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"L'opera da tre soldi" al Teatro del Giglio

2012-02-22T16:13:00.004+01:00

Approda a Lucca questo fine settimana (sabato 25 febbraio alle ore 20.30 e domenica 26 febbraio alle ore 16) e chiude la Stagione Lirica del Teatro del Giglio L’opera da tre soldi (Die Dreigroschenoper) di Brecht-Weill - nuovo frutto del Progetto LTL Opera Studio 2011, che vede uniti da oltre dieci anni i tre Teatri di Tradizione della Toscana Livorno, Lucca e Pisa - dopo il felice debutto al Goldoni di Livorno (quest’anno capofila della coproduzione) e le recite a Pisa.

Capolavoro del teatro musicale del Novecento storico, L’opera da tre soldi è nata da una delle più straordinarie collaborazioni artistiche del secolo scorso quale quella tra il grande drammaturgo tedesco Bertolt Brecht e il compositore Kurt Weill, sodalizio che il progetto LTL Opera Studio aveva già esplorato nel 2008 con Ascesa e caduta della città di Mahagonny. Ispirata a un lavoro teatrale del Settecento britannico, The Beggar’s Opera (L’opera da mendicante) del poeta e drammaturgo inglese John Gay e del musicista John Pepusch, L’opera da tre soldi vuole imporsi, nelle intenzioni dei due Autori, come la realizzazione di un tipo di drammaturgia musicale che mira a contenuti sociali di scottante attualità e a una sorta di scandaglio morale avente come oggetto l’uomo del Ventesimo secolo e il milieu che lo circonda.

L'opera da tre soldi viene proposta nella versione italiana firmata da Giorgio Strehler, con messa in scena affidata al regista irlandese David Haughton, per molti anni collaboratore del grande artista Lindsay Kemp e impegnato da tempo nella messinscena del musical e del teatro musicale contemporaneo: Haughton rilegge il capolavoro di Brecht-Weill in una chiave sospesa tra teatro 'politico' ed ammiccamenti al musical, e si avvale della collaborazione di uno dei più prestigiosi esponenti italiani della video art, Giacomo Verde. Aspetto di novità, alla direzione dell’Orchestra della Toscana troviamo la giovane francese Nathalie Marin, apprezzata interprete del repertorio sinfonico operistico del Novecento storico e della musica contemporanea, attuale direttore musicale dell’Orchestra Sinfonica Nazionale di Quito (Equador).

Nel cast, ventiquattro giovani cantanti, selezionati attraverso specifiche audizioni e vari stage preparatori che si sono svolti nelle sedi dei teatri coproduttori, ed impegnati per le sei rappresentazioni in programma.

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Biglietti da 15 a 35 euro

Info e prenotazioni alla Biglietteria del Teatro del Giglio

0583 465320

biglietteria@teatrodelgiglio.it

Acquisto on line www.teatrodelgiglio.it

Hugo Cabret - Martin Scorsese

2012-02-13T16:26:00.008+01:00

Autore: Selene Coccato

Parigi, anni ’30. Hugo Cabret (Asa Butterfield) è orfano e vive nella stazione ferroviaria parigina insieme allo zio, uomo dedito all’alcool e manutentore degli oroglogi della stazione che gli insegna a lavorare sugli ingranaggi. Quando lo zio scompare, Hugo lo sostituisce nel suo lavoro e inizia a vivere nascosto tra gli ingranaggi e rubando ciò che gli serve per sopravvivere. Unico ricordo dell’adorato padre (Jude Law) è un misterioso automa rotto e il taquino che potrebbe aiutarlo a ripararlo. Proprio grazie a questo taquino Hugo entra in contatto con la giovane Isabelle (Chloe Moret) e la sua famiglia addottiva: i Méliès.

Martin Scorsese si cimenta per la prima volta in un film per tutti, abbandonando temi a lui cari come la violenza e New York, e il risultato è davvero ottimo! “Hugo Cabret” è un vero e proprio omaggio al cinema e alla fantasia non solo dei bambini, ma anche di tutti coloro che, attraverso la storia e il cinema, hanno dimostrato di essere dei visionari. La pellicola è un’omaggio soprattutto a George Méliès, alla sua capacità di immaginare e creare e grazie alla tecnologia e al progresso che avanza, oggi, il cinema di George Méliès è in 3D. Un 3D che è un vero e proprio valore aggiunto per il film, ti cattura e ti trasporta nella meravigliosa stazione ferroviaria parigina (scenografia ancora una volta da Oscar!) e ogni spettatore non può che vivere le vicende del disckensiano Cabret attraverso i suoi occhi.

Delicato, piacevolmente commovente, divertente e una vera e propria gioia per gli occhi.

11 CANDIDATURE AGLI OSCAR:

MIGLIOR FILM: indubbiamente un film in grado di dare un messaggio positivo in questo periodo di crisi mondiale; tecnicamente ineccepibile, è sicuramente il candidato che più può competere con “The Artists”, altro grande omaggio alla storia del Cinema.

MIGLIORE REGIA: Martin Scorsese è, come sempre, perfetto. Con questo film ha dimostrato di essere un regista completo. Ha scelto un genere ed uno stile che mai nessuno avrebbe assocciato a lui e ha dimostrato di saper gestire al meglio qualsiasi storia, tecnica e genere.

MIGLIORE SCENEGGIATURA NON ORIGINALE: tratto da un romanzo, un buon adattamento, niente di particolarmente memorabile.

MIGLIORE SCENOGRAFIA: sontuosa, brillante, perfetta. La ricostruzione storica è come sempre minuziosa e i “nostri” Ferretti-Lo Schiavo sono i migliori rappresentati dell’Italia cinematografica nel mondo.

MIGLIORE FOTOGRAFIA, COSTUMI, MONTAGGIO, EFFETTI VISIVI, MONTAGGIO E MISSAGGIO SONORO.

San Valentino a teatro con "Un marito ideale"

2012-02-11T16:50:00.004+01:00

Dopo il successo che ha accompagnato il ritorno dello straordinario Umberto Orsini sul palcoscenico del Teatro Comunale di Pietrasanta, la Fondazione La Versiliana metterà in scena, nel giorno degli innamorati, Un marito ideale, produzione del Teatro dell’Elfo - Teatridithalia in collaborazione con Padiglione Ludwig nell’ambito della stagione di prosa.

Tradotta, diretta e interpretata da Roberto Valerio, impegnato nel ruolo di Sir Robert Chiltern, marito ideale che unisce all'agiatezza un'invidiabile posizione sociale, la commedia di Wilde vedrà protagonista, al fianco di Roberto Valerio, Valentina Sperlì nel ruolo di Mrs Cheveley, la donna al corrente della grave scorrettezza con cui Sir Chiltern fondò la sua fortuna economica. Mrs Cheveley ricompare per ricattarlo e costringerlo ad avvallare una speculazione con denaro pubblico. È proprio partendo dal tema della corruzione politica che Roberto Valerio, regista e attore, ha adattato il testo di Wilde, che ridotto all'essenziale, offre un'ottima sponda per interrogativi di sconcertante attualità: è possibile una politica senza compromessi? la questione morale è un fatto privato o pubblico? Esiste ancora un limite oltrepassato il quale si prova vergogna delle proprie azioni?

Sul palco del Comunale di Pietrasanta con Valerio e la Sperlì, ci saranno anche Pietro Bontempo, Alarico Salaroli, Chiara Degani e Roberto Baldassari. Scene e costumi sono di Carlo Sala.

Per info www.laversilianafestival.it

'Alle Vigne' di Lodi in scena 'Foglie di Beslan'

2012-02-10T14:58:00.000+01:00

LA COMPAGNIA IL RAMO presenta
FOGLIE DI BESLAN
TEATRO ALLE VIGNE - Lodi
Venerdi 24 febbraio ore 21.00

«Ogni uomo ha dentro di sé la sua Patmos e la sua Apocalisse.

È libero di recarsi su quello spaventoso promontorio dove andò Giovanni, assediato dalle tenebre: ma là, su quel promontorio, si è in attesa della luce e dell'alba ». Victor Hugo

FOGLIE DI BESLAN è una performance di grande impatto emotivo: In scena 9 danzatori e tre attori per un atto di accusa contro la guerra, la sopraffazione, il calcolo e l’interesse. I personaggi come nel Libro dell’Apocalisse, rappresentano simbolicamente una realtà corrotta, dispotica e sedotta dal male, dove l’oltraggio, la violenza e la persecuzione, sono considerate oggi più di ieri “normali.”. Tra i molti temi qui evocati, spiccano la brutalità quasi bestiale dell’individuo nel vivere quotidiano, la pulizia etnica, la seduzione di falsi profeti, l’incubo nucleare. Foglie di Beslan vuol essere uno sguardo realista sul mondo e sulla storia , un richiamo a riflettere e ad assumerci le proprie responsabilità senza tuttavia avvalorare la tesi per cui, secondo alcune profezie collegate alla new age, e pseudo-profeti, saremmo prossimi ad una imminente fine del mondo; un mondo che oggi guardiamo con qualche timore e perplessità, ma anche con l’ottimismo e la speranza di credere che, “In-Fine”, ma solo se lo vogliamo, a vincere, sarà la forza dell’ “Amore”.

Musiche: G. Allevi-I.F.Stravinskij- L. Einaudi- J.S Bach

Coreografie e regia: Domenico Ausilio: Sabrina Pedrazzini

Video Effects: Mauro Valle

Disegno luci: Piera Rossi

Scene: Salvatore Guglielmo

CORPO DI BALLO:

Simone Bacchetta, Paola Belloni, Nadia Locatelli, Luca Nicetto, Silvia Notaro, Mattia Nurro, Andrea Truzzi, Giada Truzzi, Federica Racconi

ATTORI: Elsa Bossi, Vanda Bruttomesso e con la partecipazione di Antonio Zanoletti

A Pisa "L'opera da tre soldi"

2012-02-09T15:34:00.004+01:00

C’è grande attesa per il nuovo frutto del Progetto LTL Opera Studio 2011, che vede uniti da oltre dieci anni i tre Teatri di Tradizione della Toscana (Livorno, Lucca e Pisa), cui quest’anno si è aggiunta la prestigiosa partecipazione di Maggio Formazione grazie al progetto regionale Opera Futura.

Approda così a Pisa questo fine settimana L’opera da tre soldi (Die Dreigroschenoper), che dopo il felice debutto al Teatro Goldoni di Livorno (quest’anno capofila della coproduzione), è in scena al Teatro Verdi sabato 11 febbraio alle ore 20,30 (in abbonamento nella 45^ Stagione dei Concerti della Normale) e domenica 12 febbraio alle ore 16 (in abbonamento nella Stagione Lirica del Teatro di Pisa).

L’opera viene proposta nella versione italiana firmata dal maggiore artefice della rinascita del teatro brechtiano in Italia, Giorgio Strehler, e in una versione scenica che ‘rilegge’ il capolavoro di Brecht-Weill in una chiave ‘virtuale’, sospesa tra teatro ‘politico’ e ammiccamenti al musical: questa l’impostazione del regista irlandese David Haughton, che firma anche scene, costumi e luci, per molti anni collaboratore del grande artista inglese Lindsay Kemp e impegnato da tempo nella messinscena del musical e del teatro musicale contemporaneo. Le videoproiezioni che animano lo svolgersi delle vicende sono state realizzate dagli allievi del Corso “Scenografie informatiche e multimediali per il teatro lirico”, coordinato da Giacomo Verde e inserito nel progetto “Opera Futura”.

Sul podio dell’Orchestra della Toscana è Nathalie Marin, giovane direttore francese, fra le poche donne “bacchette direttoriali”, apprezzata interprete del repertorio sinfonico operistico del Novecento storico e della musica contemporanea, attuale direttore musicale dell’Orchestra Sinfonica Nazionale di Quito (Ecuador).

Capolavoro del teatro musicale del Novecento storico, L’opera da tre soldi è nata da una delle più straordinarie collaborazioni artistiche del secolo scorso quale quella tra il grande drammaturgo tedesco Bertolt Brecht e il compositore Kurt Weill, sodalizio che il progetto LTL Opera Studio aveva già esplorato nel 2008 con Ascesa e caduta della città di Mahagonny. Ispirata a un lavoro teatrale del Settecento britannico, The Beggar’s Opera (L’opera da mendicante) del poeta e drammaturgo inglese John Gay e del musicista John Pepusch, L’opera da tre soldi vuole imporsi, nelle intenzioni dei due autori, come la realizzazione di un tipo di drammaturgia musicale che mira a contenuti sociali di scottante attualità e a una sorta di scandaglio morale avente come oggetto l’uomo del ventesimo secolo e il milieu che lo circonda.

Ventiquattro i giovani cantanti impegnati per le sei rappresentazioni in programma (a Livorno, a Pisa e a Lucca), selezionati attraverso specifiche audizioni e vari stages preparatori che si sono svolti nelle sedi dei teatri coproduttori.

Pochissimi i biglietti rimasti disponibili, in vendita al Botteghino del Teatro Verdi.

Per informazioni tel 050 941111

"I masnadieri" di Lavia al Teatro del Giglio

2012-02-08T16:50:00.003+01:00

Gabriele Lavia riprende I masnadieri dopo la sua memorabile interpretazione di trent’anni fa (in scena nel ruolo di Franz), che lo consacrò tra i maestri del teatro italiano e fece registrare allo spettacolo una serie infinita di ‘tutto esaurito’; stavolta resta dietro le quinte, e sviluppa il grandioso stile di Schiller e la sua straordinaria abilità scenica in un allestimento energico, visionario e potente, carico di suggestioni oscure e indignate.

Leggendo Schiller con occhi contemporanei, Lavia sottolinea gli impressionanti parallelismi tra questo testo e il mondo attuale: la lotta per il potere, il disagio sociale, il tentativo di riscossa che si serve della violenza per riuscire. Sulle scene di Alessandro Camera, con i costumi dark di Andrea Viotti e le luci di Simone De Angelis, contornate dalle cupe trame sonore della chitarra di Franco Mussida, la poesia e le emozioni di Schiller rivivono oggi con inalterato vigore, in uno spettacolo corale appassionato e di grande presa.

Con questo spettacolo Gabriele Lavia fa iniziare la vita della Giovane Compagnia del Teatro di Roma, una ventina di attori pieni di ardore, impegnati a ricoprire i ruoli della masnada. Tutto ruota attorno a Karl Moor (Simone Toni), diventato brigante perché caduto in disgrazia presso il padre (Gianni Giuliano) per i complotti del suo invidioso fratello Franz (Francesco Bonomo), il quale, una volta costretto Karl a restare lontano da casa, cerca anche di sedurne l’innamorata Amalia (Cristina Pasino). In una spirale di menzogne, imprese di briganti e forti passioni, Karl cerca di ristabilire la giustizia anche compiendo gesti efferati, ma tutto è vano, e niente potrà impedire alla tragedia di compiersi.

Teatro del Giglio, Lucca

venerdì 10 e sabato 12 febbraio, ore 21.00

domenica 12 febbraio 2012, ore 16.30

I Masnadieri

di Friedrich Schiller

regia Gabriele Lavia

scene Alessandro Camera

costumi Andrea Viotti

luci Simone De Angelis

musiche Franco Mussida

con Gianni Giuliano, Simone Toni, Francesco Bonomo, Cristina Pasino, Marco Grossi, Filippo Detoro, Luca Marascolo, Fabio Casali, Giulio Pampaglione, Giovanni Prosperi, Alessandro Scaretti, Michele De Maria, Daniele Gonciaruk, Luca Mannocci, Carlo Sciaccaluga, Andrea Macaluso, Davide Gagliardini, Daniele Ciglia

Biglietti da 10 a 30 euro
Biglietteria del Teatro del Giglio: tel. 0583 465320
e-mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it
Info: www.teatrodelgiglio.it

L’immaginifico mondo di Padre Ubu secondo Roberto Latini

2012-02-07T15:58:00.005+01:00

Autore: Silvia Cosentino - Caporedattore di 4rum.it

Il Fabbricone di Prato ha visto il debutto del nuovo spettacolo di Roberto Latini: dopo “l’incatenato”, ecco Ubu Roi di Alfred Jarry, straordinario precursore di quello che poi diverrà il Teatro dell’Assurdo. Occasione non tanto di rappresentazione, quanto di condivisione, come lo stesso regista specifica nelle sue note.

Ci sono spettacoli senza teatro, che mostrano, narrano, spiegano, annoiano: spettacoli che, del teatro, conservano solo elementi fisici, palcoscenico, attori, pubblico. C’è ancora, per fortuna, il teatro vero, quello che interpella, scuote, tiene incollati alla poltrona dando tuttavia la sensazione di non essere poi tanto stabili; quello che travalica il tempo e lo spazio, che suggerisce, richiama e ricorda. Questo è Alfred Jarry, questo è Roberto Latini che magnificamente lo rappresenta, anzi, lo condivide.

Lo splendido spazio del Fabbricone e tre pareti bianche bastano per dare un pur provvisorio, fuggevole spazio a Padre Ubu, ai suoi terribili compari e nemici: uomini straziati, maschere, animali. Corpi lacerati nella forma e nei suoni, fin da quel primo “merdra”, leit motiv di un senso che non è più e che, forse, non è mai stato. In perfetta linea con quella “patafisica” inventata da Jarry (definita come scienza delle soluzioni immaginarie), sette interpreti sono alternativamente maschi, femmine, orsi: accozzano abiti di varia estrazione, pochi oggetti, distinguendosi pur essendo tutti uguali. Tutti uguali pur distinguendosi. Latini cuce per sé la veste di un beniano Pinocchio, straziante, incatenato alla vita e al suo assurdo. Cambiando continuamente voce, al microfono lancia immagini, strappa viaggi mentali che, come stilettate, arrivano dritte ai sensi. Ecco, come in sogno, arrivare brandelli di capolavori shakespeariani: lui, così granitico, così immortale, così sempre sconvolgente e alieno seppur definito, per comodità, classico. I vari personaggi comunicano come possono, in assenza di un codice che li renda tra loro e a noi decifrabili; la vicenda è scarno pretesto, rupe da cui spiccare il volo verso mille immagini ora crude, ora intrise di poesia.

I primi dieci minuti richiedono il grande forzo di lasciarsi abbandonare, di allontanare mente e corpo dall’atteso, dal conosciuto; occorre mettersi a totale disposizione di ciò che abbiamo di fronte senza pretendere nulla, tantomeno di capire. Solo in questa predisposizione di viscere e spirito il pur lungo spettacolo inizia a fluire dentro di noi, divenuti terreno fertile e pronto a recepire tutto l’onirico profuso da gesti e suoni. Uno spettacolo del genere si presterebbe all’ormai inflazionato sfondamento della quarta parete, ma apprezziamo che questo non avvenga: i personaggi restano irrimediabilmente altrove, lontani seppur così vicini e vibranti, come intoccabili e fatti di sola aria, di solo pensiero.

Un pensiero potente e terribile, urlato e sussurrato, che sembra arrivare dai confini del mondo, ma che, indiscutibilmente, parla a noi e di noi.

Lo spettatore impavido non può perderlo.

1/ 11 FEBBRAIO 2012 | feriali ore 21.00, festivi ore 16.00, lunedì riposo | FABBRICONE

UBU ROI

di Alfred Jarry

regia ROBERTO LATINI

musiche e suoni Gianluca Misiti

scena Luca Baldini

costumi Marion D'Amburgo

luci Max Mugnai

assistente alla regia Tiziano Panici

con Roberto Latini

e Sebastian Barbalan, Lorenzo Berti, Fabiana Gabanini, Ciro Masella, Savino Paparella, Simone Perinelli, Marco Jackson Vergani

Produzione TEATRO METASTASIO STABILE DELLA TOSCANA / FORTEBRACCIO TEATRO

Prima nazionale

La Talpa – Thomas Alfredson

2012-02-05T10:46:00.001+01:00

Autore: Alessandro Busnelli

1973. Controllo, il capo dei servizi segreti britannici, pare ossessionato dalla presenza di una talpa ai vertici dell'intelligence. Il piano per stanarla si rivela un disastro tale da costringerlo al prepensionamento. Sarà il suo luogotenenente Smiley a portare avanti la ricerca.

Film inglesissimo, tratto dal romanzo “Tinker, Taylor, Soldier, Spy” di David Cormwell, che fu ai suoi tempi un agente segreto al servizio di sua maestà, con i migliori interpreti d'Albione diretti però da uno svedese Thomas Alfredson, alla sua seconda prova registica dopo il successo di “Lasciami Entrare”(terrificante quadretto di vampiri e (pre)adolescenti, agli antipodi della passione luccicante della saga di Twilight).

Lo sappiamo tutti, James Bond è figo, aitante, partecipa a feste raffinate accanto alle donne più belle del mondo, quando ovviamente non è occupato in inseguimenti mozzafiato. Qui abbiamo invece George Smiley è un uomo di mezzetà che subisce senza reagire i tradimenti della moglie, ordinario, forse invecchiato precocemente. Pare nell'aspetto un impiegato qualsiasi, nonostante faccia parte del Circus, la ristretta cerchia che guida dei servizi segreti britannici.

Già dal protagonista pare evidente la scelta autoriale di Alfredson, che rinuncia all'azione adrenalinica e alla patina glamour che tutte le spettacolari spy-story contemporanee non mancano di riutilizzare.

Lo svedese si approccia alla maniera più classica del genere, strizzando l'occhio a Hitchcock nella costruzione narrativa (Intrigo Internazionale), senza però avere la stessa capacità di creare tensione dell'impareggiabile precessore. Un film quindi già al suo concepimento si presenta come obsoleto, fuori moda, freddo, e sembra ribadirlo nel grigiore e nell'anonimia delle scenografie(oltre che nel/i protagonista/i) e della fotografia, dall'assenza di una colonna sonora che accompagni la narrazione , in un periodo, i 70s, che ci hanno abituato a ricostruzioni lisergiche, colorate vivacemente, dalla colonna sonora rock. Si aggiunga a tutto ciò la lentezza della intrigata trama e la scelta di romperne la linearità con salti temporali e discontinue scene narrative; ne verrà fuori che probabilmente lo spettatore avrà un moto di rifiuto di fronte a questi che dovranno essere i punti deboli della pellicola. Che sono però i punti forti, di pregio, se lo spettatore accetta di partecipare attivamente a colmare le lacune volutamente e diffusamente dispiegate, a memorizzare una grossa mole di volti e informazioni, a farsi ingannare. Una sorta di scelta mimetica della forma rispetto al contenuto: nel mondo dello spionaggio le cose non sono mai che sembrano, la verità è sempre celata, e relativa. Qui le parole non spiegano, e non sono spiegate, i nodi fanno fatica a sciogliersi, i cambi di scena o di tempo non sono introdotti chiaramente (e a rafforzare l'ipotesi l'unica occasione in cui il passato emerge dalle parole di un personaggio, non si risolve in un flashback telefonato, ma quasi a sorpresa nella recitazione e nella mimica della scena) e le stesse scene talvolta sono riprese secondo prospettive diverse, che gettano nuova luce su quanto si è creduto di vedere.

Nulla si può dire della trama senza svelare e immancabilmente distruggere la visione, se non apprezzarne la messa in scena frammentaria e poliedrica, il lasciar emergere qua e là elementi emotivi nei freddi burocrati dell'intelligence, intuiti e mai spiegati(il culmine nel finale riducendo all'osso per evitare spolier, siamo di fronte alla vendetta di un'amicizia virile tradita oppure a una soggiaciuta relazione omosessuale? Gli indizi ci sono, chiari ma immersi un quadro affollato).

L'anti-pathos del film porta quasi a non chiedersi chi sia davvero la talpa, quasi secondario nel labirinto di trame, sottotrame e personaggi a cui si è andati incontro, ma piuttosto come si risolveranno tutti gli orizzonti accennati e ritenuti dovuti, tipico dei film americani che dei film di spionaggio sono i padroni indiscussi.

La visione del film è paragonabile allo spettacolo dell'affastellarsi dei singoli pezzi di un mosaico che si compone in diretta, che richiede percià molta attenzione e motivazione da parte del pubblico, appesantendo la pellicola nel complesso, che non sarà in grado di infiammare gli animi, ma non delude né annoia. Non si tratta quindi di noia, ma di fatica, a tratti troppa, e questo è un punto a sfavore, la componente negativa(oltre alla scarsa volontà a comunicare del regista) ma necessaria per gustare un'opera solida, ben costruita, (volutamente)fredda ma con ritmo, che si scontra con la tendenza spettacolarizzante, semplicistica, lineare, televisiva dei prodotti cinematografici del genere. Chiudendo e rubando la battuta finale della talpa smascherata che sembrerebbe pronunciata dal regista stesso: “E’stata una scelta estetica oltre che morale. L’Occidente è diventato così brutto, non trovi?” e, aggiungerei, una scelta estetica vincente.

Pamela Villoresi magistrale Medea al Verdi di Pisa

2012-02-03T10:57:00.002+01:00

Questo fine settimana torna al Teatro Verdi di Pisa la signora della scena italiana, Pamela Villoresi, eccellente protagonista di uno dei personaggi più estremi e affascinanti della tragedia classica e moderna: Medea.

Prodotto da Argot Produzioni e Associazione Teatrale Pistoiese, in collaborazione con il Teatro dei Due Mari, Medea è in programma sabato sera (4 febbraio) alle ore 21 e domenica pomeriggio (5 febbraio) alle ore 17.

La regia di questo spettacolo, dove le suggestioni antiche si vestono di una sensibilità contemporanea incantando il pubblico con un distillato di parole ed emozioni che non possono non colpire, è di Maurizio Panici, coautore con Michele Di Martino della traduzione e dell’adattamento da Euripide. Protagonista insieme con Pamela Villoresi è David Sebasti, nel ruolo di Giasone. Con loro Renato Campese (Creonte), lo stesso Maurizio Panici (Egeo), Silvia Budri Da Maren (Nutrice), Andrea Bacci (Messaggero) e Evelina Meghnaghi (Prima Corifea).

Il progetto scenico è del pittore Michele Cacciofera, elaborato da Giorgio Gori. Di Michele Cacciofora anche il progetto dei costumi. Le luci sono di Emiliano Pona. Musiche di Luciano Vavolo, canti di Evelina Meghnaghi.

Medea la sapiente, Medea la barbara, Medea la donna che, prima fra tutte, non agisce spinta da un impulso erotico o sentimentale ma per rispondere a una ingiustizia : “ecco Medea ….ecco la sventura di una donna” dice di sé al termine di un lunghissimo e straziante monologo.

Medea ha debuttato con successo il 22 maggio del 2010 al Festival dei Due Mari di Tindari.

Biglietti al Botteghino del Teatro Verdi, in via Palestro 40.

Per informazioni Teatro di Pisa tel 050 941111

The Iron Lady - Phyllida Lloyd

2012-02-03T10:48:00.003+01:00

Autore: Giuseppe Pognante

Per due anni mi son sentito dire dalla mia professoressa la stessa identica frase: “il cinema non è un gioco, non è per tutti”. E anche se mi ha fatto passare due anni in uno stato di terrore e ansia perenne, devo arrivare alla conclusione che aveva ragione.

Perché se ad uscita sala ho definito il film dignitoso (scoprendo, ahimè, che questo aggettivo ha più asserzione negativa che positiva), via via il giudizio è andato scemando verso una serie di aggettivi che non lasciano dubbi sulla resa finale: poco equilibrato a livello di scrittura e confuso nella messa in scena, con continui flashback che talvolta partono da ricordi, altre volte inseriti attraverso raccordi di montaggio, altre infine senza un reale motivo. Troppo tempo viene sprecato per presentare la gioventù della Margaret Thatcher e troppo poco tempo viene usato per descrivere il suo lungo gabinetto al potere: due singoli episodi per mostrare la sua forza politica e altrettanti per rappresentare la sua capacità di straordinario oratore non possono bastare per descrivere la figura sovversiva e autoritaria della Thatcher. Non che sia un peccato mortale tentare di umanizzare quella che a tutti gli effetti è stata una delle donne più odiate e affascinanti della Storia Contemporanea ma lo diventa se facendo ciò porti la tua attrice in questo baratro di confusione.

Ma nonostante questo Meryl Streep riesce a emergere comunque, dando prova di estrema maturità e spiazzante presenza scenica; non che ne avessimo bisogno ma qui si parla davvero di qualcosa che va oltre, e non mi riferisco ad una semplice prova di immedesimazione o di caricatura, bensì di recitazione vera e propria: postura, gestualità, sguardi e voce. Soprattutto la voce, che qui si dota di nuove sfumature e nuovi colori, arrivando persino ad un timbro che quasi non riconosci essere il suo.

La sua performance è più elevata del film stesso, si ha quasi l’impressione che il film subisca così tanto il suo carisma da non reggere l’incontro, esplodendo. Ed eccomi quindi a ribadire come il cinema non sia per tutti: forse a dirigere la “Lady di Ferro” doveva esserci qualcuno in grado di gestire tanta energia, qualcuno quindi dotato di due grosse “palle d’acciaio”.

Cose per cui vale la pena vivere - Lucio Laugelli

2012-01-31T12:03:00.001+01:00

Presentiamo con piacere ai lettori di 4rum.it l'ultimo lavoro di Lucio Laugelli:

Cose per cui vale la pena vivere from Lucio Laugelli on Vimeo.

Things that make life worth living

▄▄▄▄ Shot with a Canon EOS 550D

▄▄▄▄ Edited with Final Cut Pro

FULL Magazine 6: un numero 'FULL of FASHION'!

2012-01-29T23:42:00.000+01:00

Notizie interessanti sul fronte FULL Magazine, il rivoluzionario free press in continua espansione dedicato all'arte, alla moda, ai viaggi e alla cultura in genere.

Il sesto numero, che amplierà la propria distribuzione anche nelle splendide isole di Malta e Gozo, vedrà la presenza di molte interessanti firme fra cui quella del noto fotografo di moda Max Margheri, già autore di molteplici servizi editoriali e commerciali pubblicati a livello internazionale, che firmerà, in questo caso, una serie di foto esclusive.

Si arricchisce quindi di numero in numero il settore fashion, soprattutto grazie alla guida della giovane Costanza Spinetti, recentemente 'promossa' a responsabile moda della rivista.

Un FULL 6 'carico di moda' quindi che vedrà presente, otre allo shooting di Margheri, un dettagliato resoconto su Pitti, uno speciale dedicato al mood dei teschi e, infine, un ampio servizio fotografico esclusivo con la modella lituana Arleta Vidic fotografata da Filippo Malizia sotto la guida della stessa Costanza Spinetti e l'advising di Valentina Vespasiani per la Major Model Management di Milano.

Tutti pronti quindi!

* La foto di Max Margheri fa riferimento a un servizio realizzato per 'Sartoria Angela Corsani' ed è stata inserita a scopo di anteprima indicativa

FULL Magazine 'sbarca' a Malta e Gozo!

2012-01-25T14:34:00.002+01:00

COMUNICATO STAMPA DALLA REDAZIONE DI FULL MAGAZINE

Siamo felici di annunciare che FULL Magazine 6, la cui uscita è prevista per la metà di marzo, presenterà un ricco speciale dedicato alle splendide Malta e Gozo!

A partire da questo numero, infatti, FULL raggiungerà regolarmente La Valletta e l'isola di Gozo, attraverso un circuito culturale selezionato di cui daremo dettaglio in seguito.

Appena tornato da questo fantastico viaggio con un enorme bagaglio di fotografie, contenuti ed emozioni, FULL Magazine desidera ringraziare, prima di tutto, le moltissime persone e realtà che, a vario titolo, hanno contribuito in modo indispensabile alla realizzazione dell'intero reportage.

Dopo Liverpool, Mosca, lo Yemen, Roma e Madrid, FULL incrementa decisamente la propria attenzione rivolta al tema del viaggio attraverso un lavoro fotografico e contenutistico ancora più completo.Vi aspettiamo come sempre numerosi per godere con noi di questo incredibile tour!

FULL™ Magazine

Francesca Inaudi e Lorenzo Lavia al Teatro Comunale di Pietrasanta

2012-01-15T15:45:00.005+01:00

Dopo il debutto dello spettacolo in Prima Nazionale al Teatro Manzoni di Pistoia, Francesca Inaudi, nel ruolo dell’ incantevole Holly e Lorenzo Lavia, l’ impacciato Paul, saranno i protagonisti di Colazione da Tiffany, quarto appuntamento della stagione di prosa organizzata dalla Fondazione La Versiliana.

Divenuto un classico senza tempo - grazie alla memorabile interpretazione di Audrey Hepburn nel film di Blake Edwards - Colazione da Tiffany sarà in scena al Comunale di Pietrasanta martedì 17 gennaio alle ore 21.15, nella riduzione teatrale di Samuel Adamson dell’omonimo romanzo di Truman Capote.

A firmare la regia dello spettacolo Piero Maccarinelli, che restituirà al pubblico la versione italiana del titolo, tradotto da Fabrizia Pompilio, dal quale non bisognerà però aspettarsi le atmosfere distese e brillanti del film, quanto piuttosto il clima cupo, cinico e l’incertezza degli anni ’40 che aleggia nel romanzo di Capote, con un finale sospeso così come nelle intenzioni dell’autore.

Creatura selvatica e adorabile Holly, sarà interpretata da Francesca Inaudi che torna in teatro dopo 10 anni di lontananza, che l’hanno vista protagonista al Cinema e in Tv, mentre Lorenzo Lavia sarà l’interprete di Paul, ruolo che nel film fu di George Peppard. La Inaudi porta in scena una Holly un po’ lolita cresciuta, un po’ traviata, più somigliante a Marilyn Monroe che non alla Hepburn, per rendere omaggio, a 50 anni di distanza, alla verità narrativa e alle intenzioni di Capote, che nel suo romanzo si era ispirato proprio a Marylin, senza però poi riuscire a ottenerla come protagonista del film.

Biglietteria: prezzi e orari.

I biglietti per lo spettacolo del Teatro Comunale di Pietrasanta sono in vendita al Teatro in Piazza Duomo a Pietrasanta (Lu) e negli orari di apertura del Cinema Comunale. Saranno inoltre in vendita dalle 17 alle 19 nei due giorni precedenti lo spettacolo e il giorno stesso della rappresentazione. Info tel. Tel. 0584 795511 e Fondazione La Versiliana Tel. 0584 265733 – 265735. Prenotazione e prevendita anche online su www.ticketone.it).

Prezzi: Platea 24,00 (ridotto 21,00); Galleria 15,00 (ridotto 12,00), Galleria Speciale Gruppi Studenti 10,00. Le riduzioni si applicano anche ai minori di anni 25, oltre i 65 anni e portatori di handicap.

Per info www.laversilianafestival.it

Alessandro Preziosi è Cyrano al Teatro del Giglio

2012-01-14T15:33:00.003+01:00

Cyrano de Bergerac, l’infallibile poeta spadaccino dall’enorme naso, è uno dei personaggi più conosciuti e amati del teatro. È il francese Edmond Rostand che ne inventa la storia e compone la famosissima commedia omonima, ispirandosi alla figura realmente esistita di Savinien Cyrano De Bergerac, estroso scrittore dalla sfrenata fantasia. Pubblicata nel 1897, la commedia di Rostand fu da subito un eccezionale trionfo di pubblico e critica: da allora in poi il racconto dell’amore nascosto di Cyrano per la cugina Rossana, dei suoi versi appassionati e delle sue smargiassate amare, hanno fatto entrare Cyrano de Bergerac nel novero dei capolavori irrinunciabili.

La regia di questo nuovo allestimento, e il ruolo di Cyrano stesso, sono affidati ad Alessandro Preziosi. Con movimenti scenici curati da Nikolaj Karpov, si punta a riportare sulla scena il coinvolgente ritmo della commedia, liberando tutta l’irresistibile e vitale creatività del Cyrano poeta, delle sue trovate comiche e della raffinatezza dei suoi versi, e il coraggio indomito e libero del Cyrano eroe e uomo di spada. Forte della rinnovata odierna attenzione al teatro di parola, questo Cyrano de Bergerac vuole raggiungere un pubblico ampio, facendo tornare a teatro anche i giovani.

Prodotto da Khora.teatro e dal Teatro Stabile d’Abruzzo, di cui Preziosi è direttore artistico, questo allestimento si inserisce nelle attività che il TSA promuove e sostiene, avendo fiducia nel teatro come fucina di creatività positiva, capace di apportare un contributo decisivo alla trasformazione della vita culturale italiana.

Teatro del Giglio di Lucca

martedì 17, mercoledì 18 e giovedì 19 gennaio 2012, ore 21.00

Cyrano de Bergerac

di Edmond Rostand

traduzione e adattamento Tommaso Mattei

regia Alessandro Preziosi

scene Andrea Taddei

costumi Alessandro Lai

luci Valerio Tiberi

musiche Andrea Farri

collaborazione artistica e movimenti scenici Nikolaj Karpov

con

Alessandro Preziosi Cyrano de Bergerac

Benjamin Stender Cristiano

Valentina Cenni Rossana

Massimo Zordan De Guiche

Emiliano Masala Le Bret

Marco Canuto Regenau-Valvert

e con

Giuseppe Tosti, Francesco Civile, Gianni Rossi, Salvatore Cuomo, Sara Borghi, Natasha Truden, Gianna Raspini, Bianca Pugno Vanoni

Biglietti da 10 a 30 euro.
Info www.teatrodelgiglio.it.
Prenotazioni Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.
Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

"4:48 Psychosis" al Teatro San Girolamo di Lucca

2012-01-09T18:16:00.004+01:00

Testo lancinante della drammaturga inglese Sarah Kane, 4:48 Psyhosis (scritto nel 1999) porta sulla scena la complessità di una mente umana estenuata dalla privazione degli affetti e dalla solitudine. Il cuore della notte è il momento di maggiore attrazione al suicidio; ma 4:48 Psychosis non è semplicemente (come suggerisce la regista Valentina Calvani) l’ultima lettera di un suicida; è il grido di chi lancia una richiesta di aiuto, un’invocazione alla necessità di dare e ricevere amore e attenzione, è l’espressione di un disagio nella speranza che non resti inascoltato. In esso si esprimono innumerevoli voci, ma Sarah Kane non ha lasciato detto quanti debbano essere gli interpreti di quelle parole.

Valentina Calvani ha deciso di avere sulla scena un’unica attrice come interprete di tutte quelle voci, considerandole di un’unica persona alla ricerca della propria identità. Per questo ruolo così complesso, è stata scelta Elena Arvigo, che con grande e vero talento dà corpo alla pièce. Diplomata alla Scuola del Piccolo Teatro di Milano, selezionata nel 1999 per l’Ecole des Maitres con i maestri Eimuntas Nekrosius, Massimo Castri, Jacques Lassalle, una preparazione di danza classica e contemporanea perfezionata al London Studio Centre, è attrice italiana con un occhio alla scena internazionale, il cui curriculum di tutto rispetto spazia dal cinema alla televisione al teatro. E’ stata di recente impegnata in teatro in "Addio al nubilato" di Francesco Apolloni e “Le signorine di Wilko” di Alvis Hermanis, e al cinema in “Mangia, Prega, Ama” al fianco di Julia Roberts.

Valentina Calvani ed Elena Arvigo mettono in scena 4:48 Psychosis riconoscendovi il desiderio di portare alla luce la speranza celata nel disagio, per rimettere il pubblico in contatto con la propria umanità e compassione.

Lucca, Teatro San Girolamo

venerdì 13 gennaio 2012, ore 21

4:48 PSYCHOSIS

di Sarah Kane

con Elena Arvigo

regia Valentina Calvani

scene, costumi e ideazione luci di Elena Arvigo e Valentina Calvani

musiche originali Susanna Stivali

Biglietti: posto unico 20 euro

Info www.teatrodelgiglio.it.

Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

J. Edgar - Clint Eastwood

2012-01-08T11:33:00.001+01:00

Autore: Stefano Lorusso

Una delle prime immagini di “J. Edgar” è il calco di gesso del volto di John Dillinger, conservato sotto una teca di vetro in un ufficio dell’FBI. La maschera pietrificata di un cadavere, realizzata al momento dell’uccisione del criminale più ricercato d’America. Se il cinema è l’arte di scolpire il tempo c’è una dichiarazione subliminale dentro quella visione appena sorvolata, che prelude alla comparsa dei volti invecchiati dal make-up di Hoover e degli altri protagonisti del film. Il trucco nell’ultimo film di Clint Eastwood costituisce un elemento fondamentale: le maschere del tempo sui volti degli attori principali rivelano chiaramente il loro essere estensione artificiale di resina e silicone, eppure lasciano trapelare una inconsueta sincerità, un perfetto e calzante realismo visionario. Ed è un magnifico trucco anche il geniale utilizzo che Eastwood fa del mezzo cinematografico: per approdare alle verità più profonde sulla identità nazionale americana occorre sfrondare la storia dai cascami della mitologia, e nessun mezzo come il cinema offre l’opportunità di costruire meglio abbaglianti distorsioni agiografiche e opposte scarnificazioni anti-retoriche.

Dopo “Changeling” ,“Flags of our fathers” e “Gran Torino” in “J. Edgar” si configura il nuovo capitolo di un articolato percorso di desaturazione di un intero immaginario collettivo, che attraverso la cruda elisione di tutto ciò che è artefatto, posticcio, retorico e adulterato mira ad individuare i nuclei primari e fondanti della identità nazionale americana. Per farlo, dipingendo la vicenda umana di un personaggio caleidoscopico come Hoover, Eastwood utilizza il grande artificio cinematografico al massimo delle sue potenzialità mistificatorie. La scansione temporale subisce una continua frammentazione, portando a risultati ancora più estremi la rapsodica struttura narrativa a mosaico già utilizzata in “Bird”, il film della filmografia eastwoodiana forse più simile a “J. Edgar” nel suo andamento e nella sua scansione cronologica. Come Kurosawa in “Rashomon”, Eastwood racconta e ritratta, osserva e rilegge le vicende personali di J. Edgar Hoover muovendo il cursore dello spazio-tempo lungo cinquanta anni di storia americana, e vagliando un altro tassello di una filmografia che nelle sue pieghe più profonde affonda dentro le radici del sistema valoriale statunitense e della sua storia nazionale. Trasversale uomo di potere, capace di attraversare da capo dell’FBI una guerra mondiale e otto presidenze di vario colore, Hoover in “J. Edgar” è un personaggio analizzato nella sua estrema complessità, umana e politica. La delicatezza con cui viene raccontata la sua vita privata pone ancora una volta in rilievo l’assoluta maestria di Clint Eastwood nel tratteggiare la pienezza e l’insondabile ricchezza delle relazioni umane. E sul piano politico la figura del capo storico del Bureau non esce di certo sconfitta dal confronto tanto con il fronte democratico quanto, ed è l’aspetto più interessante, con figure della destra nazionalista e populista americana. Il nome del senatore McCarthy affiora durante una intervista, e viene subito etichettato da Hoover come “opportunista” e come soggetto che non ha mai avuto a cuore i destini del suo paese. E Richard Nixon sarà per Hoover un subdolo oppositore, nonché il presidente dello scacco definitivo e della avanzata inarrestabile del male dentro i palazzi del potere.

Nel ritratto di Eastwood l’uomo che è stato uno dei più acerrimi anticomunisti della storia americana, feroce antagonista dei movimenti per i diritti delle minoranze, appare legittimato da una statura etica e morale che lo distingue dai suoi oppositori e rivali. Mai Hoover, a differenza di Nixon, piega i meccanismi del potere al suo interesse personale: la bussola che orienta il suo agire è il bene della nazione. Un imperativo manicheo, semplicistico ma profondamente sincero ricevuto in dote, insieme ad una educazione sentimentale repressiva e castrante, da sua madre. Ed è singolare che questo personaggio così controverso, ennesima reincarnazione di un Leviatano che si rigenera continuamente nell’esercizio autarchico del potere, come il Divo andreottiano, instauri una peculiare rete di rapporti interni con altri mondi paralleli di celluloide, coevi o tangenziali rispetto al “tempo” del racconto del film di Eastwood. Il modello archetipico del cittadino Kane wellesiano, i tic e le nevrosi di Howard Hughes, la balbuzie di re Giorgio, l’epopea di celluloide del nemico pubblico manniano e la sua antitesi bifronte incarnata dal “G-Man” di James Cagney. Fino a suggerire un ipotetico corollario della tetralogia sul potere di Aleksandr Sokurov: J. Edgar salvato e redento, emendato dalle sue colpe in extremis grazie ad un vincolo scritto di appartenenza, espressione finalmente libera di un sentimento ineludibile eppure mai confessato.

Time Is Love. 5

2012-01-05T15:39:00.003+01:00

Time Is Love 5

International Videoart Exhibition

Curated by: Kisito Assangni

10 – 30 Gennaio 2012

vernissage 10 – 11 gennaio h.18.30 – 21

[.BOX] è aperto al pubblico ogni mercoledì e giovedi dalle 18.30 alle 20.30

30 videoartisti indagano il tema dell'amore.

Progetto video itinerante giunto alla 5° edizione (2012), presentato in anteprima assoluta presso [.BOX].

La nuova edizione di TIME IS LOVE affronta le difficoltà, che l'uomo su questa terra incontra nell'amare. Semplicemente amore.

Relazionarsi con l'Altro non è cosa facile oggigiorno. Assistiamo a una concentrazione di individualismo, a una solidarietà che viene meno, nonché a una evidente indifferenza per l'Altro. L'amore è un tema universale nel suo atto di raggiungere ognuno.

Esso va di pari passo con le grandi sofferenze umane: il rifiuto, la solitudine, il male, la vendetta, la minaccia, la delusione, la vergogna. I sentimenti d'amore guariscono il deserto dei nostri più grandi problemi, trasformandoli in bellissimi piaceri.

Il viaggio di trenta artisti selezionati sul filo di questa complicata ambivalenza, ci fornisce senza concessione alcuna una gamma di complessità, amarezze e passioni generate dalle relazioni umane.

La scelta operata da Kisito Assangni (artista e curatore) afferma le molte sofferenze, le lacerazioni e le impossibilità del porsi in relazione. I temi presentati costituiscono il cuore di questi legami individuali e collettivi. Sono i maggiori vettori che transitano attraverso le nozioni di vorace passione, nostalgia e sensuale lentezza.

Se Time is Love.5 ci restituisce un ritratto oscuro dei sentimenti umani; ciò nondimeno, sprazzi di luce e di speranza vivono e resistono.

Se oggi il tempo è sinonimo di denaro, Time is Love lotta per distoglierne lo sguardo verso valori maggiormente essenziali, affinché il tempo riesca a condividere il suo ritmo con l'amore, la condivisione e la liberazione. L'amore quale sentimento universale si libera qui dai cliché tradizionali e dall'idealismo senza tempo. Esso è declinato, scrutinato e tradotto con intensa profondità, esattamente come la complessità dell'essere umano.

Julie Crenn

In seguito il progetto verrà presentato a livello globale nell’arco del 2012 presso gallerie e fondazioni come: SAVVY Contemporary, Berlin, Germany – Garage 4141 Gallery, San Diego, USA – Rich Mix Foundation, London, UK – The Cornaro Institute, Larnaca, Cyprus – Galerie Octobre, Paris, France – Zet Foundation, Amsterdam, Netherlands – City Art Gallery, Kharkiv, Ukraine.

timeisloveshow.blogspot.com

[.BOX] Videoart Project Space

E' uno spazio unico nel suo genere, sempre impegnato a divulgare i migliori progetti di videoarte e new media provenienti da tutto il mondo.

[.BOX] Videoart Project Space

Via Federico Confalonieri 11

20124 - Milano

www.dotbox.it

info@dotbox.it

Isabella Ragonese in Prima Nazionale al Teatro del Giglio

2011-12-30T17:05:00.003+01:00

Debutta al Teatro del Giglio in prima nazionale La commedia di Orlando, che la regista Emanuela Giordano ha liberamento tratto dall’Orlando della scrittrice inglese Virginia Woolf.

Come Ulisse, Orlando compie un viaggio fantastico attraverso il tempo e lo spazio, senza porre limiti al proprio desiderio di sperimentare, di agire, di conoscere, alla ricerca di una vita piena e appagata; il suo personaggio è affidato al talento ed alla freschezza di Isabella Ragonese, che con grazia sensuale porta in scena anche le goffaggini, le ingenuità e i soprassalti adolescenziali del protagonista. Orlando non è solo: non si separa mai da Mrs Virginia Grimsdith (Sarah Biacchi), interlocutrice privilegiata e consigliera, in cui è concentrata molta della sensibilità e della geniale ironia della stessa Virginia Woolf, e da Judy (Claudia Gusmano), Faith (Laura Rovetti), Hill (Andrea Gambuzza) e Hall (Guglielmo Favilla), ragazze e ragazzi ‘tutto fare’, devoti e sfacciati, che fungono da amplificatori delle emozioni di Orlando. Completano l’organico dei personaggi in scena (tutti interpretati da Fabrizio Odetto) l’Arciduca, capace di essere donna quando Orlando è uomo, e uomo quando Orlando è donna, Green lo scrittore, Marmaduk, fascinoso marito, marinaio ed aviatore, e da ultimo il Capo dei Gitano.

L’avventura è accompagnata dal racconto sonoro – firmato dalla Bubbez Orchestra - che crea atmosfere sorprendenti, con echi che vanno dall’oriente esotico alla modernità del primo novecento. Quattro secoli di storia evocano sollecitazioni visive sulfuree e fiammeggianti, raccolte nei costumi – di Giovanni Licheri e Alida Cappellini - che descrivono con allegria e ironia le epoche e gli ambienti che attraversano: il castello di Orlando, Costantinopoli, l’altipiano dei gitani, feste, matrimoni, partenze, banchetti...

***

Lucca, Teatro del Giglio

PRIMA NAZIONALE
venerdì 6 gennaio ore 21.00
sabato 7 gennaio ore 21.00
domenica 8 gennaio ore 16.30

LA COMMEDIA DI ORLANDO

liberamente tratto da “Orlando” di Virginia Woolf

con Isabella Ragonese

e con Sarah Biacchi, Guglielmo Favilla, Andrea Gambuzza, Claudia Gusmano, Fabrizio Odetto, Laura Rovetti

regia e drammaturgia Emanuela Giordano

scene e costumi Giovanni Licheri e Alida Cappellini

musiche originali della Bubbez Orchestra eseguite dal vivo da Giovanna Famulari, violoncello - Massimo De Lorenzi, chitarra

Biglietti da 10 a 30 euro.

Info www.teatrodelgiglio.it.

Prenotazioni Biglietteria Teatro del Giglio, Piazza del Giglio, 13/15 – Lucca.

Tel. 0583/465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it.

Concerto di Capodanno al Teatro del Giglio

2011-12-29T15:18:00.003+01:00

Continua al Teatro del Giglio la tradizione del Concerto di Capodanno per salutare in musica l’arrivo del 2012. Domenica 1° gennaio alle ore 16 salirà sul podio dell’Orchestra Massimo De Bernart il Maestro Gian Paolo Mazzoli, che saprà regalare al pubblico momenti di divertimento e spensieratezza con le più belle melodie della tradizione viennese, come Roses aus dem Süden, Pizzicato-Polka, Banditen galopp, An der schönen blauen Donau e Morgenblätter, per concludere con la frizzante Sinfonia da La cenerentola di Gioachino Rossini.

Biglietti da 10 a 22 euro.

Info e prenotazioni:

tel. 0583 465320

e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it

La musica di Gianmarco Caselli per il più atipico dei presepi

2011-12-27T09:53:00.007+01:00

Testo: Silvia Cosentino

Foto: Francesco Zavattari

Lucca. La chiesa del Crocifisso, un piccolo gioiello ormai sofferente e interdetto ai più. Al suo interno, un piccolo-grande evento, un'esperienza emozionale come raramente capita di fare in questa bella, difficile città. Entriamo e, pressoché al buio, assistiamo inerti a sequenze proiettate su un sipario bianco, così come inerti furono i protagonisti delle immagini stesse: Ground Zero, 11 settembre 2001. Immagini spietate proprio perché vere, non la trama dell'ennesimo film di fanstascienza; a esse sono accompagnate urla disperate mescolate al fragore delle strutture che cedono, determinando il rovinoso, ineluttabile crollo di qualcosa che mai più sarà. Di fronte a noi, ancora impotenti, schiacciati dal peso di qualcosa visto ormai centinaia di volte (di fronte al quale è possibile restare indifferenti), il sipario si schiude ed ecco Ground Zero.

Ma non solo.

Ecco il nostro mondo, la nostra vita, ecco quel che rimane di tutto ciò che è in realtà futile e passeggero, ma a cui noi, stupidamente, abbiamo dato importanza perenne e vitale. Preda di una luce spettrale, con suoni sinistri e freddi negli orecchi, veniamo calati nelle macerie dell'esitenza,della società: cumuli di sapere e di tecnologia ormai inutili tra i brandelli delle Twin Towers, che divengono come nude croci di martirio. E tutto il nostro ridicolo mondo sembra essere contenuto lì, esaurirsi tra la polvere di quella devastazione; qualcosa, però, è destinatp a sciogliere il nostro nodo alla gola, o meglio, a cambiarne la natura.

La luce ci invita a guardare meglio oltre le macerie, a scoprire qualcosa che c'è sempre stato, ma a cui non avevamo fatto caso: un nucleo, piccolo e indifeso, bellissimo e potente. Un uomo e una donna che contemplano il prodigio di una vita che nasce; non una vita qualsiasi. Ed ecco, allora, che la musica diviene grandioso trionfo di organo e archi, mentre la luce (e noi con lei) si protende verso il cielo, attraverso le colonne tortili dell'altare principale, raggiungendo la Croce (futuro, sempre rinnovato strumento salvifico di Colui che, per ora, è solo un bambino in fasce), per poi arrivare alla cupola decorata dalle molte figure tra le quali spicca quella di Dio. Ai pochi secondi di questo rigenerante chiarore segue il freddo buio e siamo di nuovo soli nel disastro: ci avviciniamo all'uscita, non senza aver colto l'incisivo messaggio di Mons. Agresti (Arcivescovo di Lucca dal 1973 al 1990), che ci invita a ricordare come Natività e Passione siano in realtà due facce di una stessa medaglia. Nascita e morte che si rincorrono, stupore e orrore che si mescolano e che solo una più alta Speranza può contribuire a sbrogliare.

Incontriamo con piacere e curiosità l'affermato compositore lucchese Gianmarco Caselli, che dà voce a questa straordinaria installazione con una colonna sonora eclettica e certamente inattesa.

Dopo "Lungo la scia di un'elica", questo è il secondo lavoro curato a quattro mani con Alessandro Sesti: come si è sviluppata la vostra collaborazione?

Io e Sesti siamo in contatto quotidiano, 24 ore su 24, da un anno e mezzo, da quando abbiamo iniziato a lavorare a "Lungo la scia di un'elica". Ci scambiamo idee ogni giorno e alle ore più impensabili su vari argomenti: questo ci permette di lavorare anche furiosamente, senza prese di posizione, con un'assoluta apertura mentale alla ricerca di ciò che vogliamo. E' lo stesso tipo di ricerca: vitale e necessaria, è un colloquio fra noi e con se stessi che impegna continuamente, a ogni ora, alla ricerca di qualcosa che vada oltre la musica o la scenografia in sé; è l'installazione che cambia con noi e noi con essa. Siamo in tre: io, Sesti e l'installazione, ma ragioniamo come un'unica testa.

Puoi raccontarci qual è stato l’excursus di questo processo compositivo?

La composizione si è svolta in pochissimo tempo, poco più di un mese. Rispetto al lavoro per “Lungo la scia di un’elica”, qui è stato più complicato perché la struttura della chiesa impone tempistiche ovviamente delicate: tutto è collegato a un tempo più preciso, che deve tenere conto ad esempio delle luci e del percorso del visitatore. La mia colonna sonora è realizzata interamente con l’elettronica. Nella prima parte ho utilizzato diverso materiale recuperato dai telegiornali relativi all’attacco delle Torri, insieme sia a frasi vere (recuperate anche dai molti video presenti su YouTube) sia ad altre registrate appositamente. Per il corridoio ho pensato un Synth Anni Novanta, perché questo evento corrisponde indubbiamente alla fine di un’epoca, al crollo del sogno degli Anni Novanta, appunto. Il finale con la natività è ancora tutto elettronico, stavolta con organo e coro maestoso, a richiamare l’immaginario del Natale. La coda è invece soprattutto sottofondo per accompagnare l’uscita del pubblico. Ho composto in modo cronologico, partendo dall’inizio sino alla conclusione del percorso, per trovare una mia continuità espressiva. Ho dovuto cambiare spesso in corso d’opera: potenzialmente, avrei pronto materiale a sufficienza per una colonna sonora alternativa!

Cosa è cambiato dentro di te da quando ti è stato proposto questo progetto a quando poi ne hai concluso la realizzazione?

Sono cambiate molte cose: prima pensavo di realizzare qualcosa di più aggressivo, poi invece ho deciso di aggiungere anche elementi che si avvicinassero al Sacro, tradizionale. Il risultato è stato una bella commistione di stili: si va dalla rumoristica, alla musica sperimentale, allo stampo più classico. Anche il mio, come per questa installazione, è stato un percorso, una fusione dell’attacco stilistico con la tradizione; un ciclo, come quello della Natività e del Crocifisso, che continua all’infinito. Anche se tutto era già impostato a tavolino, la musica si è sviluppata giorno per giorno.

Alla fine di questo percorso, cosa ha capito Gianmarco Caselli?

Questo è il terzo progetto legato al Sacro per il quale ho scritto la musica, sicuramente il più importante. All’inizio già sapevo che mi sarebbe piaciuto confrontarmi con questo tema e, adesso che ho terminato, ho capito di voler continuare: questi sono tutti stimoli a fare cose diverse perché davvero non so se, di mia iniziativa, mi sarei mai mosso verso una composizione come quella pensata per questa Natività.

Il tuo approccio da “credente atipico” offre un punto di vista particolare…

La mia personale spiritualità (forse molto più elevata di tanti altri), ha fatto sì che non mi sentissi affatto a disagio e del resto c’è anche una condanna al capitalismo sfrenato che ha portato a guerre e miserie, cioè a quanto è più lontano dai messaggi di fraternità e sostegno ai più deboli. Chi fa veramente arte, comunque, è sempre in comunicazione con qualcosa di trascendente. Sono ben altre le situazioni che rifuggo. Ciò che mi incuriosiva maggiormente era l’approccio stilistico legato all’argomento religioso. Volevo avvicinare anche quel pubblico che di solito non viene nelle sale da concerto per ascoltare musica classica contemporanea. Questa installazione è un’occasione per proporre qualcosa che, di per sé, non appartiene a questa realtà, che forse le persone, da sole, non avrebbero mai ascoltato: musica elettronica per qualcosa di Sacro. È una novità sia per me sia per il pubblico: per me un modo di sperimentare nuovi stili, nuove possibilità compositive; per la gente, occasione di confrontarsi con qualcosa di diverso dal solito.

Davanti al presepio lucchese ci sentiamo scossi e mi domandavo se saremo capaci di passare a delle decisioni. Me lo chiedo ora che non sono sotto l’influenza di quella emozione visiva; passato quel momento di angoscia mi auguro che questo originale presepe possa passare dagli occhi al cuore e interrogarci seriamente se la nostra esistenza sia guidata da scelte che favoriscano la Babele ambiziosa che chiude gli occhi al destino delle Torri decisamente orientato alla distruzione.

Fratel Arturo Paoli

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GROUND ZERO 2010-2011 ten years ago – ten years after

Un presepe

di Alessandro Sesti

responsabile culturale don Piero Ciardella

colonna sonora di Gianmarco Caselli

luci di Marco Menghetti

video di Stefano Morelli

Aperto tutti i giorni dalle 11 alle 19

Fino al'8 gennaio 2012

La Chiesa del Crocifisso

La seicentesca e bella Chiesa del Crocifisso dei Bianchi si trova in via del Crocifisso: è un tesoro sconosciuto ai lucchesi, poiché chiusa al pubblico da moltissimi anni. La scelta della Curia Arcivescovile di Lucca di riaprirla nel periodo natalizio esprime anche la volontà di recuperare un’area della città, adiacente la Ex-Manifattura Tabacchi ed a via San Paolino, riportandola innanzitutto all’attenzione dei cittadini e dei turisti che giugnono per il periodo delle festività natalizie. La chiesa deve il suo aspetto attuale alla completa ristrutturazione compiuta da Francesco Pini nel 1761; il maestoso interno, scandito in tre navate è tuttora decorato di affreschi di Lorenzo Castellotti e l'altare maggiore conserva l'aspetto assunto alla fine del Seicento.

Gianmarco Caselli

Caselli si afferma come compositore negli ultimi anni alternando e facendo convivere sonorità più tradizionali in pezzi come Le mani nel lago e Tracce distacco, ad altre basate sulla ricerca elettronica come in Luce chimica e Alba elettrica: le sue composizioni si sono imposte in concorsi internazionali e sono state eseguite in Festival e contesti di prestigio in Italia e all'estero come alla Carnegie Hall di New York, al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, a Berlino, Kiel, Città del Messico, California, Istituti Italiani di Cultura di Amsterdam, Copenaghen, Amburgo, Londra, Uruguay, Argentina. Gli è stata commissionata la composizione di musiche da parte di esecutori, ensamble, o per video e eventi: fra queste, la composizione delle musiche per la mostra "Lungo la scia di un'elica" che sono state poi raccolte in un cd. Collabora con il Centro studi Giacomo Puccini di Lucca, il Centro Musica Contemporanea di Milano, l'Associazione Musicale Lucchese e fa parte del Duo Symbiosis per fisarmonica (Massimo Signorini) e elettronica (Caselli). Nel 2009 ha pubblicato un libro sulla musica per pianoforte di Gaetano Giani Luporini (Accademia Lucchese Scienze, Lettere e Arti).

www.gianmarcocaselli.it

VisualcontainerTv presenta "Flowers of chaos"

2011-12-22T15:13:00.007+01:00

Con questo progetto Cecilia Freschini - curatrice ed esperta d’arte contemporanea cinese residente a Beijing - intende mettere in luce uno specifico ambito della video arte cinese, focalizzando l'attenzione sulla video animazione e sulle sue peculiari origini. Gli artisti selezionati, tutti provenienti dal Mainland cinese, che cosa vedono guardandosi intorno? Il caos! Un disordine inebriante, cui fanno fronte attraverso storie e allegorie, che indagano la società di oggi a tinte ironiche, senza il timore di misurarsi con la forte ideologia del Partito.

Come fiori che crescono in habitat impervi, affondano le loro radici in profondità verso un incerto nutrimento, oltre il nudo disagio dei difficili momenti storici, politici e sociali che hanno minato la loro sopravvivenza creativa, questi artisti, nati dal caos, si riappropriano di una loro identità, tracciando una fitta trama che si svincola disinvolta tra passato e presente. In tal senso, la video arte diviene un mezzo importante per ritrovare quel sapore riflessivo proprio della tradizione e uno strumento popolare in grado di contrastare le oppressive ingerenze interne ed esterne. In particolare, incuriosisce la magia dell’animazione, in grado di far superare i limiti insiti nella natura delle consuete arti visive, facendo confluire e rielaborando queste ultime in uno stesso ambiente digitale.

L’animazione di per sé non è una cosa importante: l'animazione è sempre incompleta. Solo cercando di sfondare le limitazioni intrinseche negli altri mezzi si possono raggiungere gli aspetti più preziosi dell'animazione. (Sun Xun)

Video selection:
Chen Shaoxiong, "Ink city", 2005, Animation
Cindy Ng Sio Ieng "Ink Walk", 2009, Video
Jin Shan, "Kill", 2009, Animation, black-and-white
Ma Yongfeng, "Wrong", 2008, Animation
Qi Yang, "Lotus Dance", 2004, Animation
Sun Xun, "People's Republic of Zoo", 2009, Animazione
Wang Bo, "Day Dream", 2006, Video Animation(nell'immagine)
Wu Junyong, "Flowers of Chaos, 2009, Animation
Zhang Xiaotao, "Scar", 2009, Animation

Chinese Animation Videoart Project
curato da Cecilia Freschini
in collaborazione con ArtVerona
Dal 19 Dicembre al 18 Gennaio 2012
Solo su VisualcontainerTV
www.visualcontainer.tv

Il Teatro Verdi di Pisa guarda alle donne

2011-12-21T17:35:00.002+01:00

Ultimo dei molteplici contributi della Fondazione Teatro di Pisa alle celebrazioni per il 150° dell’Unità d’Italia, venerdì 23 dicembre, alle ore 21, al Teatro Verdi, è di scena ITALIANE. Voci e storie di donne negli ultimi 150 anni, coordinamento drammaturgico e registico di Cristina Lazzari, interpreti Cristina Lazzari, Alice Bachi, Erika Gori, Marta Paganelli, e Alice Vannozzi.

Lo spettacolo è un’intensa tessitura di voci, canti, storie, testimonianze che il pool di attrici riprende e arricchisce per proporlo a un pubblico più vasto, dopo il successo riscosso a Palazzo Blu lo scorso giugno, quando su iniziativa del Comune di Pisa lo spettacolo fu presentato come lettura corale nell’ambito della mostra Donne d’Italia. La Metà dell’Unità organizzata dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Pisa.

Grazie alle cinque brave attrici, diverse fra loro per età ed esperienze, in ITALIANE prendono corpo e vita molte figure di donne, protagoniste conosciute o ignote della vita del nostro Paese dal Risorgimento ai giorni nostri. Il tutto seguendo due filoni: da una parte il mondo del teatro (con alcuni omaggi delle giovani attrici di oggi alle grandi attrici del passato), dall’altro la vita quotidiana. Teatro, storia e microstoria si intrecciano così in un arazzo di emozioni, canti, sensazioni, testimonianze, dando rilevanza alle passioni, alle emozioni, alle memorie, alle lotte, ai piccoli e grandi episodi di eroismo quotidiano del mondo femminile. Una presenza che pure ha avuto un peso notevole nella storia culturale e politica del nostro paese, ma che troppo spesso è stata ignorata, sottaciuta, sminuita, dimenticata.

Costumi della Sartoria Teatrale Fiorentina di Massimo Poli, disegno luci di Michele Della Mea, scelta delle immagini a cura di Luca Orsini, proiezioni e fonica Franco Puccini.

Da non perdere.

I biglietti costano 12 euro, ridotto giovani e studenti 7 euro.

Per informazioni Teatro di Pisa tel 050 941111

Little Bit Theatre Festival a Livorno

2011-12-21T09:37:00.003+01:00

Da un’idea di Francesco Cortoni, fondatore dell’associazione teatrale di Livorno Pilar Ternera, nasce la rassegna Little bit theatre Festival, che si svolgera tra i giorni 27, 28, 29 Dicembre presso il Teatro Mascagni di Livorno, in Villa Corridi (LI) in collaborazione con l’associazione ArsNova e Cage Theatre. La necessità è dettata dal desiderio di donare una possibilità culturale diversa che arricchisca l’intera famiglia in un solo evento, creando la voglia di scambio e condivisione della cultura attraverso gioco, magia, teatro, e spettacolo.

Le giornate saranno bipartite tra spettacoli per bambini e adulti. Ai più piccoli verranno dedicati i pomeriggi dei tre giorni dalle ore 18.00 e saranno così articolati: il 27 vede la compagnia Chez Nous…le cirque con lo spettacolo Sogno. Una piccola follia porta in teatro il mondo magico e sognante del circo e del suo principale protagonista da sempre, il Clown. Il 28 ci sarà uno spettacolo di “burattini a guanto” a cura della compagnia Il bernoccolo con lo spettacolo Le orecchie di zio coniglio. Il 29, sempre al solito orario, ci sarà uno spettacolo sulla tradizione della nostra commedia dell’arte.

Gli stessi giorni, di sera, alle ore 21.00, ci saranno spettacoli rivolti ad un pubblico adulto. La prima sera alle ore 21.00, apriranno le danze della rassegna i padroni di casa, Francesco Cortoni e Silvia Lemmi, dell’associazione Pilar Ternera, vincitrice premio Udine, giuria docenti, giovani realtà del teatro, con Provaci Ancora, spettacolo cha affronta il tema dell’amore partendo da un’analisi dell’opera shakespeariana Romeo e Giulietta. Il 28 succederà Riccardo Goretti della compagnia Omini con un monologo inedito dal titolo La famiglia di Goretti. A concludere la rassegna, il 29 Dicembre, sempre alle ore 21.00, ci sarà lo spettacolo L’uomo che s’offre, monologo di e con Antonio Calandrino in collaborazione con Paolo Gionmarelli, un tragicomico monologo sulla situazione dell’attore.

A fine spettacoli lo spazio The Cage riserva dell’ottima musica offerta dal dj set.

Regalatevi un pacchetto di cultura e divertimento per Natale. Costa solo 5 euro.

Buon compleanno, Maestro!

2011-12-20T11:38:00.004+01:00

Giunge alla sua quarta edizione l’ormai tradizionale appuntamento con Buon compleanno, Maestro!, concerto con il quale il Teatro del Giglio e la Città di Lucca celebrano la ricorrenza della nascita del proprio illustre concittadino. Il concerto – giovedì 22 dicembre, alle ore 21 - porterà al pubblico il Puccini che tutti amiamo, quello delle struggenti arie d’opera, degli emozionanti duetti e degli intermezzi orchestrali che hanno fatto conoscere ed amare il Maestro e le sue bellissime melodie nel mondo.

Per l’occasione Elio Boncompagni sarà alla guida dell’Orchestra Filarmonica Nazionale Italiana; a dar voce ai protagonisti delle opere del Maestro un cast artistico di importanti voci pucciniane del calibro del soprano Francesca Patanè, del baritono Marco Chingari e del tenore Luciano Ganci.

Questo il programma nel dettaglio:

Preludio sinfonico in La

da Manon Lescaut ‘Donna non vidi mai’

da Tosca ‘Vissi d’arte’

da Edgar Intermezzo atto terzo

da Tabarro ‘Nulla, silenzio!’

da Tosca Duetto atto primo

da Suor Angelica Intermezzo

da Manon Lescaut Intermezzo atto terzo, ‘Sola, perduta… abbandonata’

da La fanciulla del West ‘Minnie, dalla mia casa son partito’

da Tosca ‘Recondita armonia’

da Madama Butterfly Intermezzo atto terzo, ‘Un bel dì vedremo’

da Turandot ‘Nessun dorma’

Ancora pochi i tagliandi gratuiti per l’ingresso al concerto, distribuiti - fino ad esaurimento posti - alla Biglietteria del Teatro del Giglio (tel. 0583 465320, e.mail: biglietteria@teatrodelgiglio.it).