Voci off
Marco Ferrari
Cecilia Rocchetta

Organizzatore di produzione
Giacomo Lamborizio

Musiche
Stefano Diso, Giacomo Franzoso e Kevin MacLeod,

Foto backstage
Davide Ponzano

Si ringraziano:
Danilo Arona
Carlo Dabene
Riccardo Massola
Valeria Parisio
e
la signora Emdea
la biblioteca civica di Valenza
gli autori di "Valensa d'na vota"

Il sito della casa di produzione indipendente
http://www.paperstreet.it/home-middle.html

Info
staff@paperstreet.it

Cavalleria rusticana e Pagliacci al Giglio di Lucca

2011-10-16T09:41:00.006+02:00

Cavalleria rusticana di Mascagni e Pagliacci di Leoncavallo inaugurano la Stagione Lirica del Teatro del Giglio di Lucca sabato 22 e domenica 23 ottobre.

Il cartellone lirico 2011-2012 del Teatro del Giglio di Lucca si apre sabato 22 ore 20.30 e domenica 23 ore 16 con Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni e Pagliacci di Ruggero Leoncavallo (titolo quest’ultimo assente dal palcoscenico del Giglio da quasi cinquant’anni), un dittico verista di grande complessità esecutiva tra i più amati dal pubblico di tutto il mondo, manifesto in musica di uno dei periodi più vivi e fecondi della nostra storia culturale, che seppe aprire le arti ed il palcoscenico a fatti e racconti della vita quotidiana, con tutto il sentire delle passioni, dei tormenti, degli amori e delle gelosie che le cronache iniziavano a portare in primo piano. L’accurato lavoro di drammaturgia svolto dal regista Alessio Pizzech è pienamente in linea con l’accesa e lucida temperatura novecentesca che caratterizza la visione del direttore d’orchestra Jonathan Webb (alla guida dell’Orchestra e Coro della Toscana), prestigioso musicista britannico che ama e conosce l’opera italiana, e che la interpreta magistralmente senza lasciarsi tentare dalle certezze della routine. Il filo rosso che caratterizza questo dittico è l’assoluto rilievo protagonistico della figura femminile: Santuzza di Cavalleria, donna forte, determinata, padrona delle proprie azioni e del proprio destino, e per questo emarginata dal conformismo della comunità e della collettività che la circondano; e Nedda di Pagliacci, vittima del proprio destino e della violenza maschile, che paga con la vita la sua smania di libertà e di indipendenza.

Cavalleria rusticana di Pietro Mascagni sarà interpretata da Raffaella Angeletti ed Elena Pankratova / Santuzza, Mickael Spadaccini e Javier Palacios / Turiddu, Leo an e Anooshah Golesorkhi / Alfio, Kamelia Kader e Irene Bottaro / Mamma Lucia, Ozge Kalelioglu e Chiara Mattioli / Lola.
Il cast dell'opera di Ruggero Leoncavallo, Pagliacci, è così composto: Raffaella Angeletti ed Esther Andaloro / Nedda, Ernesto Grisales e Mickael Spadaccini / Canio, Leo An e Anooshah Golesorkhi / Tonio, Giulio Pelligra / Peppe, Marcello Rosiello / Silvio.

Mercoledì 19 ottobre alle ore 17 nel Ridotto del Teatro del Giglio il musicologo e giornalista Francesco Ermini Polacci ed Alberto Paloscia, musicologo e Direttore Artistico del Teatro Goldoni di Livorno, presenteranno al pubblico le due opere in programma.
Venerdì 21 ottobre alle ore 17.30, sempre nel Ridotto del Teatro del Giglio, Alberto Paloscia presenterà il libro "Mascagni, musica da guardare" della fotografa di scena Giovanna Talà; sarà presente l'autrice.
Entrambi gli incontri saranno ad ingresso libero.

Maggiori informazioni sul sito www.teatrodelgiglio.it

Prezzi dei biglietti da 20 a 60 euro.
Biglietteria del Teatro (Teatro del Giglio, 13/15 - 55100 Lucca. Tel. 0583 465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it).

MY NAME IS…LUCA CHRISTIAN MANDER

2011-10-12T16:42:00.004+02:00

MY NAME IS… Luca Christian Mander è la seconda tappa di una rassegna ideata e curata da Mariacristina Ferraioli per [.BOX] Videoart Project Space, spazio espositivo dell’associazione Visualcontainer.

Il progetto nasce dalla volontà di proporre un’attenta ricognizione sulla videoarte italiana degli ultimi anni e di approfondire alcune ricerche che ne hanno segnato il cammino. La rassegna è strutturata in serate-evento a carattere monografico, nel corso delle quali sono proiettati i video realizzati dall’artista invitato. Il pubblico può così godere di un approccio visivo diverso. Se è vero infatti che quasi tutte le opere sono state concepite per essere mostrate singolarmente, è anche vero che, inserite nel contesto dell’intera produzione, esse possono assumere sfumature e significati inediti e dar vita a nuove possibilità di lettura. Inusuale è la tipologia dell’evento che, di fatto, non presenta nulla di nuovo, ma offre l’occasione rara di una visione d’insieme che dà risalto alla necessità di una riflessione critica contro la dominante ed ossessiva bulimia del presente che contraddistingue il sistema dell’arte contemporanea.

Dopo il primo incontro, che ha avuto per protagonista Valerio Rocco Orlando, il secondo screening è dedicato all’artista milanese Luca Christian Mander. Nei suoi video, Luca Christian Mander indaga le strutture del linguaggio visivo ed i rapporti complessi che intercorrono tra l’immagine ed il suono. Attraverso un’operazione di decontestualizzazione, l’artista preleva ripetutamente oggetti di uso comune che appartengono alla sfera quotidiana di ognuno di noi e li ripresenta nella loro singolarità, isolati dal contesto e privati di una visione prospettica, grazie all’uso costante del colore nero come sfondo dal quale emerge l’immagine. Senza alcun intento narrativo o descrittivo, l’immagine viene dilatata in un tempo idealmente infinito, quasi fosse un’istantanea sospesa in un eterno stand-by, senza un’origine né una fine.

Luca Christian Mander è nato nel 1977 a Milano, dove attualmente vive e lavora. Dopo gli studi presso l’Accademia di Belle Arti di Brera (Milano) inizia la carriera espositiva lavorando con la fotografia ed il video. Partecipa a diverse esposizioni nazionali ed internazionali come: (2011) “The Mystical Self” c/o Artverona, “Proyector 2011” (Madrid, Spagna), “Fragile: Handle with care” (Lu.C.C.A. Lucca Center of Contemporary Art, Lucca), “Iridescent World” (Photon Gallery Lubiana, Slovenia & Cultural Centre Parobrod Belgrado, Serbia); (2010) “Italian Container” (ACCEA Yerevan, Armenia), “Analog ready-made for digital redeem-aid” (L’Aia, Olanda); (2009) “AllArt Now” (Damasco, Siria), “CrossTalk” (Budapest, Ungheria), “Videoholica” (Varna, Bulgaria), “NamaTRE.ba 3” (Trebigne, Bosnia Erzegovina).

Mariacristina Ferraioli è una curatrice indipendente che vive e lavora tra Milano e Napoli. Dopo la laurea in Lettere Moderne con indirizzo Storia dell’Arte, ha conseguito il Master in Organizzazione e Comunicazione delle Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Brera. In seguito ha ottenuto la Residenza per Curatori della Dena Foundation for Contemporary Art presso il Centre International d’Accueil et d’Echanges des Récollets di Parigi. Ha svolto uno stage presso il Centre Pompidou collaborando alla realizzazione della mostra Traces du Sacré ed ha pubblicato un testo sul catalogo della mostra. E’ stata co-fondatrice di 317 associazione per l’arte contemporanea con sede a Nizza. Attualmente è assistente presso il Dipartimento di Nuove Tecnologie dell'Accademia di Belle Arti di Brera e collabora con l'ufficio Master della stessa Istituzione. E', inoltre, docente di Comunicazione ed Organizzazione di Eventi Culturali e collabora con quotidiani e riviste specialistiche.

[.BOX] Videoart project space
E’ uno spazio indipendente dedicato alla videoarte italiana ed internazionale, situato nel cuore del quartiere Isola a Milano, curato da Visualcontainer. [.BOX] è un progetto unico nel suo genere dedicato esclusivamente alla diffusione della videoarte, che con i suoi 20mq adibiti a sala di proiezione video, è riuscito a diventare un punto fermo nel panorama culturale di Milano grazie ad importanti collaborazioni strette con i migliori festival di videoarte internazionali, spazi istituzionali e accademici, e curators che realizzano progetti curatoriali appositamente per lo spazio.
E’ inoltre un punto di riferimento per tutti gli appassionati di arte contemporanea che desiderano approfondire e confrontarsi con artisti emergenti e storici e con nuovi progetti curatoriali dedicati alla videoarte e new media.

[.BOX]
Via Confalonieri 11, Milano
www.dotbox.it
Info@dotbox.it

BETH MOON - Selected Works 1999-2011

2011-10-12T12:31:00.001+02:00

Una personale di Beth Moon per la mostra autunnale di PH Neutro a Verona, con la selezione di circa trenta opere realizzate dall’artista americana tra il 1999 e il 2011.

Nata nel Wisconsin, dove è cresciuta e si è laureata in Belle Arti presso la University of Wisconsin, il suo lavoro affronta tematiche legate al rapporto millenario tra Uomo e Natura e tra Uomo e Animale, emulando memorie di una spiritualità pura e ricordi di antichissime culture.
Beth Moon è un’artista di rara sensibilità, tanto onirica quanto profondamente radicata su questa terra, che ama a tal punto da cercare di proteggerla e salvaguardarla dall’incuranza e dall’inciviltà dei suoi abitanti, anche attraverso la sua arte.

Per l’occasione, saranno esposte a Verona una trentina di opere tratte da diversi corpi di lavoro: dalla serie “Seen but not Heard”, ispirata alle poesie di Dylan Thomas e caratterizzata da oniriche rappresentazioni del mondo dell’infanzia, fino al più noto e recente lavoro “Thy Kingdom Come”, in cui l’artista cerca di ricreare quell’antico e profondo rapporto di spiritualità, oggi perduto, tra uomo e animale, alla ricerca di un equilibrio minacciato dalla dilagante virtualità contemporanea. Sofisticato e al tempo stesso divertente, anche il lavoro “Augurs and Sootsayers”: una serie di ritratti di razze avicole dalle esotiche varietà, fotografate fuori dai loro ambienti naturali e capaci di suscitare similitudini con una vanitas tutta umana.
Attento e rispettoso si rivela anche il rapporto dell’artista con il mondo vegetale: in “The Savage Garden” Beth Moon analizza e svela la forza e la bellezza di alcune piante, così sinuose nelle loro forme e voraci nella loro natura carnivora, da attirare e invitare ad avvicinarsi, per poi intrappolare, paralizzare e mangiare la proprie vittime, che spaziano da insetti a ragni, vermi, lucertole e piccoli roditori.
“Portrait of Time” e “The Island of the Dragon’s Blood” affrontano il tema della salvaguardia di una memoria visiva, necessaria a catalogare e documentare l’incredibile bellezza e struttura millenaria di piante, ormai in via di estinzione: dai baobab del Madagascar a quelli presenti nella estesa e preziosa tenuta Scozzese di Lord Balfour, fino al noto e inavvicinabile ‘Joshua Tree’, che oggi cresce nella zona militare californiana di China Lake. Infine, proprio durante uno dei suoi più lunghi viaggi, Beth Moon si reca nello Yemen a fotografare i mitici alberi del “Sangue del Drago”. Questi esemplari millenari crescono nella remota isola di Socotra, uno dei luoghi più reconditi e inalterati, tra le acque arabe del Corno d’Africa. Questo è il mitico sito descritto da Erodoto, quale nido in cui l’immortale Fenice torna a rinascere ogni mille anni, ma è anche il luogo in cui vivono più di 700 specie, tra piante e animali, mai visti altrove. I circa 50.000 nativi, che oggi abitano questo luogo intatto e appartato, parlano una lingua non scritta, solo verbale, con un’intonazione quasi musicale che ricorda, in qualche modo, l’arabo. Vivono in maniera autosufficiente grazie alla pesca e all’allevamento di animali, in armoniosa convivenza con la natura e secondo leggi e tradizioni locali, basate su una profonda e intima conoscenza dell’ambiente.

Da un punto di vista tecnico, Beth Moon approccia la fotografia con un interesse particolare nei confronti dei processi alternativi: le sue immagini vengono realizzate con una macchina analogica di medio formato e stampate con l’antica e preziosa tecnica del Platino Palladio, che trae spunto dal metodo Mike War, appreso durante un suo soggiorno in Inghilterra, su carta da acquarello francese 100% cotone.
In questa maniera l’artista, oltre a caratterizzare il proprio lavoro dal punto di vista formale, riesce anche a garantire una longevità praticamente infinita ai soggetti delle sue fotografie, già di antica memoria o di quasi impossibile datazione.

Beth Moon ha partecipato a numerose esposizioni nel Regno Unito, in Francia, e negli Stati Uniti con mostre personali a Londra, San Francisco, Chicago e Santa Fe, ricevendo consensi di critica da parte delle maggiori riviste del settore a livello internazionale. Oggi vive con la sua famiglia nella California del Nord.

Ad accompagnare la personale di Beth Moon, una rinnovata selezione di opere dalla Collezione PH Neutro, che ad oggi vanta autori quali Ansel Adams, Sara Angelucci, Nobuyoshi Araki, Eugène Atget, Gabriele Basilico, Renato Begnoni, Marco Bertin, Bill Brandt, Dan Burkholder, Henri Cartier-Bresson, Armen Casnati, Matteo Cirenei, Larry Clark, Federica Cogo, COLIN, Mario Cresci, Stefano De Luigi, Harold Edgerton, Elliott Erwitt, Grant Fergeson, Mauro Fiorese, Matteo Fontanabona, Robert Frank, Moreno Gentili, Mario Giacomelli, Oltsen Gripshi, Rodolfo Hernandez, Damien Hirst, Don Humstein, Michael Kenna, André Kertész, Robert Mapplethorpe, Tobia Makover, Beth Moon, Nickolas Muray, Occhiomagico, Katsumi Omura, Colleen Plumb, Nadine Rovner, Thomas Ruff, Sebastiao Salgado, Pentti Sammallahti, Rosanna Salonia, Cindy Sherman, Alec Soth, Louise Stettner, Thomas Struth, Maggie Taylor, Monica Tarocco, Allan Teger, Paolo Ventura, Luigi Veronesi, Kamil Vojnar, J. Peter Witkin, Frank Yamrus, Matthew Yates. Una Collezione costruita negli anni da Annamaria Schiavon Zanetti, appassionata di fotografia con esperienza ventennale nella produzione della stampa fotografica, grazie anche al supporto di Mauro Fiorese, autore e docente di fotografia, attivo tra Italia e Stati Uniti da più di vent’anni nel settore della Fotografia d’Autore.
Dal loro sodalizio nasce a marzo del 2011 il progetto PH Neutro, la cui posizione di ‘neutralità’ sta nel voler affiancare a opere di autori già affermati e di grandi maestri della scena internazionale, il lavoro di talenti nuovi ed emergenti, con il preciso proposito di sostenerli, offrendo loro opportunità di crescita, ricerca, visibilità.
Come si dichiara negli intenti: “Vista la recente e meritata conquista di un importante ruolo della fotografia sia nel mercato del collezionismo che nella produzione artistica di molti attori della scena contemporanea, e consapevoli della scarsa e lenta, ma crescente, esperienza maturata dall’Italia nel settore della Fotografia Fine-Art, si è sentito il bisogno di costituire un punto di riferimento, assieme a quelli già esistenti, altamente specializzato e propositivo; in tal senso, la filosofia di PH Neutro si muove guardando ai grandi autori, per affinare lo sguardo nei confronti di quelli ancora sconosciuti e dalle potenzialità inespresse, che verranno aiutati a partire dalla produzione delle opere, fino a creare per loro occasioni di lancio nel complesso e altalenante sistema dell’arte”.

Si avviano così:

PH Neutro Collection
Una collezione d’arte fotografica in continua mutazione e implementazione dove poter ammirare, conoscere e acquistare le opere dei più grandi maestri della fotografia, e al tempo stesso scoprire artisti mid-career ed emergenti del panorama italiano e internazionale.

PH Neutro Gallery
Con apertura nel 2011 di una doppia sede:
a marzo, a Verona, in Via Mazzini 50, un suggestivo spazio espositivo, in parte affacciato su preziose testimonianze delle antiche mura romane di Gallieno;
a giugno, a Forte dei Marmi, in Via G. Carducci 43/b, nel cuore del centro storico.

INFO:
Loggia Arvedi
Via Mazzini 50, 37121 Verona
Ingresso dalla galleria

Giorni e orari di apertura:
da martedì a sabato: 10 – 12.30/15.30 – 19.30
Tel. 045 8007195
Web: www.ph-neutro.com

Ufficio stampa
Valeria Merighi Comunicazione
Tel. 045 8013546 – 045 8350294
Valeria Merighi, 347 9389704 – valeria@merighi.org
Anna Pasetto, 349 5702231 – comunicazione@merighi.org

Nove mele per Eva a Pesaro

2011-10-09T22:27:00.023+02:00

Fra le tante compagnie amatoriali si fa spesso notare 'Teatro Giovani' di Lucca. L'abbiamo seguita durante la tappa pesarese di 'Nove mele per Eva', spettacolo di Gabriel Arout tratto da soggetti di Anton Cechov.

La compagnia si è esibita nell'ambito del prestigioso Festival d’Arte Drammatica di Pesaro, a cui ha partecipato insieme ad altre sette selezionate fra decine di tutta Italia.

Queste le foto relative all'esibizione scattate da Francesco Zavattari in esclusiva per 4rum.it.

Clicca sulle immagini per visualizzare ingrandite

Anna Fanucchi, regista della compagnia 'Teatro Giovani Lucca'

Ehi, ci si legge su Tictalo!

2011-09-23T16:04:00.006+02:00

Comunicato stampa

Ehi, ci si legge su Tictalo!
Dal 4 ottobre arriva Tictalo, socialnetworking all’italiana

La nuova piattaforma web internazionale: leggera ed immediata, nel totale rispetto della privacy

Dal 4 ottobre sarà online Tictalo™, la nuova piattaforma web internazionale per la condivisione di idee e pensieri di ogni tipo. Tictalo è stato progettato e realizzato in esclusiva da uno staff di creativi e programmatori di Studio Matitanera®, agenzia toscana di comunicazione e servizi operante sull'intero territorio nazionale e non solo. Il software alla base di Tictalo è completamente originale e non si basa su alcun modello preimpostato.

La particolarità di Tictalo è l’immediatezza: appena si accede alla pagina principale, si può subito scrivere quello che si desidera, inserendo i propri TIC, così vengono definiti i post su Tictalo, scegliendo se aprire una propria discussione o se partecipare a una già esistente. Tictalo, a differenza di altri social network, non richiede alcuna iscrizione e, quindi, l’inserimento di dati personali sensibili all’interno della rete, garantendo, così, il totale rispetto della privacy. Ogni TIC creato sarà inoltre provvisto di un piccolo pulsante mediante il quale segnalare presunti abusi che verranno immediatamente monitorati.

“Tictalo non si propone come competitor di Facebook ma anzi, prevede una totale interazione tendenzialmente propedeutica all'attività di entrambi i servizi. – ha dichiarato Francesco Zavattari, creatore e direttore del progetto - Nel momento in cui si attiva una nuova discussione o si partecipa a una già in corso, un piccolo pulsante darà la possibilità di segnalare l'argomento sulla propria bacheca di Facebook, invitando i propri amici, attraverso un link diretto, a partecipare della discussione su Tictalo.” Ciò che maggiormente differenzia Tictalo dal colosso di Zuckerberg è la durata dei post: “Tictalo ruota intorno al fattore temporale: ogni TIC resta in rete per un tempo limitato. Allo scadere del termine semplicemente scompare. Lo stesso vale per le discussioni. Una discussione rimane attiva fintanto che dei TIC continuano ad alimentarla. Dopo un tot di tempo trascorso dall'ultimo TIC, l'intero argomento decade. I post inseriti su Tictalo, una volta scaduta la discussione, scompaiono totalmente dalla rete, poiché non verranno inseriti in alcun database, un po’ come se ci si vedesse al bar per scambiare due chiacchiere. Abbiamo sviluppato Tictalo cercando di strutturarlo secondo la forma basilare di interazione umana: notizie, informazioni e commenti scambiati in tempo reale, in un determinato contesto.” ha concluso Zavattari.

C’è grande attesa per l’esordio di Tictalo: la pagina Facebook del progetto conta già oltre 6300fan. Tictalo sarà utilizzabile da chiunque. La piattaforma, infatti, è stata tradotta (già in questa prima fase beta) in 11 lingue diverse che copriranno un totale di più di 45 paesi nel mondo. Il sito di riferimento è tictalo.com dal quale si potrà accedere alla versione del proprio paese, ma il progetto conta già domini registrati in molteplici estensioni per l'accesso diretto (esempio: tictalo.es / .co.uk / .mobi per la versione mobile).

UFFICIO STAMPA 'In Media Res Comunicazione' - Roma

l’artigiano del mare

2011-09-17T18:01:00.005+02:00

Fino al 30 settembre 2011 a Villa Bottini (Lucca), la mostra 'L'artigiano del mare', bella iniziativa alla quale il curatore d'arte Marco Palamidessi ha dato vita per omaggiare il lavoro del padre Claudio, da anni ormai specializzato nella produzione di lampade che appaiono come vere e proprie opere d'arte.

Questi due commenti, di Francesca Torregiani e di Marco Palamidessi stesso

"L'artigiano del mare" Claudio Palamidessi, parrucchiere per signora noto in tutta la Lucchesia, che da qualche hanno si diletta con successo nella creazione di lumi d'arte assemblati con straccali marini provenienti dai litorali di tutta la Toscana, incontra il pubblico degli amici e degli estimatori domenica 18 settembre a partire dalle ore 19 e fino alle ore 23. L'esposizione, curata dal figlio Marco e allestita nella suggestiva cucina di Villa Bottini, presenta sia i tradizionali lumi composti dai pezzi lignei lavorati dal mare e raccolti sulle spiagge, sia lampade i cui paralumi sono stati dipinti da pittori e scultori non soltanto lucchesi, tra i quali Lisandro Rota, Gianfalco Masini, Dariush, Fabrizio Barsotti, Stefano Montagna, Alessandro Ballerini, Giuseppe Biancalana, Marino Consani, Elisa Pasquini, Arianna Luporini, Eleonora Rossi, Gabry Angeli, Simone Caldognetto, Giuliano Toma, Mirta Vignatti, Alexander Daniloff e tanti altri. Scrive del padre Marco Palamidessi: "Quello di Claudio è un suggestivo, misterioso, appassionato modo di intendere la luce, lontano da istanze intellettuali, senza l’ambizione di ottenere risultati d’arte che alla fine vengono comunque raggiunti. L’idea che la lampada non sia un semplice oggetto estetico che ci regala la luce tramite un meccanismo proprio, ma un elemento dell’arredo che si può adattare ai nostri desideri, arricchisce il senso di queste opere di fine artigianato. Gli interni moderni richiedono un’illuminazione individuale: la certezza di possedere un pezzo unico, non riproducibile in serie, aumenta in sé la sua bellezza. Creare una lampada solo perché debba illuminare un certo ambiente ha ben poco senso: per Claudio è una maniera di esprimersi, di emozionare chi è immerso nella sua calda atmosfera. La luce non si limita a illuminare, ma racconta una storia, disegna metafore e costruisce un palcoscenico per la commedia del nostro vivere." La mostra "L'artigiano del mare", che arricchisce il calendario degli eventi del Settembre Lucchese di quest'anno, è visitabile tutti i pomeriggi dalle 15 alle 19:30 fino al 30 settembre.

Francesca Torregiani

Quello di Claudio Palamidessi è un suggestivo, misterioso, appassionato modo di intendere la luce, lontano da istanze intellettuali, senza l’ambizione di ottenere risultati d’arte che alla fine vengono comunque raggiunti.
L’idea che la lampada non sia un semplice oggetto estetico che ci regala la luce tramite un meccanismo proprio, ma un elemento dell’arredo che si può adattare ai nostri desideri, arricchisce il senso di queste opere di fine artigianato.
Gli interni moderni richiedono un’illuminazione individuale: la certezza di possedere un pezzo unico, non riproducibile in serie, aumenta in sé la sua bellezza.
Creare una lampada solo perché debba illuminare un certo ambiente ha ben poco senso: per Claudio è una maniera di esprimersi, di emozionare chi è immerso nella sua calda atmosfera.
La luce non si limita a illuminare, ma racconta una storia, disegna metafore e costruisce un palcoscenico per la commedia del nostro vivere.

Marco Palamidessi

Alessio Pizzech - Regista

2011-09-16T09:54:00.001+02:00

Nato a Livorno nel 1972, compie gli studi classici e musicali presso l’Istituto Niccolini - Guerrazzi nella sua città dove frequenta la scuola di dizione e recitazione “Laura Ferretti“. Frequenta l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica di Roma e la Scuola Europea per l’Arte dell’attore dove studia con Marisa Fabbri, Domenico Polidoro e Marco Sciaccaluga. Importanti incontri con Jaques Forniere, Michel Azama e Jean Claude Carriere, Dario Marconcini e Paolo Billi. Di particolare rilevanza l’attività didattica rivolta alle scuole attuata dal ’93 in Italia e all’estero. Incontra e collabora dal ’97 con Marion d’Amburgo e Federico Tiezzi. É stato assistente e regista collaboratore per alcuni registi italiani e stranieri: Pier’Alli, Micha Van Hoecke, Ugo Gregoretti, Michele Mirabella e Giorgio Pressburgher. È Stato docente di Arte Scenica al Conservatorio Giordano di Foggia e presso i il Teatro Lirico Sperimentale di Spoleto. Dal 1991 si dedica alla regia in prosa: tra i suoi numerosi lavori si ricordano La Parrucca di Natalia Ginzburg, Lezioni d’Amore di Dacia Maraini, Kreisleriana di E.T. Hoffmann, Le Serve di J. Genet, Fiori d’Acciaio di Robert Harling, Dialoghi delle Carmelitane di G. Bernanos, Il Bell’Indifferente, La Famiglia Mastinu di Alberto Savinio, Zoo di Notte di M. Azama Savannah, Bay e Hiroshima Mon Amour di Margherite Duras, Caligola di A. Camus e Le Sang du Poète da J. Cocteau, Puer Aeternus da A. Savinio, Lotta fra Negro e Cani di B. M. Koltès, Yerma di F. C. Lorca, Nozze di Sangue di F.C. Lorca, La Morsa e Sogno ma Forse No di L. Pirandello, Parole di Sale da Giorgio Caproni, Barber’s Shop di Alberto Severi, Processo Ebbro di B.M. Koltès, La Nuit de Valognes di E. E. Schimdt, Mele e negri di Tommaso Santi, Illuminazioni da H.Muller, L’eredità di B.M Koltès, e nel 2010 Coco di B. M. Koltès, Per non morire di mafia di P. Grasso e Dovresti tornare più spesso di P. Myniana. Oltre a numerose regie nella prosa, dal 1997 si dedica alla regia lirica; in questo settore tra i suoi lavori Faust di C. Gounod e Carmen di G. Bizet presso il Teatro Nazionale Sloveno di Maribor, Marcella di U. Giordano e Amica di P. Mascagni per il Festival della Valle D' Itria, La Dirindina va a Teatro per il Teatro Lirico di Spoleto, Elisir d’Amore di G. Donizetti per il Bergamo Musica Festival, Pagine d’Amore, Zanetto di P. Mascagni e Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny di Weill per la Fondazione Goldoni di Livorno, Histoire du soldat di I. Stravinskij e Brundibar di H. Krasa per il Bergamo Musica Festival, Cenerentola di G. Rossini per il Teatro Lirico Sperimentale di Spoleto, Re Pastore di N. Piccinni per il Festival della Valle d’Itria. Ha collaborato prima con il Festival di Castiglioncello e poi con Inequilibrio Festival – Armunia, Fondazione Pontedera Teatro, con l’Associazione Teatro di Buti, la Città del Teatro – Stabile d’Innovazione, il Teatro Metastasio di Prato – Stabile della Toscana, Il Festival di Ventotene, con il Teatroinscatola di Roma, il Cut di Venezia, la Fondazione Paolo Grassi di Martina Franca e di Milano, il Festival dei Due mondi di Spoleto, il Festival Il Garofano Verde.

Jonathan Webb - Direttore d’orchestra

2011-09-16T09:51:00.001+02:00

Nato nel Kent, in Gran Bretagna, laureato in composizione ed esecuzione musicale all’Università di Manchester, ha iniziato la sua attività come violinista, pianista e clavicembalista ; è stato Direttore Stabile per sei anni alla Israeli Opera Theatre a Tel Aviv dove ha diretto più di 40 opere tra le quali Jenufa, Così fan tutte, A Midsummer Night's Dream, The rake's Progress, Faust, Il Barbiere di Siviglia, Cavalleria Rusticana, Pagliacci, Carmen, Don Pasquale, Madama Butterfly, Der Freischütz, Les Contes d'Hoffmann, L'elisir d'amore, Samson et Dalila, Cenerentola, La Traviata, Lucia di Lammermoor, Tosca, La Juive, L'Italiana in Algeri, Macbeth, Manon Lescaut , Un Ballo in Maschera. E' stato invitato da alcuni Teatri europei tra i quali la Deutsche Oper di Berlino, Koeln, il Volksoper Wien, Dublin, l’Opéra de Nice, il Teatro La Fenice di Venezia e gli sono state affidate numerose prime esecuzioni, tra cui all'Israeli Opera di Tel Aviv Lady Macbeth di Mtsensk di Schostakovich,; al Teatro Carlo Felice di Genova dove ha diretto The Rape of Lucretia di Britten con la regia di Daniele Abbado e Billy Budd nella produzione di Willy Decker. A Ferrara e a Modena la prima italiana di Death of Klinghofer di John Adams; al Teatro Sao Carlos di Lisboa Four Saints in Three Acts di Virgil Thomson; Jeanne d' Arc au Bûcher di Honegger a Napoli al Teatro San Carlo; Elegy for young lovers di H. W. Henze con la regia di Pierluigi Pizzi; The turn of the screw di Britten nei Teatri della Lombardia e a Ravenna, e recentemente al Opéra Municipal de Marseille The Saint of Baker Street di Menotti. Nei teatri della Toscana Livorno, Pisa, Lucca, ha diretto La Traviata, A Midsummer Night's Dream, Acis and Galatea, Falstaff e Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny di Weill. Appassionato del teatro musicale del '900, ha diretto West Side Story di Bernstein all'Opera House di Manchester, Company di Sondheim alla Royal Academy of Dramatic Art di Londra. Al Teatro Carlo Felice di Genova è stato per Il Turco in Italia di Rossini, Peter Grimes e The Rape of Lucretia di Britten, opera che ha diretto anche al Teatro de la Maestranza di Sevilla, al Teatro Regio di Parma e al Romolo Valli di Reggio Emilia. E' stato più volte invitato dal Teatro Sao Carlos di Lisbona dove ha diretto numerose opere, mentre al Festival Mozart di A Coruña ha diretto Il Re Pastore e lo scorso anno Zaide. Per il 40esimo anniversario del Wexford Festival ha diretto The Rose of Castile di Balfe. Al primo Festival Internazionale di Cesarea ha diretto Turandot con la regia di Hugo de Ana. Per "Colosseo 2000" , alla riapertura dell'anfiteatro di Roma dopo 1500 anni , ha diretto l'Orchestra e Coro Giovanili dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia nella messa in scena di Edipo a Colonocon la musica di Mendelsshon . Ha collaborato con Seiji Ozawa al Saito Kinen Festival in Giappone. Ha collaborato con registi quali Robert Wilson, Robert Carsen, Lindsay Kemp, Goetz Friedrich, Hugo de Ana, Denis Krief, Stefano Vizioli, Guido de Monticelli, Emilio Sagi, Elio de Capitani, più volte con Daniele Abbado e Graham Vick. Numerose sono le orchestre sinfoniche con le quali ha lavorato: Jerusalem Symphony, Israel Chamber Orchestra, Accademia Nazionale di Santa Cecilia, orchestre del Teatro Carlo Felice di Genova, San Carlo di Napoli, Massimo di Palermo, Arena di Verona, Camerata Strumentale Città di Prato, Sinfonica della RAI di Torino, l'Orchestra della Toscana e, in occasione del 70esimo compleanno di Hans Werner Henze, l'Orchestra del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino. E' stato ripetutamente invitato da l'Orquesta Ciudad de Granada e dalla Real Filharmonia de Galicia (con cui ha diretto recentemente anche la Messa di Incornazione di Mozart e la Messa in do Magg di Schubert). E' stato recentemente invitato per tre concerti dalla Orchestra Giovanile Italiana di Fiesole (Firenze). Con Shlomo Mintz solista l’Orchestra Sinfonica Siciliana di Palermo e con David Grimal violino solista l'Orchestre de l'Opéra National de Nancy.

Eventi letterari: il diario di Julio Cortazar

2011-09-14T20:51:00.006+02:00

Autore: Alessandro De Caro

Quello che sto tenendo tra le mani è probabilmente uno degli eventi letterari dell'anno: piccolo, sottile, con una bellissima copertina flou sulla quale si riconosce la fisionomia concentrata e volubile (l'antitesi per eccellenza?) di Julio Cortazar. Un libretto anomalo il Diario di Andrés Fava perché anche se ampiamente autobiografico (ma il termine “autobiografia” va preso con molte precauzioni nel caso dell'autore di testi come Bestiario e Storia di Cronopios e di Fama), si rivolge spesso ad un personaggio, Andrès Fava, che compare nel romanzo El examen apparso nel '85-'86 in edizione straniera. Un diario, dunque, che sembra quasi voler fornire al personaggio di Andrès temi e pensieri dell'autore, un “falso” diario reso ancor più vero dalla finzione, anche se poi fu espunto dall'edizione del romanzo. Il classico manoscritto nel cassetto, insomma, che adesso riappare grazie alla cura dell'editore Voland.

Spesso i diari degli scrittori deludono, bisogna ammetterlo. Alcuni riescono a trasformare il diario nella loro opera più riuscita (Gide, Cocteau, Alain), altri invece ne fanno un uso troppo vincolato all'opera letteraria che considerano più importante. Altri ancora non hanno bisogno di un diario perché tutta la loro opera è una lunga, interminabile riflessione (Dostojevskij, Cioran).
Nel caso di Cortazar le cose vanno in un altro modo: la letteratura c'è, e molta, ma è inserita in un circuito di riflessioni che non lasciano il sapore del passaggio fine a sé stesso, come letture obbligate, ma semmai diventano giudizi netti e meditati – terribile la stroncatura di Demian, per esempio, di Hesse- oppure, al contrario, voli dell'immaginazione dettati da una poesia o da un episodio di vita vissuta.
Alcune volte si tratta di aforismi: “Ciò che tendiamo a chiamare classico è sempre il prodotto ottenuto sacrificando la verità alla bellezza”. Molto più spesso i pensieri di Cortazar si biforcano in più rami e giocano con la narrativa, la poesia, la musica: “Mi interessano solo i primitivi e i miei contemporanei, Simone Martini e Gischia, Guillaume de Machault e Alban Berg. Dal secolo XVI al XIX ho l'impressione che l'arte non sia abbastanza viva e non sia abbastanza morta”.
Si potrebbe anche dire che tutto il diario oscilla tra questi due poli: da un lato la visione sempre possibile che apre nuove configurazioni nella realtà, la eleva o la trascende (influenza evidente di Rimbaud e dei surrealisti). Dall'altra la caduta nel frastuono del mondo, nella noia e più spesso nella malinconia. Quest'ambivalenza, pero', ha il vantaggio di dare a queste pagine un ritmo particolare.

Cortazar indaga volentieri “la funzione incalcolabile di certi libri in una vita ancora porosa, attenta, fremente”, rievocando le letture giovanili degli anni Trenta, specialmente francesi, come il fantasma di Gide che viene rievocato insieme a Mallarmé o Apollinaire. Si misurano delle distanze, si riflette sui vecchi amori. In altre pagine, invece, molto dense appaiono delle inconfondibili “mitologie” cortazariane, legate agli oggetti di uso quotidiano o a scene di vita argentina che ricordano certi suoi racconti. Della sua infanzia restituisce, per esempio, dei ritratti sospesi e ampiamente legati ai luoghi più che alle persone, al mistero delle cose più che agli affetti: “Come un'enorme palpebra chiara, mi bastava abbassare il lenzuolo su tanta smembrata sensibilità per sentirmi libero, percorso da un sognare più bello del sogno perché ammetteva di essere inventato e diretto”.

Ludmilla Radchenko sul prossimo numero di FULL Magazine!

2011-09-12T22:22:00.006+02:00

La nostra rivista partner, FULL Magazine, è lieta di presentare il prossimo special guest. Si tratta di Ludmilla Radchenko, attrice e pittrice acclamata che già da alcuni anni ha impresso il proprio nome nel campo dell'arte internazionale. FULL Magazine le dedicherà la copertina del prossimo numero, in uscita prevista nella prima settimana di ottobre per quanto riguarda la versione cartacea e già dalla prossima settimana per quella online. Oltre a essa un esaustivo servizio relativo all'opera di Ludmilla con particolare attenzione al prossimo importante progetto in cantiere 'Woman been'.

Clicca l'immagine per ingrandirla

Exclusive Photoshoot for FULL Magazine™ © 2011 - Photographer Francesco Zavattari
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Dark horse Todd Solondz

2011-09-08T23:13:00.004+02:00

Autore: Luca Ferrando

Primo film che vedo di Solondz, ma sicuramente non primo sguardo allucinato su una provincia americana sempre più ipertrofica, persa in un provincialismo senza radici, consumato fra l’aria condizionata di centri commerciali sempre più pieni di merci, ma sempre più vuoti di anime. Inutili venditori di giocattoli rigati. A cavallo di un Hummer giallo tamarro il protagonista si pone in una paradossale antitesi con la protagonista di Un gelido inverno. Sempre provincia americana, più King la seconda, più un frullato Delillo-Wallace il film di Solondz. Ma sempre un paradigma di provincia tipico americano.

L’orrore dell’infinita solitudine di un spazio senza direzione, che non si riempie neanche con il gigantismo, lo stesso sentimento che ha portato Wayne a varcare la famosa soglia di Sentieri Selvaggi nel finale del film, qui portato all’estremo dall’isteria post-moderna. Famiglie che esistono, quelle di Un gelido Inverno e di Dark Horse, solo nell’ostinata ricerca della patina da copertina di Life che sembra muovere gli istinti inconsci degli americani. Devastati da una violenza povera e dura nel primo, devastati da un’insensibilità da McDonald la seconda. Soli, vuoti, tristi, i personaggi del film di Solondz sono la variazione estrema di questo orrore, persi tra la farsa e il dramma, tra la tragedia e la commedia per risolversi in nulla di fatto. In un erotismo da segreteria e in una frigidità spastica.

Non rimane niente alla fine, se non una lapide con la data sbagliata. Tutto scorre, o per lo meno, tutto sembra scorrere, ma non c’è evoluzione, c’è solo statica rassegnazione e il film di Solondz sembra che non ci sia mai stato. Ma intanto ti ha ammaccato un pezzo d’anima.

I’m Carolyn Parker: The Good, the Mad and the Beautiful - Jonathan Demme

2011-09-08T09:28:00.000+02:00

Autore: Alessandro Giordano

E’ sempre interessante quando un regista affermato tenta una strada complicata e impervia come quella documentaristica: un percorso che comprende vera abnegazione alla materia cinematografica, unita ad una grande volontà di ricerca sull’essere umano, sempre foriero di sorprese inaspettate.

Jonathan Demme, autore di capolavori come Il silenzio degli innocenti e Philadelphia, anch’essi esemplari puri di analisi della condizione umana, tenta un approccio più riflessivo, dove la sua mano registica si intravede meno ma allo stesso tempo imprime un marchio certamente autoriale, concentrando la sua attenzione su una storia emblematica della America più vera ed autentica, quella non impegnata a bombardare paesi a casaccio.

Carolyn Parker è una donna di colore, nata e cresciuta nella Lower 9th Ward, quartiere dei più disastrati di New Orleans; la sua vita è una di quelle da raccontare, fra una giovinezza trascorsa a lottare contro la segregazione razziale ed il presente del post-Katrina e della difficile ricostruzione.

Ultima ad andarsene prima del disastro, prima a tornare per difendere il diritto alla propria casa, Demme dipinge un ritratto di una donna dal forte sentimento religioso, la quale non vuole altro che il ritorno alla normalità, a costo di urlare la propria indignazione di fronte all’amministrazione comunale.

Una vera forza della natura, capace di mantenere uno splendido sorriso anche di fronte alle difficoltà della vita; il regista la segue così nella sua quotidianità, ad intervalli irregolari lungo tre anni di lavorazione (dal 2006 al 2009), incorniciando, in un piccolo scorcio di provincia, il forte risentimento di un’intera nazione, messa in ginocchio da una delle tragedie più eclatanti della sua storia recente.

Louise Wimmer - Cyril Mennegun

2011-09-08T09:26:00.000+02:00

Autore: Alessandro Giordano

Per la Settimana Internazionale della Critica, Cyril Mennegun propone la drammatica storia di Louise Wimmer, una cinquantenne che vive dentro un’auto, in seguito alla fine di una lunga relazione amorosa, dolorosa sia dal punto di vista sentimentale che economico; a Louise non è rimasto niente, neanche un tetto sopra la testa.

Ben riuscita tutta la prima parte della pellicola, dove viene minuziosamente descritto il particolare approccio alla vita di Louise, dallo scroccare gli avanzi dei pasti degli altri nei bar al doversi lavare nelle toilette pubbliche, proponendo allo spettatore un’esistenza di certo complicata e faticosa, ma per nulla priva di amor proprio. Louise è infatti un personaggio assolutamente orgoglioso, non si fa mettere i piedi in testa da nessuno e non vuole accettare aiuto da chiunque le si presenti di fronte.

Se la meccanica narrativa potrebbe facilmente indurre il pubblico a ritrovare in Louise Wimmer echi di quel Biutifùl che ha diviso la critica mesi fa, dove Inarritu esagerava notevolmente nel raffigurare le epiche sfortune di un Bardem mai così depresso, qui invece la Mennegun trova un registro diverso e riesce a dare dignità a Louise, raffigurandola come una donna tenace e caparbia, la quale si affanna notevolmente nel portare a casa il minimo sindacale per poter sopravvivere al quotidiano, nell’attesa di ottenere un appartamento attraverso un’assistente sociale, per poter davvero cominciare una nuova vita.

Nel complesso, Louise Wimmer non emerge per evidenti qualità da questa tipologia di film drammatici, dove incontriamo esseri umani che si confrontano con esasperate situazioni di emergenza, ma rimane comunque un ottimo prodotto che ci regala una figura femminile interessante e ben delineata.